Sentido y sensibilidad (II)
Sentido y sensibilidad (I)
Fernando Bartolomé Zofío. MGE. Julio 2012 Córdoba
Flores Chaviano: Pasión por la música contemporánea (II)
Fernando Bartolomé Zofío para MGE – Julio 2012
Habiendo música para tantas combinaciones de instrumentos, ¿por qué seguir escribiendo para guitarra? ¿Qué se puede aportar nuevo?*Análisis aquí
¿Hay alguna configuración ideal en la plantilla de instrumentos para Flores Chaviano para una orquesta de guitarras o simplemente depende de cada obra en particular?
No tengo preferencia en cuanto a plantilla de instrumentos. En el caso de la guitarra, hasta cuatro me parece estupenda. En realidad tengo muchas más obras para otras combinaciones instrumentales que para guitarra, espero sin embargo haber colaborado en la incorporación de la guitarra en la música de cámara, a la par que otros instrumentos. Creo que en este aspecto llevamos un cierto retraso, aunque ya contamos con un amplio repertorio con obras fundamentales de este género con autores desde Pierre Boulez, Anton Webern, Mahler y un sinfín de autores importantes.
¿La disposición de los diferentes tipos de guitarra sigue el modelo de la orquesta clásica?
Es posible que de alguna forma lo intente. De todas formas es difícil lograr esto debido a las diferentes familias instrumentales de la orquesta.
Las posibilidades percusivas de la guitarra son inmensas y a veces desconocidas para muchos guitarristas. ¿Puede hablarnos de la variedad en este sentido?
Es espectacular las posibilidades percusivas de la guitarra. Yo intento explotar este aspecto. En el libro de las 15 piezas breves, el último es solo percusión con la guitarra.
La enseñanza
¿Qué se necesita para introducir la música contemporánea a los alumnos?
Se necesita más que nada, un profesor que deje de imponer su gusto al alumno y que entienda de una vez que está formando a una persona y que ello implica ofrecerle un panorama amplio de la música de su tiempo, junto a los otros estilos que el alumno debe conocer en cada curso. Lamentablemente el problema es el profesor, no el alumno. 
Cuando el estudiante se enfrenta a una obra de Sor puede entrar en disquisiciones armónicas, formales o estéticas pero el lenguaje no presenta problemas. El oído está acostumbrado. Cuando se enfrenta a una obra contemporánea parece que necesita de una explicación “racional”. Necesita un “¿por qué?”, cuando en la música de nuestro tiempo la pregunta más adecuada sería “¿por qué no?”. Mi pregunta es: ¿Se necesita un análisis previo en profundidad que nos ayude a comprender al compositor o bien se necesita más costumbre en escuchar música que se salga de los parámetros estrictamente tonales?
Tengo la costumbre de analizar con los alumnos desde las primeras lecciones lo que toca. Gracias a ello, el alumno tiene ese hábito desarrollado. El análisis no tiene por qué ser para la música contemporánea ni hay que darle una relevancia especial a la hora de enseñarla. Es una cuestión de costumbre. El estudiante irá sin duda descubriendo cosas para asombro de uno. La experiencia me demuestra que los alumnos están ya un poco hartos de tocar las mismas piezas y estudios y los mismos estilos, año tras año.
¿Qué repertorio orientativo cree que es adecuado para la introducción en la música contemporánea?
Creo que hay bastante música en este momento para renovar el lenguaje guitarrístico, en mi caso además del libro que conoces tengo otro álbum de “MIS PRIMERAS PIEZAS”, con 15 piezas más, otro álbum con 5 estudios de grafía para aprender ya en el grado elemental la nueva escritura. Todo está editado en EMEC, en España.
¿Hay literatura “didáctica” para la música contemporánea de guitarra en ensemble?
No tengo conocimiento de que exista. Mis texturas son como un juego en el cual pueden participar los alumnos del grado elemental.
¿Cómo contrarrestar la influencia de la música de la época tonal y de la música “ligera” actual? ¿Cómo resetear nuestro bagaje auditivo?
Pienso que no hay que contrarrestar nada, lo que existe ahí está. Si quieres ampliar tu bagaje auditivo deberás escuchar mucha música, sobre todo siguiendo un camino histórico, si se quiere, comenzando por el principio de 1900, por ejemplo.
Música de cámara: ¿Puede hablarnos de autores y obras fundamentales de la época contemporánea que deben conocerse y tocarse en el período de formación?
La música de cámara es la asignatura pendiente de la guitarra. Durante muchos años he trabajado en este aspecto, con mis alumnos de guitarra y con alumnos de la clase de música de cámara, asignatura que imparto en el conservatorio. Lo peor es que no sé hasta que punto los profesores le dan importancia a esto. Cuando llegan a mi clase de cámara un violín, una viola y una guitarra, se aprecia fácilmente la falta de práctica del guitarrista con relación a los instrumentistas que se desenvuelven con soltura a la hora de tocar en grupos. Esta asignatura, desarrolla habilidades fundamentales en la música como es coordinar un tempo común, ajustar los diferentes materiales, amen del análisis formal que deberán enfrentar, deben también tomar conciencia del trabajo en equipo como único medio de sacar adelante una pieza. En estos momentos la música de cámara se comienza en las enseñanzas medias, los alumnos entonces ya tienen un mayor desarrollo instrumental y pueden abordan mucho repertorio, en la época de Giuliani, Carulli, Paganini, Von Call, Molino… Hay mucho material para diferentes combinaciones con guitarra. Modernamente muchos compositores la incluyen en sus obras.
Autores y obras fundamentales de la época contemporánea en la literatura de ensembles de guitarras y de guitarra con otros instrumentos para la Historia.
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| Pierre Boulez |
¿Dónde podemos escuchar música de ensembles con guitarra?¿Qué se puede hacer para promocionar el mundo de la guitarra y darle vida?
A nivel de conservatorios, los encuentros suelen dar un poco de movimiento al trabajo rutinario de alumnos y profesores. Esto valdría la pena fomentarlo más. La asistencia a conciertos es fundamental cuando se ha tomado el aprendizaje de la música en serio. Aquí chocamos con otro problema: la mayoría de los estudiantes del conservatorio comparten sus estudios musicales con los universitarios y esto trae consigo que no tienen tiempo de estudiar fuertemente, justo en el momento en el que el instrumento requiere más tiempo. Este es un problema de difícil solución.
Obra de Chaviano para guitarra en cámara y en ensembles
Textura I, para conjunto de guitarras, 1983
Seis danzas cubanas, para cuatro guitarras, 1984
Scarlatti/85, para cuatro guitarras
Concertante 1, para guitarra y conjunto instrumental
Textura II, para conjunto de guitarra, 1985
Trío, 1986, para flauta, violín y guitarra
Espacio en blanco, para dos guitarras
Tríptico a John Lennon, para cuatro guitarras
Quasar/Gen 87, para flauta, saxofón barítono, guitarra y percusión
Trío, para flauta, viola y guitarra
Villalobos/87 (Homenaje), para tres, guitarra eléctrica y percusión, 1987
Entrequatre, para cuatro guitarras
Tres tocatas, y Son de negros en Cuba, 1988, para cuatro guitarras y percusión
Seis canciones populares asturianas, 1989, para cuatro guitarras
Concierto, para cuatro guitarras y orquesta
Son del olvido 2009
Flores Chaviano: Pasión por la música contemporánea (I)
Fernando Bartolomé Zofío para MGE – Julio 2012
Cuba. ¿Qué tendrá Cuba? Es un hervidero de artistas que parece que no tiene fin. Aunque la sombra de Leo Brouwer es alargada no vamos a hablar de este genio caribeño sino de otro músico genial que siguió su propio camino. Flores Chaviano.
Flores Chaviano es un artista completo. Es guitarrista, profesor, pedagogo, compositor y director. Su valía artística es incalculable. Si tenemos en cuenta que es un músico comprometido con su época así como con la tradición tenemos a un personaje que debemos conocer más en profundidad
A pesar de ser uno de los autores cubanos más reconocidos en todo el mundo por la crítica especializada su obra no es suficientemente conocida. Tiene un catálogo de obras que se acerca al centenar, y entre ellas podemos encontrar música a solo, música de cámara, sinfónica, coral…La cercanía de este músico ha hecho posible esta entrevista que, estoy seguro, no va a defraudar a nadie
Análisis de su música
¿Compone con instrumento o sin él? En la música atonal, cromática, no funcional, me sería muy difícil imaginar sonoridades. La paleta sonora se amplía, la fantasía impera, las reglas estándar desaparecen, por lo que la dificultad de composición mental aumenta.
Si bien en un principio no podía prescindir de la guitarra para componer, poco a poco fui dejándola a un lado. Me costaba mucho avanzar en una obra. Finalmente logré componer sin necesidad de la guitarra. Para componer para orquesta, música de cámara etc., la guitarra no me ofrece ninguna ayuda. Más bien todo lo contrario.
Su carrera como compositor es verdaderamente dilatada y sus obras destilan gran personalidad. ¿Cuáles fueron las influencias musicales que más han calado en usted? ¿En qué manera se plasman en su música?
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| Heitor Villa-Lobos |
En principio pienso que la figura de Villalobos ejerció su influencia muy al inicio de mi carrera. Mi gran admiración por el Maestro y su música sin duda dejó su huella, pero ésta creo que fue muy rápidamente superada.
Desde mis primeras piezas para guitarra, me muevo -a veces- en un atonalismo que brotaba casi de forma natural, sin tener en cuenta las rígidas reglas que en un principio venían de la mano de atonalismo. Al paso del tiempo he logrado que esta libertad a la hora de componer perdure hasta nuestros días.
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| Alejandro García Caturla |
Alejandro García, junto con el compositor Amadeo Roldán, fueron los dos grandes renovadores del lenguaje musical cubano que partían de las raíces africanas. Era todo un movimiento “negrista” al cual se sumaban otros intelectuales como el poeta Nicolás Guillén. Fueron, de alguna forma, como la figura de Falla en España, en cuanto a inquietudes estéticas.
Los compositores cubanos posteriores a Roldán y Caturla, seguimos un camino trazado por ellos. La formación musical que recibimos en Cuba era de alto nivel. Teníamos un profesorado muy cualificado. Ellos nos transmitieron el rigor profesional y la ayuda necesaria para que cada uno desarrollase su personalidad creativa.
El conocimiento es fundamental para la vida creativa pero es habitual en grandes compositores llegar un punto en el que no se quiere escuchar material nuevo, probablemente por seguir un camino más personal y ajeno a influencias externas. ¿Es este su caso? Si no es así, ¿qué música escucha habitualmente?
Con el desarrollo tecnológico que nos invade por todas partes, es difícil vivir de espaldas a la creación-aquí incluyo todas las artes-. Me gusta escuchar todo tipo de música, desde la más vanguardista hasta un bolero de Lecuona o los Panchos. En todos ello puede haber belleza. Los guitarristas en general no practican mucho esto y se cierran al mundo del instrumento que por otra parte es ínfimo comparado con la gran música. Durante más de tres décadas, he impartido cursos especializados en repertorio contemporáneo; grabé decenas de obras nuevas, la mayoría en conciertos en vivo realizadas por Radio Nacional de España; el último curso fue en el Festival Internacional de guitarra de Rotemburguer, Alemania. Creo que estos cursos impartidos por bastantes países, como China, USA, México, Puerto Rico y casi toda la geografía española -incluidos los cursos Manuel de Falla del Festival Internacional de Música de Granada-de alguna forma ayudaron a actualizar la guitarra en España.
Ya casi a nivel particular, ¿hay posibilidad de conseguir las partituras de sus obras Entrequattre, Son de olvido, Textutras I y II?
Con mucho gusto. Entrequatre, compuesta en 1985, fue la primera, compuesta y estrenada por el cuarteto asturiano ENTREQUATRE, -que adoptó el nombre de mi pieza- que han estrenado toda mi música para esta formación incluyendo Texturas I y II. Están escritas a mano al utilizar básicamente grafía moderna. Estas texturas son para orquesta de guitarras, también de mediados de los 80. En el caso de Son del olvido, es una pieza reciente, fue un encargo del Festival Internacional de guitarra de Rotenburguer. Se puede ver el estreno en youtube. Fui invitado a dirigirla.
Aunque toda clasificación tiene connotaciones simplistas en ocasiones puede ayudarnos a hacernos una idea del tema y puede ser útil. ¿Cómo definiría el estilo o el lenguaje de las obras incluidas en las 15 piezas breves para guitarra? En ellas hay momentos tonales, atonales, cromáticos pero focalizando en centros tonales concretos… A veces falta terminología.
Este álbum de 15 Piezas breves comencé a componerlos en Cuba. Curiosamente las cuatro últimas fueron las primeras que compuse, y es posible que algunas de ellas sean de las más alejadas de un “centro” tonal. La realidad es que las dificultades técnicas de estas cuatro piezas, era alto para alumnos del grado elemental, por ello ocupan los últimos números del álbum. El resto de las piezas fueron pensadas para alumnos desde el primero, al cuarto curso de enseñanzas elementales. Hay que tener en cuenta que cuando se editaron estas piezas -hace casi 30 años- no existía apenas material didáctico para encaminar a los más pequeños a la búsqueda de otras sonoridades y referentes tonales, de otros ritmos que se apartaran de una formación excesivamente clásica en todos los aspectos. Era necesario introducir melodías diferentes, raras, pero al fin y al cabo melodías; ritmos poco familiares como los ritmos sincopados del “Son” cubano; disonancias a veces tensa-la Habanera-; melodías modales como –Navidad-.
Si echamos un vistazo a mis primeras obras, veremos como en la década de los 70 utilizo una escritura que mezcla la escritura tradicional con la más avanzada de estos años. Esto define también mi estilo plenamente libre: si necesito un acorde de DO mayor, en un momento determinado, lo utilizo sin ninguna dificultad.
PIEZA
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ESTILO
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FORMA
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COMIENZO
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COMPÁS
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NÚMERO
COMPASES
|
DIFICULTADES
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TEMPO
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Articulaciones
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Imitativo
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A B
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Tético
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3/4
|
20
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Ligados
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Moderato
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Cantabile
|
Tético
|
4/4
|
24
|
Sonido
Apagadores
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Moderato
| ||
Navidad
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Melodía acompañada
|
A B A’
|
Tético
|
2/4
|
24
|
Articulación
|
A gusto
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Son nº 1
|
Melodía acompañada
|
A B
|
Tético
|
2/4
|
25
|
Sextas paralelas
|
Andante
|
Son nº 3
|
Melodía acompañada
|
A A’
|
Tético
|
2/4
|
45
|
Arpegios/Pulgar
Dobles notas i-m
|
Allegro
|
Danza nº 1
|
A B A’
|
Tético
|
3/8
|
56
|
Acordes 3 notas
|
Allegretto
| |
Habanera
|
Melodía acompañada
|
A B reexp
|
Tético
|
2/4
|
37
|
Media cejilla
Articulación
Cromatismo
|
Andantino
|
Bartokiana
|
A B
|
Tético
|
2/4
|
52
|
Ritmo
Internsidad
|
¿?
| |
Cubanita
|
Melodía acompañada
|
II:A B:II CODA?
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Anacrúsico
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2/4
|
75
|
Escalas
Arpegios
|
Allegretto
|
Quasi una cancion
|
Melodía acompañada
|
A B A’
|
Tético
|
2/4
|
41
|
Arpegios
Campanelas
|
Allegretto
|
Son nº 2
|
Imitativo
|
A B reexp
|
Tético
|
2/4
|
56
|
Ritmo
|
Andantino
|
Canción simple
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Acórdica
|
A B A
|
Tético
|
2/4
|
48
|
Acordes 4 notas
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Lento
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Festival de Córdoba 13-07-2012
Hermanos Cuenca: La fusión del piano y la guitarra
Fernando Bartolomé Zofío para MGE.
Hablar de piano y de guitarra, en los círculos clásicos, es hablar de instrumentos solistas que, de vez en cuando, tocan con la orquesta, también de solistas. Pero pocas veces se les asocia como compañeros de cámara.
A pesar de que Carulli, Kuffner, Diabelli, Mertz, Castelnuovo Tedesco y muchos otros han compuesto para esta pareja de instrumentos muy pocas veces se ha visto una formación estable que los reúna.
En el caso que esta vez nos toca, tenemos la suerte de contar con un dúo español de guitarra y piano de reconocido prestigio y larga carrera internacional. Se trata de Francisco y José Manuel Cuenca, conocidos como Hermanos Cuenca.
Tienen como premisas fundamentales la difusión de la música española, en muchos casos cercana al flamenco, y la música original para esta formación. Hablamos con ellos unos momentos antes de un concierto para el Festival de Guitarra de Córdoba
En el caso tuyo, Francisco, empezaste recibiendo clases de tu padre. ¿Era un guitarrista aficionado o era profesional?
Francicso Cuenca Él era un guitarrista profesional de flamenco, profesor de varias escuelas de música, ya que antes no había la posibilidad del conservatorio, y yo comencé con él los estudios de guitarra flamenca. De hecho hasta prácticamente el final de mis estudios en el conservatorio superior seguía yo tocando la guitarra flamenca.
Con lo cual esto me sirvió de muchísimo porque él me sentó las bases de la guitarra.
De algún lado tenía que salir esa influencia en vuestro dúo. Se deja notar en vuestra elección de música y en tus composiciones.
¿Empezasteis los estudios a la vez?
JM Yo empecé un poco antes. Soy tres años mayor que él y empecé en una Escuela de Música de Puente Genil un año antes y acabamos en el Conservatorio Superior de Córdoba. Estudié piano y también clarinete, o cual me ha servido mucho, sobre todo, en la música de cámara.
¿Cuándo empezasteis a tocar juntos como dúo?
JM Nosotros desde siempre hemos estado tocando juntos. Desde pequeños tocábamos juntos y de paso nos ganábamos un dinerillo. Nos buscábamos la vida así tocando en los pueblos de la provincia de Córdoba.
Al principio tocábamos cada uno su parte de solista y al final nos juntábamos. Pero no era algo estable. Con el tiempo él daba sus conciertos por su lado y yo por el mío, cada uno con su carrera profesional internacional. Pero curiosamente haciendo una grabación para Canal Sur, como solistas, el canal nos propuso una grabación conjunta completa. Y ahí ya anduvimos recopilando material, del cual hay muchísimo, y hoy en día los compositores escriben para nosotros; Paco escribe para el dúo…
FC De hecho hoy* viene Erik Marchelie viene de París hoy para escuchar el concierto de Córdoba ya que es uno de los compositores que ha escrito para nosotros y del cual estrenamos una obra. Es una obra original para piano y guitarra. De hecho todo lo que tocamos hoy está escrito originalmente para piano y guitarra. No hay nada de arreglos.
*Concierto del 13 de julio en el Festival de Guitarra de Córdoba
De los CDs que tenéis publicados en vuestra web más de la mitad de las piezas son arreglos para dúo de piano y guitarra, pero sé que tocáis música original para esta formación y que incluso tú (Francisco) has escrito algunas obras como Damasco, la cual me encantó por su cuidada y original mezcla de clásico y flamenco.
FC Con esa composición precisamente abrimos el concierto. Y ya he compuesto bastantes más. El concierto de hoy lo cerramos con otra obra mía que se llama Anzur. Aparte tengo otras como Abyla, Kamakura, Taranta y Beirut. Son piezas que he compuesto originalmente para piano y guitarra y además muchos otros compositores. De Erik Marchelie vamos a estrenar Linares y Preludio antojadizo, que además están escritas para nosotros.
Quizás sea por desconocimiento mío. Pero ¿por qué sois internacionalmente reconocidos pero no tanto en España? ¿Os prodigáis menos por aquí?
JC Bueno, es cierto que estamos muy centrados fuera de España. Pero tocamos en Córdoba hoy, la semana que viene en Málaga en unos meses estaremos en el Palau de la Música en Valencia…
¿Es una cuestión de publicidad?
JC Tocar si tocamos, pero es cierto que tocamos menos en España que fuera.
¿Dónde podemos comprar la música vuestra?
JC Se puede comprar en El corte inglés. Pero es cierto que cada vez limitan más la música.
¿Cuestión de distribución?
JC Puede fallar. Es cierto que si se terminan no hay reposición…
De los compositores que han compuesto para vosotros, ¿tocáis algo más en este concierto?
FC Aparte de Erik Marchelie, tocamos dos piezas de un dúo italiano de piano y guitarra compuesto por Maurizio Colonna y Luciana Bigazzi, que han escrito música para muchas películas. Las piezas son Prelude pour un enfant y Formentera.
¿Qué tipo de música es?
FC Es una música impresionista neoromántica. Lo que se llama actualmente el nuevo lirismo. Concretamente en mis obras, dentro del contexto actual de la música, mantienen un sabor andaluz, de la música folklórica andaluza y sobre todo de mis vivencias con la guitarra flamenca que tanto aprendí con mi padre. Todo eso es lo que imprimo en mis composiciones. La esencia de la música andaluza y el flamenco.
¿Cómo trabajáis el tema de los arreglos?
JM El compositor es Paco. Es el que compone y el que arregla.
¿Cómo es el proceso?
FC Se trata de respetar a los dos instrumentos al máximo, sobre todo en las obras originales, el tratamiento es como si fuera guitarra sola o piano solo en su máxima plenitud. Por supuesto es un dúo concertante en el que la guitarra acompaña muchas veces al piano y viceversa, en el que los dos tienen la misma importancia.
Procuro que sea así también en las versiones, tratando de que ambos tengan la misma entidad y de que se constituyan como si fueran un solo instrumento.
¿Utilizas la partitura original únicamente o te vales de otras ayudas como música grabada?
FC No, no. Únicamente la partitura original, tratando de respetar al máximo al autor.
Pasando al tema educativo. En mi época de conservatorio los dúos guitarra-piano se prodigaban poco o se evitaban por lo delicado de la cuestión. Yo toqué con una pianista no muy cuidadosa con el delicado sonido de la guitarra y fue un verdadero suplicio tocar. ¿Cómo conseguís mantener ese peligroso equilibrio entre guitarra y piano?
FC Precisamente eso es lo que hemos trabajado durante mucho tiempo. Sin sacrificar en exceso el piano, José ha desarrollado una técnica de pulsación al estilo de los pianistas románticos. Es cierto que hoy en día se le considera muchas veces como un instrumento casi de percusión, pero no es así. El piano es un instrumento delicadísimo que puede utilizar la percusión como recurso.
Al mismo tiempo, el guitarrista al verse obligado a la potencia sonora de un piano obviamente tiene que desarrollar una técnica más clara, con mayor presencia y más intensidad.
¿Qué consejo daríais a un pianista y a un guitarrista para conseguir buenos resultados con un dúo así?
FC Trabajar mucho el sonido de ambos instrumentos. En el piano la pulsación debe ser dulce sin percutir excesivamente, utilizando el pedal de una forma especial para que eso funcione, lo cual es bastante complicado.
El guitarrista debe conseguir una técnica que le permita sacar más potencia de sonido. Apoyando, tirando, buscando todos los recursos guitarrísticos para que el instrumento suene más.
De la información que yo dispongo hay muchísimo material original para dúo piano-guitarra de la época clásico-romantica pero solo habéis grabado una: Sonata brillante (Anton Diabelli). ¿Habéis tocado más cosas o es que no os interesa especialmente esta música?
JM Solo hemos grabado esta de Diabelli pero hemos tocado muchas (Webern, Beethoven…)
FC Tenemos grabadas varias de estas obras en un programa de televisión pero no en CD.
JM Hay muchas obras de Diabelli, Kuffner, Carulli… Pero es verdad que estamos más centrados en otra cosa. Ahora en el nuevo disco que estamos preparando seguimos en la misma línea tocando obras originales de Marchelie o el dúo italiano, y por supuesto con nuestra música. La música española, que también hay que tocarla.
FC Estamos muy centrados en difundir la música original actual para piano y guitarra. Nos interesa para ampliar el repertorio y para animar a los compositores a que continúen escribiendo para el dúo. De hecho, en la época clásico-romántica de la que hablabas era uno de los dúos más populares que existían: dúo de guitarra y piano forte.
¿Qué aporta la música de cámara al guitarrista?
JM Aporta mucho. Educativamente y musicalmente. Todo músico, ya sea pianista, guitarrista o de cualquier instrumento que sea, necesita tocar música con otros y compartir la música. Esto le hace desarrollarse más como persona, como músico… Un instrumentista solo puede terminar amanerándose excesivamente. Entonces el tocar con grupos, orquesta, etc. requiere desarrollar otras capacidades como la rítmica, dinámicas, matices, coordinación con el resto…
Esto quiere decir que a nivel personal y a nivel musical es fundamental para cualquier músico.
Enlaces de interés
Entrevista a Paco Valeriano
La nueva enseñanza: recursos para tiempos modernos. (III)
Por Fernando Bartolomé Zofío. MGE
Final de la entrevista con Paco Valeriano
Paco Valeriano es un experto en buscar formas de divertir mientras se aprende. Es un profesor de guitarra que se ha preocupado desde sus inicios como profesional a facilitar las cosas a la gente que quiere iniciarse en este mundo. Es un pedagogo especializado en los niveles iniciales y, de forma especial, en edades tempranas.
Bien, en la pregunta anterior ya he comentado que utilizo bases que creo completamente yo mismo con los programas de ordenador, que son un tesoro. Programas de edición de partituras, secuenciadores, edición de sonido, edición de vídeos, etc. Siempre a nivel de “usuario”, pero aunque no los domino perfectamente estoy muy contento con el resultado, además poco a poco se van aprendiendo cosas nuevas que ayudan facilitan y mejoran el trabajo.
Después está el tema de internet. Edito vídeos de mis alumnos que cuelgo en Youtube, que es algo que les ilusiona y motiva mucho, y también algunos vídeos míos tocando una nueva serie de piezas y estudios que he compuesto dirigidas a alumnos de grado medio. Tengo dos canales en Youtube (magypac y pacovalesolos) y una web (pacovaleriano.com), todo dedicado a la pedagogía de la guitarra, un proyecto que comencé este curso (2011) y en el que todavía me queda mucho trabajo por hacer. En mi web tengo una “Zona VIP” que utilizo para intercambio de archivos con mis alumnos, así pueden descargarse bases que utilizamos, oírse en grabaciones que hemos hecho en clase y otros materiales de soporte para el estudio en casa.
¿Puedes poner algún ejemplo de música en grupo para los recién iniciados?
Por supuesto, ya en mi web todo el material que he subido de música de cámara es gratuito y lo puedes oír, ver y descargar fácilmente, pues incluye partituras en PDF, audios, vídeos y también archivos MIDI -para facilitar que puedas manipular la partitura a tu gusto y adaptarla a tu grupo-. Quiero recalcar esta última opción, pues priorizo la faceta pedagógica de estas partituras. Yo no soy compositor, soy profesor de guitarra y desde mi conocimiento del instrumento compongo piezas a partir de ideas sencillas para mis alumnos, principalmente de iniciación. Estas ideas las adapto al grupo que tengo delante y no excluyo a nadie por poco nivel que tenga o por las pocas aptitudes que muestre para la música, por eso siempre incluyo alguna voz más fácil cuando en el grupo hay algún alumno así. Pero como ejemplo de lo que he dicho en esta entrevista voy a destacar algunas:
- “La máquina diabólica”, es una propuesta para un cuarteto, pero se puede adaptar para más o menos guitarristas. Con esta pieza se trabaja la pulsación interna. El alumno debe esperar su turno y contar cuando tenga algún compás de espera. Hay partes individuales y tuttis. El ritmo debe ser exacto pero las notas son aleatorias a partir de unas premisas concretas. Es una pieza ideal para empezar, que siempre funciona y que además les encanta –de esta todavía no tengo un vídeo con alumnos, aunque ya la hemos tocado en concierto varias veces y siempre con muy buen resultado-. Un detalle gracioso que no está en la partitura es que alguien da la entrada tocando cuatro pulsaciones con una carraca, de manera que suene como si “diéramos cuerda” a la máquina.
- “Insectos” es una pieza de estilo parecido a la anterior, aunque sin número de guitarristas definido, pero contra más mejor. También se basa en un esquema formal y a partir de él el alumno puede escoger algunas opciones libremente. Se proponen unos motivos (que pretender ser sonidos producidos por insectos), pero se pueden cambiar y añadir otros libremente, incluso algunos propuestos por los propios ejecutantes. Podemos utilizar estos motivos para trabajar técnicas que quizás no se utilizan en las piezas individuales por su dificultad, pero que aquí tiene cabida, pues no se pide una ejecución tan precisa: ligados, pizzicatos, glissandos, cejillas o medias cejillas… en fin, todo aquello que se te ocurra. De esta pieza sí que puedes ver un vídeo de un conjunto de alumnos tocando (ver vídeo).
- “En marcha por la selva” sería otro tipo de propuesta más convencional, pieza también sencilla, a tres voces y que esta sí que obliga a seguir siempre la partitura. Esta pieza y la anterior pertenecen a la suite “De safari” en la que estoy trabajando, pues del quinto movimiento, “Estampida”, tengo la idea pero todavía no está escrito y el último, “Anochecer”, es un poco arriesgado, pues todas las voces ejecutan armónicos y todavía no he comprobado si funciona con alumnos. Salvo en el segundo movimiento, “Insectos”, que ya he explicado, en todos los demás la melodía se toca en séptima posición, de manera que se puede facilitar la lectura colocando una cejilla (el aparato, no la técnica) en el traste VII y tocándola transportada. En la particella incluyo tanto la notación real, para alumnos más avanzados, como la transportada. Este es un recurso que nos permite conseguir con alumnos de poco nivel una mayor tesitura global, de manera que las voces no estén tan juntas, dando menos armonías estrechas. En la suite, aunque está pensada para alumnos de poco nivel, siempre hay alguna voz todavía más fácil para aquellos que por edad o aptitud les cuesta mucho. En algunas piezas utilizo el recurso del ostinato de acompañamiento, muy útil para estos niveles. Intento siempre proponer piezas sugerentes, con una historia que se debe explicar al grupo, para ayudar a crear el clima y la situación que propone la pieza y lograr así que el alumno se “sumerja” mejor en ella a través de su música. Por ejemplo en “En marcha por la selva” representa que vamos caminando por una senda hacia el campamento, cargados con nuestras mochilas y cansados por el esfuerzo. Hay que buscar un efecto de fatiga, con una pulsación adecuada y tocando pesante. Es también importante la propuesta del juego de dinámicas por bloques, que va de flojo a fuerte y otra vez a flojo y desapareciendo, como si viéramos pasar a la “expedición” por delante nuestro, de manera que aparece, pasa y se pierde en la selva.
En tus libros utilizas la improvisación. ¿De qué forma los animas a ello?
Practicándola desde el inicio, como ejercicio rutinario de clase que utilizo para introducir notas nuevas, aprender otras posiciones, escalas, ritmos, algún aspecto técnico, etc. Me sirve para trabajar todo esto fuera de la partitura, con la ventaja que ello supone al eliminar la atención de otros elementos que distraen y centrarnos en la novedad. De esta manera improvisar se convierte en algo normal y no excepcional.
Para niveles intermedios, que no están acostumbrados a la improvisación, ¿cómo consigues que pierdan el miedo al “vacío sin partitura”? Reconozco que yo hay veces que no lo he conseguido.
Se trata de que poco a poco se vayan soltando. Podemos empezar haciendo un ejercicio técnico, por ejemplo una escala, al cual le añadimos un acompañamiento tocado por nosotros. Poco a poco pasamos de darles pautas muy concretas (ritmos, notas que pueden utilizar, etc.), con las que el margen para la improvisación es muy pequeño, a ir introduciendo variables que ellos pueden escoger (combinar con otros ritmos, saltos de notas, notas repetidas, etc.). Si se va aumentando el número de variables paulatinamente, a medida que el resultado musical vaya siendo satisfactorio, el alumno se sentirá con confianza para ir probando y arriesgando. Si el proceso se hace bien al final el propio alumno verá que ya está improvisando y podemos tocar una pieza tipo “Rumbadita” que incluya una parte de improvisación con la escala que hemos trabajado. De todas formas, si no lo disfrutan, por vergüenza o por inseguridad, podemos dejarlo para más adelante cuando se sientan más seguros con el instrumento y más maduros musicalmente.
Antes de tocar una pieza nueva con un alumno se suele realizar un trabajo previo de preparación. ¿Tienes alguna rutina establecida para ello?
La única rutina es el tener que pensar qué trabajo previo necesita cada partitura nueva para cada alumno en concreto. Las variables son muchas, dependiendo del nivel del alumno, su edad, su capacidad, su personalidad; y del tipo de pieza, su dificultad, qué novedades plantea, etc. Pero pensando en un alumno pequeño, que lleva poco tiempo tocando, podemos generalizar un poco. Primero haría un trabajo técnico acorde a lo que le exigirá la partitura (técnica que utiliza la mano derecha, combinaciones de dedos de la izquierda, etc.). Después repasar las notas en la guitarra y aprender a tocar por imitación toda la pieza o, si es larga, los pasajes más difíciles. Finalmente una lectura por partes de la partitura, por una lado del ritmo para ver su grado de comprensión y por otro de las notas (digitadas y si hace falta apuntando el nombre de las notas). Ya solo queda tocar la pieza siguiendo la partitura.
¿Cuáles crees que son los requisitos más importantes que debe tener un alumno para aprender a hacer música en grupo?
Para el tipo de conjunto con el que trabajo lo más importante para mí es el respeto al grupo, demostrando interés y poniendo atención en todos los detalles que trabajamos. No tengo grandes expectativas de lo que voy a conseguir a nivel musical, aunque me gustaría que sonara mejor, yo priorizo el trabajo pedagógico y el que sea una experiencia positiva y divertida. No excluyo a nadie ni hago una selección, puedo tener alumnos poco dotados que incorporo al grupo aunque sé que van a estropear el resultado final. Pero todos deben esforzarse y mostrar respeto por el trabajo de los demás. Yo les hablo de una mentalidad de equipo, cualquiera puede fallar puntualmente pero el resultado final será mérito de todos.
Pregunta obligada. ¿Cuáles son para ti los beneficios más importantes de tocar en una agrupación?
Hay varios aspectos importantes. Por un lado el alumno mejora al verse ante unas dificultades diferentes de las que le plantea el tocar solo. Si escucharse es importante para tocar bien, el tocar con otros te obliga a ir un poco más allá: escucharte, escuchar a los otros e intentar empastar en el conjunto. Exige una escucha más atenta y consciente. Debes adaptarte al ritmo del grupo y sentirlo como propio. Por otro lado la experiencia musical se enriquece y abre nuevos horizontes. La diversión y el gozo de tocar con otros es tan potente que descubrirá que la música le ofrece todavía algo más y, con el tiempo, aquellos alumnos que por diversos motivos abandonan los estudios musicales, tendrán tan buen recuerdo que no lo olvidarán jamás.
También es una manera más bonita de afrontar la actuación en público, sin la exigencia ni la tensión que conlleva salir al escenario solo y además el resultado es más espectacular, tanto para el que toca como para el que escucha. ¡Cómo les envidio!
Enlaces de interés
Entrevista a Paco Valeriano
La nueva enseñanza: recursos para tiempos modernos. (II)
Por Fernando Bartolomé Zofío. MGE
Continúa la entrevista con Paco Valeriano
Paco Valeriano es un experto en buscar formas de divertir mientras se aprende. Es un profesor de guitarra que se ha preocupado desde sus inicios como profesional a facilitar las cosas a la gente que quiere iniciarse en este mundo. Es un pedagogo especializado en los niveles iniciales y, de forma especial, en edades tempranas.
He podido comprobar que cuando los niños no están acostumbrados a tocar en grupo, y no están muy preparados con la lectura, cuando lo hacen suelen equivocarse pronto. Y lo peor no sólo es que tardan poco en equivocarse sino que luego dejan de tocar porque no saben retomar la música. O sea que ni leen bien ni escuchan bien porque se encuentran confundidos. ¡Aprenden a no tocar en grupo! ¿Te ha ocurrido algo similar? ¿Cómo te planteas la solución?
Si a la lectura musical, tan compleja, se le añade la dificultad de tocar en un grupo, lo normal es que pase esto. Para empezar, si tienen que leer para tocar, el nivel de lectura y de técnica de cada alumno debe ir muy por encima de lo que le plantee la partitura. Como ya he dicho antes, soy partidario de que debe haber espacio para todo. Debemos trabajar cada dificultad por separado, haciendo un ejercicio específico para todo aquello que nos interese mejorar, dándole al alumno herramientas y recursos para afrontar después las piezas de grupo más difíciles. Por ejemplo: para trabajar la lectura hacerlo con partituras sencillísimas, muy por debajo del nivel del alumno, dándole la oportunidad de tocar “sobrado” para que pueda escuchar el conjunto; para los alumnos que se pierden podemos trabajar la incorporación en puntos concretos de la pieza, o trabajar por frases de atrás hacia delante, o sea empezando por el final, después lo anterior a este final, etc.; pensar dinámicas que ayuden a situarse mejor en la estructura de la pieza; jugar a director para que los alumnos aprendan a dar entradas, finales, sentir el conjunto de la pieza, comprender mejor su estructura, etc.; hacer juegos para trabajar el sentir mejor la pulsación, el ritmo, dinámicas, la escucha, etc., sin tener que estar “atados” a la lectura; dejar un espacio para la improvisación con juegos o piezas que incluyan partes improvisadas o que dejan algún aspecto a la ejecución libre por parte del alumno (tipo “In C” de Terry Riley, de la que se puede coger la idea y hacer una pieza a medida de tu conjunto); y todo aquello que con creatividad puedas inventar para tu grupo específicamente. Así el nivel del alumno subirá en todos los aspectos y también el del grupo y permitirá en un futuro afrontar partituras más complejas. Debemos conseguir que los alumnos toquen sueltos y se sientan capaces y seguros de lo que hacen para integrarse bien en el conjunto.
A veces para tocar en grupo basta con tocar todos los alumnos la misma melodía, sin ningún tipo de acompañamiento ni contrapunto. Se trabaja así la cuestión rítmica, el tempo, la afinación. No es poco. ¿Quizás no necesitemos tríos o cuartetos “fáciles” del renacimiento o barroco?
Bueno, esto sería un ejercicio como los que sugiero en la pregunta anterior que sirven para mejorar la capacidad del alumno-grupo, pero el objetivo final sería llegar a tocar verdaderas piezas de cámara. Es un buen ejercicio que todos sean capaces de tocar la melodía de la pieza de cámara que queremos trabajar y posteriormente añadir una voz de bajo sencilla y ver (sentir) el efecto que produce; después podemos añadir una voz que complete la armonía, una segunda voz, etc.…
¿Cómo introduces a los alumnos pequeños en la lectura?
En la lectura musical con instrumento hay varias dificultades que los alumnos deben resolver a la vez: conocer los ritmos y saber realizarlos, conocer las notas y su ejecución en la guitarra, la técnica de la mano derecha que exige la partitura, la técnica de la mano izquierda, tocar sin mirar las manos para mirar la partitura y la ejecución conjunta de todo esto.
Para la introducción a la lectura lo primero que hago es que aprendan a tocar algo de memoria por imitación y después vemos como se escribe. Despertamos así su curiosidad y aumentamos su autoestima “¡Ya sé tocar esto!”.
El siguiente paso nos lo marca la partitura. Debemos hacer un trabajo previo de comprensión de la partitura fuera del instrumento, dominando los ritmos y notas que nos pide. También haremos ejercicios técnicos para trabajar las dificultades que conlleve la ejecución concreta de la partitura, por ejemplo saltos de cuerdas para la mano derecha o combinaciones de dedos para la mano izquierda. Improvisar sobre las notas que salen en la partitura. Improvisar sobre los ritmos de la partitura. Probar de hacer algunos de estos ejercicios primero mirando y luego sin mirar las manos… Y finalmente tocar la partitura.
A medida que se avanza en el proceso de la lectura, habrá pasos que se puedan saltar, pero debido a la dificultad que entraña la lectura habrá alumnos que, por su capacidad o por el poco tiempo que dedican a practicar, les resulte imposible. En estos casos se puede facilitar la lectura escribiendo el nombre de las notas, si esto es lo que más les cuesta, o también soy partidario de postergar la lectura y tocar por imitación, avanzando en otros aspectos. Cuando tengan un mayor dominio del instrumento y hayan crecido intelectualmente todo será mucho más fácil. También habrá casos (pocos) de lo contrario, alumnos con mucha facilidad con los que puedes avanzar más rápido sin tener que ir pasito a pasito. El alumno nos guiará en el proceso, pero como profesores debemos evitar la frustración o la sensación de que es demasiado difícil… por no decir imposible.
En tus libros utilizas mucho los dibujos, los juegos y no tanta música ni canciones. La progresión es más lenta pero quizás el aprendizaje es más global y más seguro a medio plazo. ¿Puedes hablarnos de ello?
Bueno, en realidad no es del todo así. Es cierto que en “Cuadernos de guitarra”, como estaba dirigido a alumnos muy pequeños, utilicé mucho los dibujos y juegos, sobre todo en el primer cuaderno, pero siempre con un sentido musical, o si prefieres pedagógico-musical. Y también hice un libro, “Suite de Guitarjuegos” (que no he llegado a publicar) que se basaba enteramente en juegos y también en ejercicios y piezas que el alumno aprendía por imitación a partir de una “partitura” simbólica, con dibujos y esquemas que se memorizaban rápidamente, muy visuales. Esto tiene que ver con lo que he dicho antes de la dificultad de aprender a leer partituras. Era un material pensado para tocar la guitarra de forma más intuitiva.
Pero mi último libro, “GuitarTracks”, no tiene ni un dibujo, aunque sí algún juego. En él utilizo el recurso de las bases (de ahí lo de Tracks, aunque no todos los ejercicios tienen bases). En un principio el planteamiento del libro era convertir algunos ejercicios de mecanismo que consideraba muy útiles, pero que resultaban a menudo tediosos, en sencillas y a la vez divertidas piezas, utilizando una base que resultara sugerente y amena para el alumno, de manera que tuviera más ganas de repetir una y otra vez el ejercicio (tipo “Aladino” para quién conozca mis “Cuadernos de guitarra” o como estas piezas que he colgado en Youtube: “Escalas New Age” –escalas en las tres primeras cuerdas-, “¡Hay goteras!” –ejercicio para la mano izquierda- o “Funambulista en la segunda” –combinaciones de dos en dos de las notas de la segunda cuerda-). Pero posteriormente amplié el proyecto inicial con otro tipo de ejercicios, estudios y piezas, hasta que al final ha resultado un libro que propone un repertorio progresivo para casi todo el grado elemental partiendo desde “cero”.
En definitiva pienso que los profesores debemos de estar abiertos a todo tipo de ideas y propuestas y tener un amplio abanico de recursos para ofrecerle al alumno aquello que más necesita en cada momento de su proceso de aprendizaje musical y guitarrístico y no ceñirnos tanto a un método que “funciona” y que creo que pertenece más al estilo antiguo de escuela-conservatorio donde el alumno o se adaptaba al plan de estudios o no era “apto”.
La entrevista sigue en una última parte
Entrevista a Paco Valeriano
La nueva enseñanza: recursos para tiempos modernos. (I)
Por Fernando Bartolomé Zofío. MGE
Quien quiere hacer carrera musical, de verdad, la va a hacer. Tenga al profesor que tenga. Es una cuestión inapelable. Manuel Barrueco asegura que es imposible parar a un alumno que quiere aprender, así como es imposible enseñar a un alumno que no quiere aprender. Pero la gran mayoría de los chicos que empiezan a estudiar guitarra no saben si se van a dedicar a ello, ni les importa lo más mínimo (como es lógico).
Paco Valeriano es un experto en buscar formas de divertir mientras se aprende. Es un profesor de guitarra que se ha preocupado desde sus inicios como profesional a facilitar las cosas a la gente que quiere iniciarse en este mundo. Es un pedagogo especializado en los niveles iniciales y, de forma especial, en edades tempranas.
Quizás nos cuesta asumir a estas alturas del siglo XXI que un principiante de 20 años no tiene nada que ver con un principiante de 6 y que, por lo tanto, no servirán ni los mismos métodos ni la misma música.
Por ello me pareció muy interesante traer a MGE a un especialista en esta materia tan difícil como es la de enseñar a los niños a aprender guitarra. Para ello ha escrito una colección de tres cuadernos progresivos para iniciación y uno más completo, abarcando 4 años, llamado Guitartracks. Además, cuenta con una excelente página web llena de recursos, partituras, juegos e ideas pedagógicas que van a facilitar el trabajo de muchos docentes.
Con Andrés Segovia el inconsciente colectivo ha parecido funcionar perfectamente. En el honorable intento de hacer de la guitarra un instrumento respetado, importante y reputado, como lo era el piano, quizás hemos interiorizado el concepto de que lo que importa es la guitarra solista y que todo músico debe aspirar a ser el nuevo mesías de las seis cuerdas.
Según datos de estadísticas Oficiales:
El Conservatorio Superior lo terminaron 923 alumnos, lo que es un 11.9 %
El Conservatorio Profesional lo terminaron 3.133 alumnos, lo que es 8.3 %
El Conservatorio Elemental lo terminaron 6.507 alumnos, lo que es 14.7 %
De ese 11.9 % final que terminaron la carrera muy pocos alumnos trabajan como solistas y sin embargo muchos “salen por piernas” en los primeros estadios del aprendizaje porque el sistema está muy centralizado en la figura del solista ¿No crees que es hora de replantearse las programaciones y las formas de abordar la enseñanza?
Sí, y el de toda la enseñanza en general. Venimos de unos planteamientos decimonónicos que básicamente se han ido modificando sobre la marcha para adaptarlos a los nuevos tiempos y a veces, como con la LOGSE, el cambio es más teórico que práctico. Hace falta, en vez de tanta evolución, una revolución. Recomiendo una conferencia de Ken Robinson sobre si “¿las escuelas matan la creatividad?” , aunque se refiere a las escuelas de enseñanza general se puede trasladar la idea a las escuelas de música.
No hace mucho tiempo sólo se podía estudiar música en unos pocas escuelas y conservatorios que había en algunas poblaciones importantes y el estudiante de música valoraba más el hecho de poder estudiar música y se lo planteaba seriamente, accediendo al nivel profesional, incluso al superior, en una alta proporción; actualmente encuentras escuelas de música en cada pueblo, que dan oportunidad de hacer música a un público más diverso, que en su mayoría desconoce qué implica estudiar música y que tiene unas expectativas muy diferentes del antiguo estudiante de música. Este nuevo alumnado es el que nutre las escuelas de música y del que viven sus profesores actualmente y el planteamiento, las programaciones y los objetivos deben adaptarse a esta realidad. Las escuelas de música ya no forman futuros músicos, sólo dan una “ligera” educación musical y deberían plantearse ofrecer estas dos líneas, haciendo ambas de la mejor forma posible y no frustrarse por ofrecer sólo la primera pero que a la postre se acaba por convertir de mala manera en la segunda.
En cuanto a los conservatorios, su función es dar una sólida formación y preparar a futuros músicos, pero para todas las opciones profesionales posibles. Dominar el instrumento propio es fundamental, pero, centrándonos en la guitarra, ¿cuántos guitarristas vivirán de dar conciertos de música clásica? En cambio ¿cuántos se dedicarán a la enseñanza? A pesar de que todos los músicos, en diferentes niveles y variantes, darán muchas clases a lo largo de su vida profesional, en los conservatorios superiores ¿se aprende cómo enseñar guitarra? Cuando yo estudiaba, no. Por lo menos algo realmente útil. Ni se enseñaba a componer tus propias piezas (a menos que estudiaras específicamente composición), ni a improvisar (a menos que estudiaras por tu cuenta “moderno”), ni nociones básicas de flamenco, ni siquiera a dar un buen recital de guitarra sin que tuviera que ser de un nivel virtuosístico, ni por ejemplo (el que es el tema de esta web) a dirigir un conjunto de guitarras o hacer arreglos o componer piezas sencillas para estas agrupaciones. Sé que ha habido cambios desde que yo acabé y no estoy al tanto de lo que se hace al cien por cien, pero en lo que respecta al tema de aprender a enseñar soy bastante escéptico de que se haga algo realmente útil. Hace falta una formación más global.
Quizás en la nueva ley de educación ya se plantea darle más relevancia a las materias grupales, a la improvisación, nuevas tecnologías, etc. Mi impresión es que mucho de lo escrito es una teoría no practicada en las aulas de los conservatorios. ¿Qué opinión tienes al respecto?
Esto requiere ampliar las plantillas de los conservatorios con nuevo profesorado (que con los tiempos que corren va a ser que no).
Por el contrario, siempre habrá gente con inquietudes que buscará nuevos caminos o que recogerá semillas sembradas por otros, pero que tienen difícil acceder a los puestos claves donde se decide la cuestión.El profesor de música, según mi experiencia, tiende a ser conservador: enseña tal como le han enseñado.
Creo que la actual situación económica será fundamental y provocará cambios a la fuerza… hace falta ver en qué dirección.
Los grupos de guitarra, sobre todo los de los niños más pequeños pueden ser un caos total. Con el tiempo he asumido que ese caos en cierta manera es inevitable en un niño pero puede reconducirse en cierta manera para el aprendizaje. ¿Qué estrategias organizativas utilizas para la organización de estas clases?
Todo tiene que estar previsto y preparado: el aula, las sillas, partituras, atriles, donde se sienta cada alumno, etc. Si no tenemos tiempo para preparar la clase, podemos nombrar “responsables” para cada cosa, esto último además de ser útil les encanta.
También ayuda que haya una estructura de la clase o del ensayo que el alumno conozca y que sepa qué comporta cada aspecto, pasando de una a otra sin tregua, por ejemplo: preparación, afinación, calentamiento con ejercicios específicos de grupo o juegos musico-instrumentales, trabajar piezas nuevas, trabajar piezas ya dominadas y recoger.
Crear “rituales” que ayudan a agilizar la clase y evitar desorden: en vez de afinar nosotros las guitarras una a una (mientras los demás se esperan y hacen ruido o hablan), es mejor que el profesor toque una cuerda y por turno cada alumno afina esa cuerda en su guitarra por sí solo (con indicación del profesor si hace falta); esto requiere un pequeño proceso de aprendizaje pero después es ágil y ayuda al orden y a la concentración.
Buscar estrategias (como el de la afinación que ya he explicado) para evitar aquello que molesta o entorpece y que se repite en cada ensayo: para evitar partituras que se desordenan o se caen, un sistema es pegar las partituras en una libreta grande de espiral que se aguante bien en el atril. También las banquetas de pie dan problemas: hay que montarlas, colocarlas, luego se desmontan, caen, se tropiezan… con el “gitano” se soluciona todo esto fácilmente. También hay que saber cómo y cuándo dar un descanso para que se desahoguen.
Naturalmente hay un proceso de aprendizaje (por parte de todos) y se debe trabajar el respeto por el profesor y por los compañeros, pero evitando las broncas y castigos. En definitiva hay que tener mucha paciencia, constancia, buena planificación… y aprender de los errores.
¿No crees que mucho fracaso de las clases colectivas pasa por intentar tocar cosas escritas, trabajando principalmente con la partitura, en lugar de probar con improvisaciones, juegos, dictados…?
Pienso que el principal motivo de fracaso es que sólo conocemos la clase instrumental individual, tanto en nuestra propia experiencia como alumnos como en nuestra experiencia profesional. Cuando nos vemos forzados a realizar clases colectivas (pues normalmente es una imposición, no una elección), lo intentamos hacer desde nuestro conocimiento de la clase individual, aplicándolo a la clase colectiva, cuando su dinámica es muy distinta.
La lectura musical es muy compleja, pero se puede abordar de diferentes maneras. Debes conocer al grupo que tienes delante y como funciona mejor, pero siempre tiene que haber espacio para todo. Volviendo al primer punto, mi opinión sobre el papel de la escuela de música actual es ante todo una enseñanza que prime el aspecto lúdico-musical y hacerlo lo más dignamente posible.
(Continúa)
Popularizando la guitarra clásica
Fernando Bartolomé para MGE Mayo 2012
- En tu producción bibliográfica has editado partituras incluyendo la tablatura. Hay gente que toca muy bien pero no lee muy bien y pienso que es una oportunidad perdida para ellos el no poder tocar mucha música. ¿Es una forma de ampliar el abanico de la guitarra clásica y hacerla más accesible a la gente?
Exactamente. Es una forma de abrir el abanico. Por ejemplo, hay muchos guitarristas no clásicos o acústicos que están encantados de tocar algo de música clásica y esta es una forma de acercarles la música.
- ¿Hay algunos autores que creas conveniente recomendar para grupos en los primeros años de aprendizaje?
Para los primeros años en orquesta o grupo, más que autores recomiendo arreglos de autores Pop, como los Beatles. Sentir claramente la melodía, el ritmo, etc. funciona muy bien.
- ¿Trabajas la improvisación en tus clases de grupo?
No es un tema que haya desarrollado en mis clases. Siendo un guitarrista clásico no estoy acostumbrado a esta manera de proceder con la improvisación. Pero pienso que sí es una buena idea a trabajar.
Pero está claro que es muy divertido.
- Yo estoy lejos de ser un jazz-man pero es un recurso que utilizo en mis clases y no es tan complicado como puede parecer. A veces basta con dar una progresión de acordes y una serie de notas restringidas sobre las que improvisar y fundar a partir de ahí pequeñas “composiciones”, jugando con el ritmo, la dinámica, el registro…
Es una manera muy, muy sencilla de que los niños pierdan el miedo a inventar.
Es muy cierto que puede ser bueno. Es una manera de acercarnos a la música de hoy.
De mis libros ¿conoces “Tocamos la guitarra”?
- ¿El del gato o el tigre?
Es un leoncito, pero bueno (risas)
- Bien, sí lo conozco.
En español he escrito tres libros: dos primeros volúmenes de Tocamos la guitarra y uno que se llama Guitar Master, y que estamos presentando por un tiempo. Es un libro muy extenso que contiene los cuatro primeros años de guitarra empezando desde cero. Contiene piezas populares, muy simples, y se llega hasta tocar piezas interesantes y muy populares como Lágrima, Is anybody there, de Pink Floyd o Summertime de Gerswhin.
En él se pueden encontrar estudios de técnica, estudios tradicionales de Giuliani, Sagreras, estudios de composición propia.
En Guitar Master se puede encontrar mucha música para dos guitarras que el estudiante puede tocar con otro amigo.
- ¿Son de niveles parejos las dos partes?
Están bastante equilibrados. Lo puede tocar con el profesor pero también con otro estudiante más avanzado.
- ¿Qué edad crees que sería pertinente introducir al niño en los grupos de guitarra?
Para mí un buen grupo podrían ser 8 o 10 chicos, asignando varias guitarras para cada parte. Es una manera más simple y en la que unos se ven apoyados por los otros. Mejor un grupo grande que un pequeño. Una edad buena podrían ser 8 años.
Yo tengo una orquesta que es un experimento en la que tengo niños entre 8 y 10 años. Esto les permite divertirse tocando, mucho más de lo que lo pueden hacer tocando solos.
- ¿Cómo consigues la suficiente motivación para que estudien, sobre todo a la gente más mayor y de mayor nivel, partes que pueden resultarles aburridas tocando a solo?
Por eso, y así lo hago en mis libros, a mí me gusta dar un CD con las partes de base para que los chicos sientan que están tocando algo muy bello. Además esta base sirve para mantener el tempo.
Cuando pides a los estudiantes que toquen con metrónomo es difícil que lo hagan. No lo usan. Pero con la base sí. Y esta es una manera de llevar el tempo bien, a la fuerza. Y sin embargo el alumno ni se entera que lo que está haciendo es estudiar con el metrónomo.
- Además, a esto podemos añadir que el alumno se acostumbra a escuchar las partes de otras guitarras y a trabajar la independencia.
Así es. Y se acostumbran al tempo que va a tocar la orquesta. Yo he experimentado con distintos grupos la técnica de utilizar la base en unos casos y en otro sin ella. Después de unos pocos meses, los estudiantes que tocaban con base eran capaces de llevar el tempo de forma regular mientras que los otros no.
- Esto es como un laboratorio de prácticas…
Si, si. Está bien enseñar en el conservatorio a gente mayor pero me gusta mucho enseñar en la Academia a los niños porque es divertido para mí y también porque es una experimentación para mí que luego plasmo en los libros.
- Proyectos
Estamos preparando el Festival de Fiuggi para Julio de este año, desde el 17 al 22 de julio, del que os mantendremos informados. Y un proyecto muy grande que tengo en mente pero que no quiero adelantar hasta que no sea una realidad.
- Esperaremos unos meses.
Para saber más:
Entrevista Roberto Fabbri I
Popularizando la guitarra clásica
Fernando Bartolomé Zofío para MGE Mayo 2012
Roberto Fabbri, además de ser un reconocido artista internacional a nivel de solista, es miembro del Roberto Fabbri Guitar Quartet. El cuarteto se fundó a principios de los años ochenta, mientras que los miembros estaban estudiando en el Conservatorio "S. Cecilia" de Roma con la dirección y la orientación de Mario Gangi y Carlo Carfagna.
Desde su fundación han ido recorriendo distintas etapas empezando por una más centrada en la música clásica contemporánea, acercándose después al jazz hasta llegar a una etapa en la que prevalece la música más cercana al pop.
Está compuesto por: Roberto Fabbri, Paolo Bontempi, Luigi Sini y Leonardo Gallucci.
En esta entrevista Roberto Fabbri nos habla de:
- La evolución del cuarteto.
- Arreglos de Pulcinella.
- Arreglos pop.
- Carlos Carfagna.
- Herramientas para la clase de conjunto.
- Las clases con los niños.
- Libros didácticos: Tocamos la guitarra/Guitar Master
- Tienes una larga experiencia como músico de ensemble. ¿Puedes hablarnos de tu carrera como músico de cuarteto de guitarras?
Todo empezó a principios de los años 80 cuando un grupo de alumnos de Carlos Carfagna y Mario Gangi nos juntamos para hacer música en formación de cuarteto. Yo ingresé un poco más tarde, sustituyendo a uno de los miembros, y el cuarteto se llamó Quartetto Chitarristico Romano, al principio.
Desde ese momento y hasta hoy hemos pasado por distintas etapas, y distintos nombres. Después fue Nexus Quartet y hoy se llama Roberto Fabbri Guitar Quartet pero la formación es la de hace más de 20 años.
Empezamos haciendo música contemporánea del siglo XX, con varios importantes arreglos a cargo del grupo como la Pulcinella Suite, que podemos encontrar en el CD Dal classico al…jazz Pero quizás no tuvo la repercusión que esperábamos entre el público y decidimos adentrarnos más en el mundo de la música popular y del jazz. Esto se puede ver en nuestra grabación Travel donde podemos encontrar música de Morriconne, Eagles, Gerswhin…
- Los arreglos son propios del grupo. ¿Cómo afrontáis el proceso?
Cada miembro del grupo aporta su trabajo e intentamos preservar el espíritu del original. En el caso de Pulcinella los arreglos fueron complicadísimos, en ocasiones similares a la dificultad de tocar una Rossianiana cada uno de los miembros, pero esta era necesario para preservar la riqueza y la fuerza original de la pieza de Stravinsky.
- En los arreglos de música popular, ¿cómo era el proceso? ¿Podemos hablar más de reconstrucción que de arreglo, como por ejemplo en Hotel California?
En estos casos el proceso es bien distinto. Para Stravinsky se intentó respetar todas las notas posibles. Los arreglos tenían un equilibrio para las cuatro partes, en importancia y en dificultad. La voz principal iba pasando por todas las partes jugando así con el elemento espacial.
Sin embargo para la música popular diferenciamos más las voces creando texturas más sencillas y repartiendo las guitarras en voz principal, voz secundaria, bajo y acordes y ritmos. Es un trabajo más creativo.
- En la época en que estudiabais, años 80, ¿cómo era el panorama de guitarra en ensembles y en música de cámara en los conservatorios en Italia?
Podemos decir que hacer música de cámara en nuestra época era tarea prácticamente imposible. Hoy en día es algo normal, afortunadamente. De hecho, cuando empezamos como cuarteto fuimos de los primeros en Italia.
- ¿No crees que la música de grupo es una herramienta fundamental para la educación musical, y general, de un guitarrista, tan acostumbrado a tocar a solo?
Por supuesto que sí. Es una forma de aprender a llevar el tempo, el ritmo, de conocer otra gente, de socializarse…
- Teniendo en cuenta la cantidad de estímulos que los chicos tienen hoy en día es difícil que se “enganchen” con la guitarra clásica. ¿Cómo crees que se puede introducir a los niños en el mundo de la música clásica?
Es importante introducir a los chicos con música popular. Cosas que estén acostumbrados a escuchar habitualmente. Partir de ahí para que se sientan atraídos y después ir introduciendo otro tipo de música.
Hoy en día sentarse y tocar la guitarra para un chaval es muy difícil. En Italia decimos que hay que “contextualizar” la guitarra. Hay que actualizarla.
Es necesario explicar a los estudiantes que la guitarra clásica no es una cosa del pasado.
Está claro que hay que estudiar la música del pasado: Giuliani, Aguado, Sor...
Pero yo no creo mucho en la música contemporánea atonal. Se está acercando a tener un muerto en vida.
No obstante nuestro cuarteto empezó tocando exclusivamente música contemporánea, sobre todo de la primera mitad del siglo XX.
- De los profesores que tuviste, ¿sigues manteniendo contacto con ellos?
Con Carlos Carfagna mantengo un contacto regular. Suele venir siempre al Encuentro de Guitarra que organizo.
- En MGE estamos especializados en música de ensembles con guitarra y en aspectos relacionados con la didáctica. Pienso que una de las mejores formas de formar buenos artistas es formar buenas personas. ¿Qué influencia dejó Carlos Carfagna en tu carrera?
Tuvo una influencia muy notable. Cuando yo he escrito tantos libros es porque él escribía mucho. Él me ha dado el ímpetu y la energía para hacerlo. Yo veía cómo lo hacía. De hecho, él se traía el trabajo a clase. “Hoy he traído un arreglo de Weiss”, me podía decir, y me mostraba cómo lo hacía. O sea, él trabajaba en la clase y le encantaba explicar sus conocimientos.
Él no solo guardaba tiempo para practicar y tocar sino que una parte importante de sus clases consistían en ver arreglos, explicar el proceso, hablar de música…
Es por eso seguramente que yo he escrito tantos libros. [Continúa en segunda parte]
VITO NICOLA PARADISO
La guitarra viaja por el mundo
Fernando Bartolomé Zofío para MGE
Mayo 2012
Mayo 2012
Vito Nicola Paradiso es una de las voces más autorizadas en el ámbito de los ensembles de guitarra en Italia y en buena parte del mundo. No obstante sus libros La chitarra volante ensemble I y II, con música de diferentes países y estilos, son los más vendidos en Italia y la orquesta de jóvenes con la que trabaja ha grabado dos discos y su música ha viajado por buena parte de Europa y Sudamérica.
Además de guitarrista solista,es el director de la joven orquesta la Chitarra Volante Ensemble, y realiza masterclasses con jóvenes estudiantes de todo el mundo con una gran eficacia didáctica y musical.
En esta entrevista nos habla de:
- Nivel mínimo para iniciarse en una orquesta de guitarras
- Edad adecuada para ingresar en orquesta
- Instrumentación y reparto de papeles en su música
- Los libros de ensemble: La chitarra volante Ensemble I y II
- La lectura musical en los ensembles
- La tecnología en la didáctica de hoy
¿Qué nivel mínimo debe tener un alumno para introducirse en los ensembles?
Si hablamos de ensemble de guitarras formado por los jóvenes, las habilidades mínimas que deberán tener serán una buena capacidad de lectura monódica en la primera posición y una correcta colocación, con la utilización de la pulsación apoyada.¿Qué edad crees que es buena para empezar a tocar en grupo? ¿Hay algún método específico para la introducción en la práctica colectiva de niños de 4, 5 o 6 años?
En esta edad (4-6 años) deben trabajar siempre con pocos niños a la vez, dividiéndoles en grupos separados. Posteriormente, adquirida una buena autonomía del conocimiento de sus canciones, se van unificando en un ensemble más amplio.
En la orquesta “Chitarra Volante Ensemble" que usted dirige, ¿qué tipo de músicos (estudiantes, profesionales…) la forman? ¿Niveles específicos? ¿Edades concretas?
Todos ellos son mis alumnos y la mayoría forman parte del curso de dirección musical en la Escuela de Música donde doy clases (11-14 años), el resto asisten a la escuela superior y al Conservatorio Estatal de Música.
En mi trabajo con los ensembles he podido constatar algunos hechos referentes a la longitud de las piezas. Las piezas largas, en las audiciones, dan un aspecto de mayor entidad, seriedad, y dan tiempo al público a disfrutar del concierto. A cambio, aunque la dificultad no sea elevada y esté compuesta por ostinatos o ideas que se repiten con pequeñas alteraciones, los alumnos se despistan con mayor facilidad y es mucho más complicado mantener la atención.
Esencialmente, mi música es de carácter descriptivo, y sinceramente no creo mucho en las canciones largas. Estoy convencido de que a veces bastan unas pocas notas para crear emociones en quien toca y quien escucha.
He comprobado que las piezas de La Chitarra volante tienen duraciones considerables. ¿Es una decisión consciente? Si está de acuerdo conmigo ¿Cómo trabaja esta dificultad extra?
¡No, yo no creo que sean tan largas! Entre los 16 temas de Volumen 1 y 2, la que más dura es Cuerdas gitanos que dura 4'54 ", y hay un ritornello, por lo que se repite todo. Por lo tanto, el esfuerzo de estudio de los chicos es bastante soportable.He comprobado que las piezas de La Chitarra volante tienen duraciones considerables. ¿Es una decisión consciente? Si está de acuerdo conmigo ¿Cómo trabaja esta dificultad extra?
¿Cuál es la instrumentación de la Chitarra Volante Ensemble? ¿Hay flexibilidad en su composición o hay una estructura fija en cuanto a número y tipo de instrumentos?
En estas dos publicaciones las partes son divididas básicamente en cuatro secciones separadas (a veces tres) más la guitarra baja. Además, en muchas canciones a la primera guitarra le hago utilizar la cejilla mecánica para obtener una mayor extensión de los sonidos hacia los agudos y facilitando la lectura, evitando así numerosos cortes adicionales.
¿Cómo se produce la distribución de dificultades entre las distintas partes del ensemble? ¿Hay reparto equitativo de dificultades o se distribuyen por niveles?
En la mayoría de las canciones de las tres primeras partes desarrollan temas melódicos, contramelodías y recursos contrapuntísticos, mientras que la cuarta sección, junto con el bajo, trabaja mucho en las formas de acompañamiento.Las dificultades técnicas e interpretativas para cada sección son heterogéneas, pero el nivel siempre es factible para los niños de esta edad.
La lectura es muy importante en la música de ensembles. ¿Cómo podemos suplir las posibles deficiencias o desfases entre teoría y práctica?
Te diré un secreto: A estos chicos que escuchas en los videos (http://www.youtube.com/mrchitarravolante) nunca les he impartido una lección de solfeo.
Me explico mejor: todos provienen de un curso de estudio (Mi método de la Guitarra Volante- Edizioni Curci) en el que la lectura de notas y del ritmo van a la par que al tocar. En pocas palabras, involuntariamente los niños aprenden a leer muy bien la música aplicando el estudio directamente sobre la guitarra. ¡Y los resultados son increíbles! Consiguen leer fórmulas rítmicas complejas, típicas de la música latinoamericana, sin ningún esfuerzo.
Me explico mejor: todos provienen de un curso de estudio (Mi método de la Guitarra Volante- Edizioni Curci) en el que la lectura de notas y del ritmo van a la par que al tocar. En pocas palabras, involuntariamente los niños aprenden a leer muy bien la música aplicando el estudio directamente sobre la guitarra. ¡Y los resultados son increíbles! Consiguen leer fórmulas rítmicas complejas, típicas de la música latinoamericana, sin ningún esfuerzo.
Yo estoy convencido del hecho de que la música es un lenguaje como el hablado, si no ¿cómo es qué de niños no aprendimos primero a leer y después a hablar?
¿Cómo es un ensayo de la Chitarra Volante Ensemble con Vito Nicola Paradiso? ¿Hay tiempo para el trabajo de lectura, de técnica, de sonido, o se centra en el trabajo del repertorio?
Con toda la orquesta hacemos un ensayo a la semana, excepto cuando hay que estudiar un poco más en vista de conciertos o grabaciones de discos. Yo trabajo mucho individualmente y por secciones para que los chicos lleguen bien preparados a los ensayos en conjunto. Puedo hacer esto porque todos son alumnos míos.¿Cómo es un ensayo de la Chitarra Volante Ensemble con Vito Nicola Paradiso? ¿Hay tiempo para el trabajo de lectura, de técnica, de sonido, o se centra en el trabajo del repertorio?
¿Qué podemos esperar aprender en una masterclass de ensembles con Vito Nicola Paradiso?
Has editado un CD con las grabaciones del libro “La chitarra volante. Ensembles”. ¿Lo grabaron los alumnos? ¿Cómo se realizó?
La experiencia de este álbum fue muy agradable para los niños que han grabado en el estudio en partes separadas.
Por otra parte, para la realización del CD nos ha ayudado un empresario local con la financiación, que creyó desde el primer momento en este maravilloso proyecto dirigido para la orquesta de jóvenes y para los niños menos afortunados de Filipinas.
Refiriéndome siempre a este CD, otra cosa bella se dio en mayo de 2011: fue la exhibición para la presentación del disco en el histórico teatro Petruzzelli de Bari, que tuvo un lleno total.
La chitarra volante: ¿cuál es la organización del libro?
Mi metodología de enseñanza de la guitarra básica se centra sobre todo desde el punto de vista del alumno. Muchos métodos disponibles están bien hechos, pero siempre están pensados de manera académica y dirigidos a estudiantes que deben estar muy motivados para estudiar. Desafortunadamente, la mayoría de los niños que empiezan a estudiar guitarra tienen diferentes expectativas y por esto el profesor siempre debe encontrar el enfoque adecuado para motivar al estudiante en el que la experiencia y el método en los cuáles se basan son fundamentales.
La idea atractiva de mi método es descubrir nuevas sonoridades a través del viaje por lugares distantes y períodos históricos diferentes.
La partitura se convierte en un mapa a seguir y las nociones teóricas son vistas como una especie de provisión con el fin de continuar el viaje.
¿Qué podemos esperar de la Chitarra volante II? ¿Nuevo repertorio? ¿Otros niveles? ¿Distinta instrumentación?
Distinguimos el método de enseñanza para guitarra " La chitarra Volante ", que se divide en 2 volúmenes, más un apéndice sobre la guitarra de acompañamiento, de " La chitarra Volante Ensemble ", también de 2 volúmenes con 16 piezas originales para ensemble de guitarras con estilos variados de todo el mundo. En el segundo volumen, que acaba de salir, las canciones recalcan el espíritu de todo el concepto: viajar por el mundo a través de la música en una especie de descripción sonora de los lugares y las culturas.La idea atractiva de mi método es descubrir nuevas sonoridades a través del viaje por lugares distantes y períodos históricos diferentes.
La partitura se convierte en un mapa a seguir y las nociones teóricas son vistas como una especie de provisión con el fin de continuar el viaje.
¿Qué podemos esperar de la Chitarra volante II? ¿Nuevo repertorio? ¿Otros niveles? ¿Distinta instrumentación?
¿Cómo utilizas Internet (redes sociales, blogs, secuenciadores, minus one…) y las nuevas tecnologías para mejorar la calidad de la enseñanza, por un lado, y para difundir la música y los ensembles por otro?
Las nuevas tecnologías ayudan mucho a los niños de hoy en día en todos los sectores y entre ellos el de la música. Yo pienso en el inmenso panorama de youtube donde se encuentra todo y rápido. Cuando yo era niño, recuerdo que me daba vueltas a decenas de tiendas de discos para escuchar varias versiones de la misma canción. Hoy en día todo es más fácil y el mundo gira alrededor con mayor rapidez. Creo que el progreso es inevitable, para no cometer errores simplemente se debe estar más atento al distinguir y elegir.
¿Cuáles crees que son los requisitos más importantes que debe tener un alumno para aprender a hacer música en grupo?
La música de grupo para los niños es una gran oportunidad, en primer lugar para madurar: la capacidad de estar juntos, compartir todo con los demás. Y luego, otra cosa muy importante: el aspecto formativo de tocar en conjunto en el cual aprendemos a compartir hasta el aliento.¿Cuáles crees que son los requisitos más importantes que debe tener un alumno para aprender a hacer música en grupo?
Pregunta obligada. ¿Cuáles son para ti los beneficios más importantes de tocar en una agrupación?
El beneficio más importante para mí es la idea de compartir, según la cual todos trabajamos juntos por el bien común y para alcanzar los objetivos. ¡Y esto no es poca cosa!
Proyectos de futuro
Varios conciertos y clases magistrales en Italia y en el extranjero, y la continuación de un laboratorio experimental permanente con mi orquesta de guitarras.Proyectos de futuro
Información adicional
MIGUEL GARCÍA FERRER
Pasión por los ensembles (I)
Entrevista exclusiva para MGE
Como músico de cámara, Miguel García Ferrer ha formado parte en diversas agrupaciones (canto y guitarra, flauta y guitarra con cuarteto...) siendo las más importantes el Cuarteto Antares de guitarras - desde 1994 - y el Dúo de guitarras Ros – García
Su dilatada experiencia y su heterogénea formación le permiten estar embarcado en una buena cantidad de proyectos. En la actualidad forma dúo con el flautista José Galiano (Dúo Hortus Musicus). Es miembro del ensemble de música antigua Phoenix Ilice Consort y es director y fundador. Es miembro del ensemble de música antigua Phoenix Ilice Consort y es director y fundador de la Orquesta de Guitarras del Conservatorio de Elche "Com Una Guitarra".
¿Puedes hablarnos de la orquesta que diriges “Com Una Guitarra”? ¿Qué instrumentos lo componen y en qué proporción?
En el último concierto que hemos dado, la plantilla era:
5 guitarras soprano, 10 guitarras normales (clásicas), 1 guitarra bajo ,1 Flauta travesera, 1 piano eléctrico y percusión.
¿Cuál es la distribución física de las distintas partes de la orquesta? ¿Por qué?
- 4 Guitarras primeras: tres Soprano ( 8ª alta)+ una normal
- 3 Guitarras segundas: dos Soprano (8ª alta) + una normal
- 4 Guitarras terceras: cuatro guitarras normales
- 4 Guitarras cuartas: cuatro guitarras normales
- 1 Bajo: Guitarra bajo de cuatro cuerdas con piezoeléctrico y amplificador
- 1 Flauta travesera ( combina flauta en do y en sol )
- 1 Teclado( piano eléctrico con diferentes timbres)
- 1 Percusión: cajón flamenco, bongos, pequeña percusión,....
Según la pieza, varios intérpretes combinan su instrumento con guitarra acústica, eléctrica, ukelele, charango, cavaquinho, cuatro venezolano, etc.
 |
| Orquesta de guitarras Com Una Guitarra |
El por qué de esta plantilla, es el resultado de años y diferentes pruebas.
Mi comienzo con ensembles de guitarras fue el año 1990. A partir de ahí, poco a poco nos juntábamos profesores y alumnos del conservatorio de Alcázar/Criptana donde trabajé durante 11 cursos. Con el tiempo, viendo la buena acogida que tenía, se creó la orquesta y asociación “Guitarromanía” que incluía guitarras soprano, requintos en la, guitarras y guitarras bajo.
Guitarromanía ( 1998-2003), fue una maravillosa experiencia musical. En ese año, 2003, me trasladé a Elche. En este conservatorio, fundé en 2005 Com Una Guitarra. La diferencia más notoria entre una y otra orquesta es la supresión de los requintos en favor de más guitarras clásicas, y la incorporación de otros instrumentos como flauta, piano y más protagonismo a la percusión. Además, las guitarras primeras y segundas, combinan soprano y guitarra normal; la razón es que las g. soprano aportan el registro agudo y la g. normal le da cuerpo a ese sonido.
¿Quiénes lo componen? ¿Alumnos o profesionales? ¿De qué niveles?
Somos tres profesores del conservatorio ( José Galiano, flauta y Ana Fenoll, guitarra 1ª y concertino, además de ser la presidenta de la asociación, y éste que escribe).
Ocho componentes son alumnos egresados del conservatorio , la mayoría estudian en el conservatorio superior, que ya pertenecían a la orquesta y siguen ligados a ella.
Nueve miembros son alumnos del grado profesional del conservatorio, entre 3º y 6º .
Al principio todos eran alumnos del centro, pero con el paso del tiempo ( este es la séptima temporada de la orquesta) todo va variando. De hecho por Com Una Guitarra ya han pasado más de cincuenta personas. Esto provoca todos los cursos cambio de voces y reorganización que tiene una parte positiva y otra negativa. La buena es que todos pueden probar a tocar en diferentes atriles y tener una visión completa de la orquesta, al tiempo que es un servicio cultural y social que tanta gente haya sido miembro de la orquesta. La mala es que cada vez que esto ocurre, provoca un replanteamiento nuevo y una crisis a superar.
De todos modos, desde su nacimiento, el grupo no ha parado de crecer en nivel y expectativas, y cada vez los retos son mayores. Tenemos página web, un repertorio variado y complejo, hemos viajado bastante a otras comunidades, realizado intercambios, y salido al extranjero ( Italia, junto a la maravillosa Lybra Guitar Orchestra dirigida por el maestro Mauro Bruschi) con un resultado muy satisfactorio. La prueba es que últimamente hemos participado en Festivales internacionales de guitarra como el de Elche, Petrer o Jijona.
Si hay distintos niveles, ¿cómo consigues, por un lado, acelerar el aprendizaje de los que están por debajo de las exigencias y, por otro, mantener motivados a los que van sobrados con respecto a las necesidades?
Este es uno de los problemas que más se repiten en la mayoría de grupos que he conocido. Nosotros tenemos la suerte de tener la asignatura de conjunto ( 3º y 4º de Grado Elemental y 1º y 2º de Grado Profesional) donde comenzamos a familiarizarlos con el grupo y el repertorio. Es como el semillero de la orquesta, que con el tiempo va dando sus frutos. Así pues, el nivel mínimo de un integrante de C. U. G. es de 3º de G. P. y ya ha trabajado la disciplina de conjunto. Pero con el paulatino crecimiento de nivel que año a año vamos consiguiendo, el problema es de la separación que puede haber entre los que quieren un nivel profesional y los que lo ven como una actividad formativa pero no pueden dedicarle más tiempo del que sus estudios le permiten.
De todos modos, el reparto de solos y dificultad de determinadas partes, tiene en cuenta esta circunstancia.
¿Cómo son los ensayos?
Ensayamos una vez a la semana durante dos horas. Cuando el tiempo lo permite o se acerca fecha de concierto, redoblamos con ensayos extraordinarios en fines de semana.
En ocasiones también quedan entre ellos para repasar papeles o ensayos de cuerdas, y los que siguen siendo alumnos del centro repasan sus papeles en la clase individual.
Al margen de lo habitual, hemos realizado jornadas durante estos años de perfeccionamiento con maestros de la talla de Eduardo Baranzano, Carlo Domeniconi y Jorge Cardoso, con quien tuvimos el placer de tocar ( junto con su pareja Silvie Dagnac) la Suite Indiana para dos guitarras y orquesta. También hemos realizado cursos de expresión corporal y relajación.
En éstos, ¿hay tiempo para el calentamiento o para la técnica conjunta?
Algunas veces lo hemos hecho. También el trabajo de explicar las obras o practicar los acompañamientos, esquema armónico, e improvisar. Pero el grueso del tiempo está orientado al trabajo de conjunto, ensamblar la obra, trabajo del sonido general, los balances, métrica, estilo, etc.
Cuidamos mucho el clima humano de los ensayos. La fraternidad entre todos es uno de nuestros mayores activos. El sentido del humor, otro de los pilares. Somos de los que sí mezclamos el placer con el trabajo. Incluso hemos realizado dos espectáculos teatro-musicales llenos de parodias y humor.
Repertorio para nivel Medio interesante, musical y pedagógicamente.
El repertorio afortunadamente crece año a año. Cuando empezábamos en los años 90, el panorama era muy distinto. El poco material que había publicado, además era muy difícil de conseguir.
Hoy en día el número de grupos tan creciente y el flujo de información por internet hace que sea más complicado enumerar sólo unas referencias.
En nuestro repertorio tenemos obras de Leo Brouwer, Roland Dyens, Celso Machado, Jorge Cardoso, F.Moreno Torroba, Stepan Rak.....
Y transcripciones de diferentes estilos ,muchas realizadas por nosotros : Asturias, Sevilla, Las Bodas de Luis Alonso, Suite de Carmen, Libertango, ... también Eric Clapton, Sting, Django Reindhart...
Repertorio para nivel Inicial interesante, musical y pedagógicamente.
El abanico es aún mayor, desde arreglos de música antigua ( Dowland, Susato, Ataignant, ...), arreglos de música pop ( Beatles, U2, ....) piezas tradicionales de distintos países, sobre todo España y Latinoamérica, y por supuesto la música compuesta para estos grupos noveles ( Van Der Stack, Duarte, Searly, Linneman, Teucher, Machado, .....)
No quisiera cerrar esta entrevista sin afirmar como conclusión, que el movimiento de ensembles y orquestas de guitarras, es el presente y el futuro de nuestro instrumento, a nivel artístico y pedagógico.
El estudiante de guitarra que tiene la oportunidad de vivir una experiencia así se nutre de muchos valores para el arte, la cultura y la sociedad. El amor y placer que genera formar parte de un grupo musical, coloca en igualdad de condiciones a un guitarrista respecto de cualquier otro músico, que sí tiene la oportunidad de vivirlo en orquestas, bandas o coros.
No es necesario ser un virtuoso de la guitarra para poder disfrutar del poder de la música y del conjunto, aspecto éste muy diferente de la perspectiva que teníamos los estudiantes de conservatorio antes, donde nuestra relación con el mundo musical era asistir a las clases y tocar en las audiciones, sin a veces conocer ni a los propios compañeros de guitarra.
Por mi experiencia personal, puedo constatar que incluso la actividad grupal aumenta la motivación y el nivel técnico-musical personal y aumenta exponencialmente el rendimiento en las clases individuales de guitarra.
Entrevista por Fernando Bartolomé Zofío
Enlaces de interés y más información
Orquesta de guitarras "Com una guitarra"
Perfil Miguel García Ferrer
Otros proyectos
Eon Guitar Quartet - Entrevista con Giovanni Maselli (II)
Embajadores italianos en el mundo
de los ensembles de guitarra
de los ensembles de guitarra
Fernando Bartolomé Zofío para MGE - Marzo 2012
Otro compositor de gran talento y reconocimiento es Andrew York. ¿Qué se puede decir de él? ¿Puedes decirnos algo acerca de su trabajo "Quiccam"?
Andrew York tienen una posición realmente importante en la música de cuarteto de guitarras, debido a su carrera con LAGQ. Él parece ser realmente sincero en sus composiciones "new age" de música.
Tocamos Quiccam un par de veces en conciertos, nos gustó el estudio, pero finalmente decidimos no tocarla más porque este tipo de música tiende a agotarse (y a los músicos), porque su meta está más enfocada hacia el efecto más que a la construcción musical.
Realmente me gustaría tener una pieza en nuestro repertorio de compositores como Castelnuovo Tedesco, Villalobos o Britten (para los compositores de guitarra), o Schoenberg, Brahms o Stravinsky; o ¡mejor todavía Bach! Eso es porque el cuarteto de guitarras y la guitarra en general tiene que tener un repertorio específico de compositores que realmente saben de orquestación y armonía. De hecho los compositores que he mencionado, ¡todos ellos escribieron piezas para cuarteto de cuerda!
¿Cómo organizáis los ensayos de grupo?
Actualmente hacemos ensayos más o menos cada 15 días, durante un fin de semana entreo debido a que vivimos en 3 diferentes partes de Italia: Mario Barbuti en Roma, Roberto Tascini cerca de Ancona, Rita Casagrande y yo en Bolonia.Nuestro principio general de asignación de las partes es la de distribuir y hacer rotar la primera voz, por lo que no tenemos una verdadera "primera guitarra" (no creas a los demás... a lo mejor tenemos una "prima donna" de guitarra!) Así que no es un cuarteto de cuerda al uso.
¿Cuál es el proceso de montaje de una obra nueva? ¿Cuánto tiempo puede llevar desde el principio hasta que se lleva a concierto?
Normalmente depende de los conciertos. En general, podemos montar una nueva pieza en un par de ensayos y luego tocarla en concierto. Así que en un mes se puede tocar una nueva pieza, pero nos pasó una vez a montar una pieza ¡en 4 días! (Se trataba de un encargo).
El proceso es similar al estudio individual: cada uno estudia sus partes en casa, y luego tocamos juntos (a menudo con metrónomo); a continuación, hablamos y tratamos de escuchar las partes de los demás. De vez en cuando grabamos la pieza para escuchar el resultado externo. Sabemos de otros grupos que pueden tocar en diferentes salas... Para nosotros ya es difícil estando uno frente al otro.
Al final, cuando preparamos una grabación o después de tocar una pieza por mucho tiempo,¡ tratamos de tocar con el corazón para estar realmente seguro!
¿Cómo se elige el repertorio? ¿Encargos? ¿Gusto personal?
Puesto que hemos estudiado sobre el 90 por ciento del repertorio publicado, cada vez más tratamos de investigar sobre nuestros gustos e ideas personales de lo que nos gustaría tocar si fuéramos libres para elegir. A veces tenemos que construir un programa sobre temas específicos (ej.: música italiana, la danza, suite, orquesta, música española...). En otros momentos tratamos de ampliar el repertorio de cuarteto de guitarras haciendo encargos de arreglos y nuevas piezas a los compositores.
Decís que es muy recomendable hacer el trabajo de arreglos. ¿Qué puede aprender un grupo acerca de ello?
En general nos gusta mucho tocar transcripciones de orquesta y mejor tocar algo que conecte la guitarra con su historia, su técnica, su timbre, con colores orquestales, dinámicas, y las diferentes voces de instrumentos. Así que si tuviera que sugerir a un nuevo grupo cómo empezar a hacer un "sonido del grupo" realmente recomendaría hacer transcripciones y tratar de hacerlo lo más cercano a la obra original como fuera posible.
¿Qué factores son cruciales para probar la calidad de un conjunto de guitarras? ¿Qué es lo que más valora en un grupo?
¿Qué factores son cruciales para probar la calidad de un conjunto de guitarras? ¿Qué es lo que más valora en un grupo?
En primer lugar ¡la simpatía! (Ahahah!)
Bueno, en serio, lo más importante es el "paisaje sonoro" general. Si se puede escuchar casi 3 de 4 guitarras ¡hay algo que va mal! Tú debes escuchar 4 voces diferentes que van juntas, siendo guitarras pero con verdadera personalidad. Sí, la clave es la personalidad. Un conjunto sin director tiene que demostrar el sonido real del contrapunto pero con el sonido personal de cada artista intérprete.Este es un blog en el que dedicamos muchos recursos para el aspecto educativo de la guitarra en grupos. ¿Conoces algo de material que pueda ser de interés para principiantes que se están introduciendo en un grupo de guitarras?
Si tienes niños te recomiendo un libro de este colega italiano: Vito Nicola Paradiso "La chitarra volante en conjunto". Un sitio web muy interesante es la web de Andrew Forrest (http://www.forrestguitarensembles.co.uk) un verdadero tesoro para las orquestas de guitarra.
En el nivel intermedio, ¿qué repertorio interesante, musical y pedagógicamente hablando, podría recomendar?
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| Primer CD de Eon Guitar Quartet |
Al igual que hicimos nosotros, es importante leer todo el repertorio estándar, de Torroba a Brouwer pasando por Bellinati y Nueva York. Lo mejor es disfrutar de la música de cámara y tratar de escuchar todas las voces durante la interpretación de la composición.
¿Cuál es el mejor consejo que darías para formar un grupo? ¿Qué se necesita para que un proyecto funcione bien y sobreviva en el tiempo?
¿Cuál es el mejor consejo que darías para formar un grupo? ¿Qué se necesita para que un proyecto funcione bien y sobreviva en el tiempo?
Si quieres formar un grupo lo primero tiene que tienes que preguntarte es si tu idea personal de la música pone el artista o la música en el primer lugar.
Quiero revelar un secreto: como en los mejores matrimonios es genial para estar juntos, ¡pero es mejor vivir lejos uno del otro! ahahah!
¡No, es una broma! Tienes que ser como un corredor de larga distancia, como el que quiere correr una maratón: la meta está tan lejos que la carretera te dirá a cada paso qué hacer. Hay que disfrutar, hay que tener en mente la meta, pero tienes que saber exactamente cuánto puedes acelerar. Por lo tanto dosifica la energía, escucha el camino (la música) y ¡no te apresures!
¿Cuáles son vuestros proyectos actuales y futuros?
Actualmente estamos preparando las bases de nuestro nuevo CD con música orquestal de verdaderos compositores del siglo XX como Martin, Walton, Falla y otros.
Estamos preparando nuestro encuentro anual con los estudiantes. Desde hace 3 años somos el cuarteto residente en el Festival Internacional de Guitarra (“S. Filippo Neri”): www.claxica.it
Es un gran encuentro musical en las colinas de Bolonia, donde hacemos clases magistrales para conjunto y para solistas, damos conciertos, tocamos nuevas composiciones, formamos el jurado en la realización del concurso... y donde por la noche “bebemos cerveza y hablamos de música con jóvenes intérpretes y compositores!
Eon Guitar Quartet - Entrevista con Giovanni Maselli (I)
Embajadores italianos en el mundo
de los ensembles de guitarra
de los ensembles de guitarra
Fernando Bartolomé Zofío para MGE - Marzo 2012
¿Cuál es el panorama actual de los conjuntos de guitarra en Italia a nivel institucional?
En realidad, Italia tiene un panorama muy interesante con ensemble de guitarras, especialmente en relación con las orquestas de guitarra y las combinaciones pequeñas como los dúos.
En el nivel profesional es más difícil hacer que funcione porque los conciertos de guitarra son específicos de los festivales de guitarra y también porque es difícil hacer que funcione en grandes distancias.
Sí, Eon Guitar Quartet es un conjunto "corredor de larga distancia". Yo personalmente lo fundé a principios del 2000, y con pequeños cambios en el grupo está durando ya más de 10 años
Así que en realidad sólo sé 2 o 3 combos estables en Italia.
En el nivel profesional es más difícil hacer que funcione porque los conciertos de guitarra son específicos de los festivales de guitarra y también porque es difícil hacer que funcione en grandes distancias.
Sí, Eon Guitar Quartet es un conjunto "corredor de larga distancia". Yo personalmente lo fundé a principios del 2000, y con pequeños cambios en el grupo está durando ya más de 10 años
Así que en realidad sólo sé 2 o 3 combos estables en Italia.
Uno de estos es otro proyecto personal (con mi colega Rita Casagrande) en una orquesta de guitarras denominada "La Follia Orquesta de Guitarras", pero es una especie de proyecto social para conectar los intérpretes profesionales y "aficionados".
Roberto Tascini tiene una actividad similar también " Marche Guitar Orchestra " en su zona (centro de Italia). Además tenemos otras formaciones similares.
Roberto Tascini tiene una actividad similar también " Marche Guitar Orchestra " en su zona (centro de Italia). Además tenemos otras formaciones similares.
Como ensemble profesional real puedo contar... bueno ... nadie más que el Cuarteto de Guitarras Eon. (Sonrisa)
¿Qué lugar tiene guitarras del conjunto en el conservatorio y los programas de academias de música?
En el Conservatorio, una carrera de diez años, no tuvimos un programa especial de ensembles. El estudiante tenía que asistir a un curso de música de cámara pero no específicamente a un ensemble de guitarras, y así por lo general los estudiantes tenían práctica de dúo de guitarras o guitarra con flauta o violín, una vez por semana.
En la reciente reforma de los estudios musicales se tienen más horas dedicadas a la música de cámara, pero, que yo sepa, todavía no hay nada centrado específicamente centrado en los conjuntos de guitarras.
A nivel personal, ¿qué referencias e influencias tenéis en el mundo de los conjuntos de guitarras? ¿Y a nivel de música en general?
A nivel personal, ¿qué referencias e influencias tenéis en el mundo de los conjuntos de guitarras? ¿Y a nivel de música en general?
Bueno, creo que ya he respondido sobre la escena italiana. En el ámbito internacional, afortunadamente viajamos mucho a los festivales de guitarra alrededor del mundo y no nos encontramos con muchos cuartetos de guitarras por ahí... Así que creo que si se excluye a formaciones históricas como LAGQ o Los Romeros, podemos contar con Eon Guitar Quartet en Italia y otros 2 o 3 en Europa más un número similar en América del Sur. En EE.UU es diferente pero sinceramente no sabemos mucho de la escena musical allá porque como usted sabe a menudo los ensembles nacen en las instituciones y luego tocan especialmente en ese ambiente...
En el mundo de la música en general con sinceridad tengo que hacerte una pregunta: ¿Cuenta algo la guitarra en esta historia? (Sonrisa)
¿Cuáles son los compositores, en su opinión, las referencias indiscutibles en conjuntos de guitarra?
¿Cuáles son los compositores, en su opinión, las referencias indiscutibles en conjuntos de guitarra?
Bueno, estamos acostumbrados a tocar mucho repertorio original para cuarteto de guitarras.
Uno de los más importantes con toda seguridad es Leo Brouwer, y hemos tocado cada una de sus piezas. Otros compositores que se que son interpretados habitualmente por otros cuartetos son Rak, Bellinati, Martin, Dyens, pero sinceramente no tocamos su repertorio. (excepto Bellinati)Acerca de compositores "históricos" tenemos que mencionar el compositor Torroba con las Estampas y Ráfagas, muy interesantes desde el punto de vista lírico, pero personalmente creo que un poco simplista en la escritura y nada que no se pueda hacer con sólo dos guitarras.
¿Puedes citar algunas obras que hayan marcado definitivamente el repertorio de cuarteto de guitarras?
Paisaje cubano con lluvia, Paisaje cubano con rumba, de Brouwer; Estampas, de Torroba (desde el punto de vista histórico). De otros compositores contemporáneos podemos destacar la Suite de Shnyder.
De las diversas influencias que tenéis, desde lo clásica hasta la música electrónica, ¿cómo se reflejan en vuestro grupo? ¿En la interpretación? ¿En la elección del repertorio? ¿En la forma de arreglos?
Es cierto que todos tenemos diferentes experiencias. Fue muy útil en la primera parte de nuestra historia para conocer repertorio y para aprender y desarrollar nuestra idea de cuarteto de guitarras.
Sin duda, pensamos en el cuarteto como una pequeña orquesta y cada uno de nosotros pone en su forma de tocar su conocimiento instrumental y musical.
Sin duda, pensamos en el cuarteto como una pequeña orquesta y cada uno de nosotros pone en su forma de tocar su conocimiento instrumental y musical.
Creo que si hubieramos sido "simplemente" guitarristas clásicos nosotros tocaríamos como guitarristas... ;) (ahahha!)
Así que la elección repertorio se basa en puro gusto musical y los arreglos son principalmente tomados de piezas orquestales. También tratamos de reproducir diversos timbres y gestos de instrumentos en las guitarras
Un compositor que ha conseguido suficiente relevancia y que se está tocando bastante es Paulo Bellinati. Vosotros habéis tocado "A furiosa."¿Puedes contarnos algo sobre la pieza y el compositor?
Sí. Nosotros grabamos A Furiosa en nuestro CD. Es una pieza muy divertida, llena de ritmos y gestos sudamericanos. Me hace bailar cada vez que la tocamosDe hecho, es uno de los bises favoritos.
Esto es así porque desde un punto de vista musical es una pieza muy simple, ¡y eso es genial para terminar un concierto con esta "canción" en los oídos! Hace un tiempo tuve un intercambio de correos electrónicos con Bellinati, que parece ser una persona amable. También tuvimos un proyecto de colaboración, pero en realidad estamos interesados en otro tipo de proyectos más relacionados con la música orquestal del siglo XX, y más centrados en la estructura interna de la composición que en los ritmos y estructuras “superficiales”
¿Cuál es el panorama actual de los conjuntos de guitarra en Italia a nivel institucional?
En realidad, Italia tiene un panorama muy interesante con ensemble de guitarras, especialmente en relación con las orquestas de guitarra y las combinaciones pequeñas como los dúos.En el nivel profesional es más difícil hacer que funcione porque los conciertos de guitarra son específicos de los festivales de guitarra y también porque es difícil hacer que funcione en grandes distancias.
Sí, Eon Guitar Quartet es un conjunto "corredor de larga distancia". Yo personalmente lo fundé a principios del 2000, y con pequeños cambios en el grupo está durando ya más de 10 años
Así que en realidad sólo sé 2 o 3 combos estables en Italia.
Uno de estos es otro proyecto personal (con mi colega Rita Casagrande) en una orquesta de guitarras denominada "La Follia Orquesta de Guitarras", pero es una especie de proyecto social para conectar los intérpretes profesionales y "aficionados".
Roberto Tascini tiene una actividad similar también " Marche Guitar Orchestra " en su zona (centro de Italia). Además tenemos otras formaciones similares.Como ensemble profesional real puedo contar... bueno ... nadie más que el Cuarteto de Guitarras Eon. (Sonrisa)
¿Qué lugar tiene guitarras del conjunto en el conservatorio y los programas de academias de música?
En el Conservatorio, una carrera de diez años, no tuvimos un programa especial de ensembles. El estudiante tenía que asistir a un curso de música de cámara pero no específicamente a un ensemble de guitarras, y así por lo general los estudiantes tenían práctica de dúo de guitarras o guitarra con flauta o violín, una vez por semana.En la reciente reforma de los estudios musicales se tienen más horas dedicadas a la música de cámara, pero, que yo sepa, todavía no hay nada centrado específicamente centrado en los conjuntos de guitarras.A nivel personal, ¿qué referencias e influencias tenéis en el mundo de los conjuntos de guitarras? ¿Y a nivel de música en general?
Bueno, creo que ya he respondido sobre la escena italiana. En el ámbito internacional, afortunadamente viajamos mucho a los festivales de guitarra alrededor del mundo y no nos encontramos con muchos cuartetos de guitarras por ahí... Así que creo que si se excluye a formaciones históricas como LAGQ o Los Romeros, podemos contar con Eon Guitar Quartet en Italia y otros 2 o 3 en Europa más un número similar en América del Sur. En EE.UU es diferente pero sinceramente no sabemos mucho de la escena musical allá porque como usted sabe a menudo los ensembles nacen en las instituciones y luego tocan especialmente en ese ambiente...En el mundo de la música en general con sinceridad tengo que hacerte una pregunta: ¿Cuenta algo la guitarra en esta historia? (Sonrisa)
¿Cuáles son los compositores, en su opinión, las referencias indiscutibles en conjuntos de guitarra?
Bueno, estamos acostumbrados a tocar mucho repertorio original para cuarteto de guitarras.Uno de los más importantes con toda seguridad es Leo Brouwer, y hemos tocado cada una de sus piezas. Otros compositores que se que son interpretados habitualmente por otros cuartetos son Rak, Bellinati, Martin, Dyens, pero sinceramente no tocamos su repertorio. (excepto Bellinati)
Acerca de compositores "históricos" tenemos que mencionar el compositor Torroba con las Estampas y Ráfagas, muy interesantes desde el punto de vista lírico, pero personalmente creo que un poco simplista en la escritura y nada que no se pueda hacer con sólo dos guitarras.
¿Puedes citar algunas obras que hayan marcado definitivamente el repertorio de cuarteto de guitarras?
Pajsaje cubano con lluvia, Pajsaje cubano con rumba, de Brouwer; Estampas, de Torroba (desde el punto de vista histórico). De otros compositores contemporáneos podemos destacar la Suite de Shnyder.
De las diversas influencias que tenéis, desde lo clásica hasta la música electrónica, ¿cómo se reflejan en vuestro grupo? ¿En la interpretación? ¿En la elección del repertorio? ¿En la forma de arreglos?
Es cierto que todos tenemos diferentes experiencias. Fue muy útil en la primera parte de nuestra historia para conocer repertorio y para aprender y desarrollar nuestra idea de cuarteto de guitarras.
Sin duda, pensamos en el cuarteto como una pequeña orquesta y cada uno de nosotros pone en su forma de tocar su conocimiento instrumental y musical.
Creo que si hubieramos sido "simplemente" guitarristas clásicos nosotros tocaríamos como guitarristas... ;) (ahahha!)Sin duda, pensamos en el cuarteto como una pequeña orquesta y cada uno de nosotros pone en su forma de tocar su conocimiento instrumental y musical.
Así que la elección repertorio se basa en puro gusto musical y los arreglos son principalmente tomados de piezas orquestales. También tratamos de reproducir diversos timbres y gestos de instrumentos en las guitarras
Un compositor que ha conseguido suficiente relevancia y que se está tocando bastante es Paulo Bellinati. Vosotros habéis tocado "A furiosa."¿Puedes contarnos algo sobre la pieza y el compositor?
Sí. Nosotros grabamos A Furiosa en nuestro CD. Es una pieza muy divertida, llena de ritmos y gestos sudamericanos. Me hace bailar cada vez que la tocamos.De hecho, es uno de los bises favoritos.
Esto es así porque desde un punto de vista musical es una pieza muy simple, ¡y eso es genial para terminar un concierto con esta "canción" en los oídos! Hace un tiempo tuve un intercambio de correos electrónicos con Bellinati, que parece ser una persona amable. También tuvimos un proyecto de colaboración, pero en realidad estamos interesados en otro tipo de proyectos más relacionados con la música orquestal del siglo XX, y más centrados en la estructura interna de la composición que en los ritmos y estructuras “superficiales”
Eos Guitar Quartet (II) El clásico se reinventa
Por Fernando Bartolomé Zofío en exclusiva para MGE
¿Qué factores clave son importantes para evaluar la calidad de un grupo de guitarras? ¿Qué es lo que más valoráis de un grupo?
Una de las cosas más importantes en un conjunto de guitarras es el equilibrio dinámico. Trabajamos mucho sobre este tema. Nosotros tratamos de acercarnos al sonido de una orquesta. Luego, por supuesto, la interacción precisa y la entonación depurada son esenciales.
¿Podéis citar material interesante, desde el punto de vista pedagógico y musical, para nivel intermedio?
Jürg Kindle, un guitarrista/ compositor suizo escribió muy pocas piezas muy interesantes para diferentes niveles. Kalimba podría ser una obra de esta categoría.
Y respecto de los niveles iniciales, ¿alguna recomendación?
Eos Guitar Quartet (I) El clásico se reinventa
Por Fernando Bartolomé Zofío en exclusiva para MGE
Perdonad mi ignorancia y no disponer de las partituras pero, ¿cómo una obra como "Acerca del cielo: La ciudad de las mil cuerdas" de Leo Brouwer puede ser trabajada? Hay precisión en la escritura o hay indicaciones para improvisar?
No hay precisión en la partitura. El ritmo está escrito en la notación “de espacio”* y los sonidos son definidos, al igual que en las primeras obras de Brouwer (Parábola, Per Suonare a due ...) y compositores influyentes como Henze, Penderecki, Ligeti y otros.
*Nota del editor (sin concretar en cada nota, y por conjuntos generales de tempo como por ejemplo: grupos lentos, moderados, rápidos, etc.)
¿Tenéis algún compositor cuya música hayáis tocado que, en vuestra opinión, destaca especialmente por su talento para escribir música para guitarra?
La mayoría de nuestros compositores son guitarristas con experiencias profundas en el instrumento. Nuestros favoritos son Fred Frith, Ralph Towner y Vonlanthen Vinz, los cuales tienen todos gran creatividad.
No hay precisión en la partitura. El ritmo está escrito en la notación “de espacio”* y los sonidos son definidos, al igual que en las primeras obras de Brouwer (Parábola, Per Suonare a due ...) y compositores influyentes como Henze, Penderecki, Ligeti y otros.
*Nota del editor (sin concretar en cada nota, y por conjuntos generales de tempo como por ejemplo: grupos lentos, moderados, rápidos, etc.)
¿Tenéis algún compositor cuya música hayáis tocado que, en vuestra opinión, destaca especialmente por su talento para escribir música para guitarra?
La mayoría de nuestros compositores son guitarristas con experiencias profundas en el instrumento. Nuestros favoritos son Fred Frith, Ralph Towner y Vonlanthen Vinz, los cuales tienen todos gran creatividad.
¿Cómo se trabaja el tema de los conjuntos de guitarra en los conservatorios de Suiza? ¿Hay un trabajo serio?
No, no lo hay.
En Basilea y Berna, prefieren unir la guitarra con otros instrumentos, música de cámara en combinaciones mixtas. En Zúrich, sin embargo, los estudiantes están tocando más en grupos de guitarra.
No, no lo hay.
En Basilea y Berna, prefieren unir la guitarra con otros instrumentos, música de cámara en combinaciones mixtas. En Zúrich, sin embargo, los estudiantes están tocando más en grupos de guitarra.
¿Cómo hacéis la planificación de los ensayos?
Nuestra estructura es estrictamente democrática y cada intérprete puede aportar su calidad. Nadie toca la guitarra primera en todas las piezas. Tenemos entre uno y tres ensayos semanales en función de la necesidad.
Nuestra estructura es estrictamente democrática y cada intérprete puede aportar su calidad. Nadie toca la guitarra primera en todas las piezas. Tenemos entre uno y tres ensayos semanales en función de la necesidad.
¿Cómo organizáis una nueva obra?
La mayor parte de todas las obras nuevas son encargos. En nuestros conciertos tocamos una mezcla de nuevas obras por encargo junto con transcripciones de las épocas clásica y barroca.
La mayor parte de todas las obras nuevas son encargos. En nuestros conciertos tocamos una mezcla de nuevas obras por encargo junto con transcripciones de las épocas clásica y barroca.
¿Qué factores clave son importantes para evaluar la calidad de un grupo de guitarras? ¿Qué es lo que más valoráis de un grupo?
Una de las cosas más importantes en un conjunto de guitarras es el equilibrio dinámico. Trabajamos mucho sobre este tema. Nosotros tratamos de acercarnos al sonido de una orquesta. Luego, por supuesto, la interacción precisa y la entonación depurada son esenciales.
¿Podéis citar material interesante, desde el punto de vista pedagógico y musical, para nivel intermedio?
Jürg Kindle, un guitarrista/ compositor suizo escribió muy pocas piezas muy interesantes para diferentes niveles. Kalimba podría ser una obra de esta categoría.
Trans Europa Express” por Jürg Kindle. Y él tiene más. Sus obras sin duda merecen la pena probarlas.
El mejor consejo para formar un grupo.
Difícil dar consejos sobre este tema. Sólo puedo hablar acerca de nuestros principios: Como hemos dicho antes, nos encontramos durante nuestros estudios en la Music Academy Zürich. Después de algunos cambios la actual formación cristalizó. Con los años hemos observado que el hecho de haber estudiado con el mismo profesor (Walter Feybli) nos dio una base musical colectiva, un entendimiento mutuo. Eso no quiere decir que no discutamos mucho sobre la interpretación. Todavía hay espacio para la discusión.
El mejor consejo para mantener un grupo.
No sabemos si esto es imprescindible para un grupo, pero tenemos mucha suerte en la medida en que nos entendemos, no sólo musicalmente. Nos gusta pasar tiempo juntos, lejos de la guitarra, hablar de asuntos de familia, cine, literatura, etc. Y también, cada miembro tiene espacio suficiente para dedicarse a otros proyectos musicales suyos de los que el cuarteto sale beneficiado. Pero al igual que en un matrimonio, con el fin de perdurar, tienes que trabajar en la relación. Esto significa que se debe hablar de los problemas que puedan surgir y tratar de resolverlos juntos. Nos peleamos un poco de vez en cuando, pero esto no hace estar más unidos. Esperemos que siga de esta manera.
¿Por qué formar un grupo de guitarras? ¿Cuáles son los beneficios para el estudiante y para el músico?
No hay nada mejor que tocar en un conjunto. Se aprende todo. Tocando activa y pasivamente, escuchando y dirigiendo, centrándose en uno mismo o en todo el grupo, a realizar tu propio camino, así como a deshacerlo. Creednos, tocar en un cuarteto es una escuela para la vida!
El mejor consejo para mantener un grupo.
No sabemos si esto es imprescindible para un grupo, pero tenemos mucha suerte en la medida en que nos entendemos, no sólo musicalmente. Nos gusta pasar tiempo juntos, lejos de la guitarra, hablar de asuntos de familia, cine, literatura, etc. Y también, cada miembro tiene espacio suficiente para dedicarse a otros proyectos musicales suyos de los que el cuarteto sale beneficiado. Pero al igual que en un matrimonio, con el fin de perdurar, tienes que trabajar en la relación. Esto significa que se debe hablar de los problemas que puedan surgir y tratar de resolverlos juntos. Nos peleamos un poco de vez en cuando, pero esto no hace estar más unidos. Esperemos que siga de esta manera.
¿Por qué formar un grupo de guitarras? ¿Cuáles son los beneficios para el estudiante y para el músico?
No hay nada mejor que tocar en un conjunto. Se aprende todo. Tocando activa y pasivamente, escuchando y dirigiendo, centrándose en uno mismo o en todo el grupo, a realizar tu propio camino, así como a deshacerlo. Creednos, tocar en un cuarteto es una escuela para la vida!
Eos Guitar Quartet (I) El clásico se reinventa
Son todo un clásico en el mundo de la guitarra, y más concretamente en el mundo de los ensembles de guitarra, funcionando desde el año 1985, solo un poco después a la aparición de LAGQ. Este cuarteto suizo formado por Marcel Ege, Martin Pirktl, David Sautter y Michael Winkler puede presumir de haber trabajado con varios de los más grandes compositores de nuestra época, de generar un repertorio nuevo y estimulante para la guitarra y de hacernos disfrutar con su calidad y originalidad.
De música, de pedagogía, de repertorio y mucho más nos hablan los miembros de Eos.
¿Cómo comenzasteis con el Cuarteto?
Nos conocimos durante los años ochenta, cuando todos estábamos estudiando en el Conservatorio de Zúrich. No había muchos ídolos en aquel entonces. Un poco de inspiración que recibimos de Los Romeros y la entonces los recién formados Los Angeles Guitar Quartet.
De vuestro último disco, "20 +" existe una relación de nombres muy importantes de las cuales la gran mayoría están relacionadas con el mundo del jazz (Camilo, Stern, Gismonti, Frith ...). ¿Ha sido el gusto personal por el jazz y las grandes personalidades vuestra elección?
Sí, por supuesto! A todos nos gusta el Jazz, el Flamenco y las músicas del mundo. Y nosotros hemos llegado a conocer a muchos de los músicos personalmente, durante el transcurso de estos años. Parecía natural pedirles encargos de composición para nosotros.
Sí, por supuesto! A todos nos gusta el Jazz, el Flamenco y las músicas del mundo. Y nosotros hemos llegado a conocer a muchos de los músicos personalmente, durante el transcurso de estos años. Parecía natural pedirles encargos de composición para nosotros.
En “Fair”, el colorido de Frith acentúa un suave amanecer de Islandia. Para ello, David utiliza un palillo chino, Marcel una baqueta de tambor, Martin trabaja la guitarra con el arco del violonchelo y Michael lucha con los constantes cambios de dulzainas artificiales. Se puede oír el frío escalofriante en esta pieza. Información acerca de Frith se puede encontrar en http://www.fredfrith.com/
Por cierto, Leo Brouwer especifica una instrucción sobre bottlenecks en su obra “Acerca del cielo: La ciudad de las mil cuerdas”, eso es todo sobre el tema relacionado con las guitarras preparadas.
Si pudierais elegir a un compositor con el que no hayáis trabajado, para encargarle una obra. ¿Quién sería?
Hay algunos grandes músicos y compositores en nuestra lista de deseos, tales como John Scofield o Pat Metheny, a quienes llegamos a conocer recientemente. Si su tiempo se lo permite, podría componer una pieza más larga para cuarteto de guitarras.
Habéis grabado música de George Gruntz. He encontrado la música interesante y muy original, con una atmósfera atractiva y timbres muy cuidados. ¿Podéis hablar de él? ¿Tiene más obras para guitarra? Fue encargado por él o estaba compuesto ya el trabajo?
George Gruntz es un famoso compositor de jazz suizo y un gran líder de una Big band. Cuando contactamos con él para encargarle una obra para cuarteto de guitarra nunca había escrito nada hasta ese momento para la guitarra. Con el fin de conocer las posibilidades de nuestro instrumento se compró una guitarra barata. Así pudo hacerse una idea de sus características y controlar si, por ejemplo, un acorde técnicamente era posible o no de tocar.
¿Cómo fue la relación con él? Es lo que domina el idioma? Os pidió sugerencias para la escritura o quizás os permitió hacer cambios?
Tuvimos una relación muy buena y tenemos por supuesto el mismo idioma. Después de haber recibido la composición tuvimos que arreglar ciertas cosas para poder tocarla, siempre, por supuesto, con su permiso. Pero en general podemos decir que la pieza está tan bien hecha que solo tuvimos que cambiar pequeñas cosas.
Tuvimos una relación muy buena y tenemos por supuesto el mismo idioma. Después de haber recibido la composición tuvimos que arreglar ciertas cosas para poder tocarla, siempre, por supuesto, con su permiso. Pero en general podemos decir que la pieza está tan bien hecha que solo tuvimos que cambiar pequeñas cosas.
El atractivo cuarteto que compuso Gruntz se denomina “no XOD! to Rap (Paradoxon)” ¿Qué es esto?
Esta composición se basa en un notable texto de Friedrich Dürrenmatt, un famoso autor suizo, que se tocó con motivo de un premio que recibió el ex presidente de la República Checa Vaclav Havel. El discurso tenía el título de «una Suiza paradójica». Si lees paradoxon al revés nos queda «no XOD un rap». Eso es todo, muy simple.
Esta composición se basa en un notable texto de Friedrich Dürrenmatt, un famoso autor suizo, que se tocó con motivo de un premio que recibió el ex presidente de la República Checa Vaclav Havel. El discurso tenía el título de «una Suiza paradójica». Si lees paradoxon al revés nos queda «no XOD un rap». Eso es todo, muy simple.
Habéis hecho arreglos de Boccherini, Vivaldi, Stravinsky, Rossini ... ¿Cómo es el proceso de los arreglos? ¿Qué podemos esperar de un arreglo orquestal para cuarteto de guitarras? ¿Estáis buscando un nuevo punto de vista de una obra antigua o simplemente la posibilidad de disfrutar de música no original para guitarra?
El arreglo es siempre el trabajo de uno de nosotros. La pieza que se va a arreglar debe ser escogida con mucho cuidado. No todas las composiciones son adecuadas para el formato de cuarteto de guitarras. La música debe ser “picante” y debe tener una cierta sencillez. La música pesada melancolía romántica no se ajusta muy bien. Tocar la obertura de Rossini, por ejemplo, es una experiencia muy alegre, y a veces una composición con nuestras reducciones se hace incluso más comprensible.
¿Cuál ha sido la obra más difícil de arreglar y por qué?Cada arreglo de una pieza escrita originalmente para orquesta sinfónica es un trabajo muy duro y necesita un gran trabajo intelectual. En primer lugar tienes que saber qué es lo esencial de una parte, que voz es absolutamente necesaria y cuál puede ser descartada. Entonces tienes que hacer la instrumentación, y organizar todas las voces para crear una gran variedad. Cada guitarra tiene que tocar solos, así como acompañamientos y tiene que usar todos los colores que se pueden tocar en la guitarra con el fin de reproducir la calidad del sonido de una orquesta.
Enlaces de interés:
Página web oficial Música
Eos Guitar Edition
Duo Sylvie Dambrine & Marcel Ege
Letizia Fiorenza & David Sautter
Flamencos en route,
Karin Birkenmeier,
Michael Winkler
in guitar winterthur the festival
Giovanni Masella, EON GUITAR QUARTET (I)
¿Cuál es el actual panorama de los ensembles con guitarra en Italia a nivel institucional?
Actualmente Italia tiene un panorama muy interesante en lo referente a estos ensembles, especialmente en lo que se refiere a las orquestas de guitarra y las pequeñas combinaciones como lo dúos.
A nivel profesional hay más dificultad para que la cosa funcione ya que los conciertos de guitarra son casi específicos de los festivales de guitarra y además es difícil hacer que un ensemble trabaje en largas distancias.
Sí, Eon Guitar Quartet somos un ensemble de “largo recorrido”. Yo personalmente lo fundé a principios del 2000 y con muy pocos cambios en el grupo nos mantenemos activos desde hace más de 10 años.
En cuanto a agrupaciones profesionales, ¿cómo está la situación?
En realidad yo solo conozco 2 o 3 combos estables en Italia.
Uno de ellos es otro proyecto personal propio (con mi colega Rita Casagrande) que consiste en una orquesta de guitarras denominada “La Follìa Guitar orchestra”, aunque es una especie de proyecto social conectando intérpretes profesionales con amateurs.
Roberto Tascini tiene una actividad similar también con “Marche Guitar Orquestra” en su zona, en el centro de Italia, y además hay otras formaciones similares.
Pero como ensemble realmente profesional podría contar…bien… nadie más aparte del Eon Guitar Quartet. (risas)
¿Qué lugar tienen los ensembles de guitarras en los programas académicos de conservatorios y escuelas de música?
Ya que el Conservatorio es una carrera de 10 años no tenemos un programa especial para ensembles.
Un estudiante tiene que hacer curso de música de cámara pero no específicamente ensembles de guitarra, así que normalmente tienen que practicar como dúos, de guitarra o con flauta o violín, una vez a la semana.
En la reciente reforma de los estudios musicales tenemos más horas dedicadas a la música de cámara pero, hasta lo que yo sé, todavía no hay nada específico enfocado hacia los ensembles de guitarra.
A nivel personal, ¿qué referencias e influencias tenéis en el mundo de los ensembles de guitarra? ¿Y a nivel musical general?
A nivel de Italia ya hemos hablado. A nivel internacional hemos tenido la suerte de viajar mucho a festivales de guitarra alrededor del mundo y no hemos conocido muchos cuartetos de guitarra por ahí… Así que pienso que si excluimos formaciones históricas como LAGQ o Los Romeros, podemos encontrar Eon Guitar Quartet en Italia, otras 2 o 3 en el resto de Europa y un número similar en Sudamérica. Algo distinto en USA pero no conocemos la escena musical de allí porque, a menudo, los ensembles nacen en los centros académicos y es allí donde suelen tocar…
En el mundo de la música general, sinceramente, tengo que hacerte una pregunta: ¿Importa algo la guitarra? (sonrisas)
¿Qué compositores son, en vuestra opinión, referencias indiscutibles en los ensembles de guitarra?
Bien, nosotros estamos acostumbrados a tocar mucho repertorio original para guitarra.
Uno de los más importantes es, sin duda alguna, Leo Brouwer, y hemos tocado todas y cada una de sus piezas. Otros compositores que sé que toca la gente son Rak, Bellinati, Martin o Dyens, pero sinceramente no tocamos su música (excepto a Bellinati).
Respecto de compositores “históricos” tenemos que mencionar a Torroba con sus Estampas y Ráfagas, muy interesantes desde el punto de vista lírico pero pienso que un poco simplistas en la escritura. Nada que no pueda hacerse solo con dos guitarras.
¿Podéis citar algunas obras que hayan marcado definitivamente el repertorio de cuarteto de guitarras?
Paisaje cubano con Lluvia –LEO BROUWER
Paisaje cubano con rumba – LEO BROUWER
Estampas – MORENO TORROBA (desde un punto de vista histórico)
Otras composiciones contemporáneas como la Suite de Shnyder (Music for Four Guitars)
Dentro de esta diversidad de influencias que tenéis, desde la música clásica a la electrónica, ¿cómo encaja esto en vuestro grupo? ¿En la interpretación? ¿En la elección del repertorio? ¿En los arreglos?
Es cierto que tenemos experiencias diferentes. Fue muy útil en nuestra primera época saber el repertorio y aprender y desarrollarnos nosotros mismos y nuestra idea de cuarteto de guitarra.
Definitivamente nosotros pensamos en el cuarteto como una pequeña orquesta y cada uno de nosotros pone a su manera de tocar su conocimiento instrumental y musical.
Creo que si hubiéramos sido unos “simples” guitarristas clásicos tocaríamos como guitarristas…J (risas)
Así que la elección del repertorio está basada puramente en el gusto musical y los arreglos solemos hacerlos de piezas orquestales. Además intentamos reproducir varios timbres y gestos de instrumentos en las guitarras.
Derek Hasted. HAGO orquestra. (II)
Ampliando la difusión de los ensembles de guitarra
¿Cómo combatir el aburrimiento posible de estudiar solo en casa sin disfrutar de las otras partes? ¿Es usted el uso de grabaciones o archivos MIDI para ayudar a ellos?Aquí, en la Hampshire Guitar Orchestra, he utilizado los archivos MIDI y grabaciones para que los intérpretes puedan practicar en casa a la velocidad adecuada y para asegurarse de que no dudan, inconscientemente, en las secciones difíciles. Mis intérpretes vienen de todas partes esta zona del sur de Inglaterra, y por lo tanto sólo podemos esperar juntarnos una vez cada dos semanas. Es muy importante que no perdamos un tiempo precioso en las cosas particulares de un intérprete, y que podría haber sido resuelto en su casa. Nos reunimos para disfrutar del gran sonido que hacemos, y para agregar detalles a la música - algo que los archivos MIDI no pueden hacer salvo si es con un montón de trabajo duro con los archivos.
¿Cómo tratan los conservatorios de música británica y las academias la materia del conjunto de guitarras? Tiempo, recursos, tipos de grupos, libros y autores
Cada colegio es diferente, y algunos de ellos parecen concentrarse en la técnica de solo, porque esta es probablemente la forma en que el estudiante se ganará la vida. Me resulta muy difícil responder a esta -¡Creo que cada escuela le daría una respuesta diferente!
¿Cuáles son los principales problemas de las personas que se enfrentan por primera vez a la práctica de grupo ha notado más frecuentemente? ¿Cómo corregirlos?A menudo se sorprenden al escuchar un sonido o un acorde que no han hecho por sí mismos - se siente un poco como la diferencia entre usar una herramienta eléctrica para trabajar la madera, en comparación con una herramienta de mano. Como resultado, sus oídos están oyendo cosas que no están en su partitura y esto puede ser muy confuso al principio. Por supuesto, el otro problema es que el compás 93 podría ser muy difícil en una parte y muy fácil en otra, así que a veces los nuevos intérpretes pierden su lugar con demasiada facilidad. En la Hampshire Guitar Orchestra, puse marcas de ensayo al comienzo de cada frase, y animo a los nuevos intérpretes a leer su parte, mientras escuchan el sonido global de un archivo MIDI, para que aprendan cómo suena lo que se indica en cada marca de ensayo. Entonces, si pierden su lugar, pueden retomar la música en la siguiente marca.
En tus escritos pedagógicos, con los que estoy de acuerdo, dejas claro que la capacidad de escuchar es una de las cosas más valiosas en el aprendizaje. ¿Puedes darnos algunos consejos para mejorar esta habilidad?
Estás a favor de la composición o prefieres los arreglos para conjunto de guitarras de diferentes tipos (soprano, bajo, etc.) como lo hacen en las orquestas Niibori. ¿Cómo de compleja es la adaptación para tocar otros tipos de guitarra para gente acostumbrada a la guitarra “normal” o “prime”?
Derek Hasted. HAGO orquestra. (I)
Ampliando la difusión de los ensembles de guitarra
Ampliando la difusión de los ensembles de guitarra
¿Cómo combatir el aburrimiento posible de estudiar solo en casa sin disfrutar de las otras partes? ¿Es usted el uso de grabaciones o archivos MIDI para ayudar a ellos?Aquí, en la Hampshire Guitar Orchestra, he utilizado los archivos MIDI y grabaciones para que los intérpretes puedan practicar en casa a la velocidad adecuada y para asegurarse de que no dudan, inconscientemente, en las secciones difíciles. Mis intérpretes vienen de todas partes esta zona del sur de Inglaterra, y por lo tanto sólo podemos esperar juntarnos una vez cada dos semanas. Es muy importante que no perdamos un tiempo precioso en las cosas particulares de un intérprete, y que podría haber sido resuelto en su casa. Nos reunimos para disfrutar del gran sonido que hacemos, y para agregar detalles a la música - algo que los archivos MIDI no pueden hacer salvo si es con un montón de trabajo duro con los archivos.
¿Cómo tratan los conservatorios de música británica y las academias la materia del conjunto de guitarras? Tiempo, recursos, tipos de grupos, libros y autores
Cada colegio es diferente, y algunos de ellos parecen concentrarse en la técnica de solo, porque esta es probablemente la forma en que el estudiante se ganará la vida. Me resulta muy difícil responder a esta -¡Creo que cada escuela le daría una respuesta diferente!
¿Cuáles son los principales problemas de las personas que se enfrentan por primera vez a la práctica de grupo ha notado más frecuentemente? ¿Cómo corregirlos?A menudo se sorprenden al escuchar un sonido o un acorde que no han hecho por sí mismos - se siente un poco como la diferencia entre usar una herramienta eléctrica para trabajar la madera, en comparación con una herramienta de mano. Como resultado, sus oídos están oyendo cosas que no están en su partitura y esto puede ser muy confuso al principio. Por supuesto, el otro problema es que el compás 93 podría ser muy difícil en una parte y muy fácil en otra, así que a veces los nuevos intérpretes pierden su lugar con demasiada facilidad. En la Hampshire Guitar Orchestra, puse marcas de ensayo al comienzo de cada frase, y animo a los nuevos intérpretes a leer su parte, mientras escuchan el sonido global de un archivo MIDI, para que aprendan cómo suena lo que se indica en cada marca de ensayo. Entonces, si pierden su lugar, pueden retomar la música en la siguiente marca.
En tus escritos pedagógicos, con los que estoy de acuerdo, dejas claro que la capacidad de escuchar es una de las cosas más valiosas en el aprendizaje. ¿Puedes darnos algunos consejos para mejorar esta habilidad?
Ser capaz de escuchar los detalles en la música no es la misma habilidad que ser capaz de distinguir el habla cuando se susurra. Alguien que no escucha todos los detalles de la música está perdiéndose cosas que son fáciles de descubrir si se sabe qué escuchar. Trato de animar a la gente a oír la línea de bajo en las canciones pop y en música de cámara simple - a menudo el bajo se mueve de una manera que es completamente diferente a la melodía, y escuchar cómo la música gana una nueva dimensión es una buena manera de disfrutar mucho más de la música. Yo sugiero a mis alumnos que escuchen los acordes de la música popular para aprender a saber cuándo se producen los cambios. Esto no es diferente a cómo alguien podría mirar una casa y ver solo una casa, mientras que un constructor podría ver la manera en que los ladrillos se ponen, los tamaños de las ventanas, la forma en que el techo se une a las paredes... Una forma de obtener una apreciación de la música es tomar una pieza simple de guitarra a dos voces (melodía y bajo), y grabar la melodía, y luego tocar el bajo junto con ella. Cuando un guitarrista toca a dos voces, rápidamente se entera de que un error en la melodía es muy obvio, pero a veces no lo percibe en la línea de bajo. Tocándola él mismo le permitirá ver, por ejemplo, una línea de bajo ascendente por debajo de una melodía descendente (movimiento contrario), y el inicio y el final de la secuencia ascendente será mucho más visible. Yo sé que me gusta escuchar todo tipo de música diferente, porque estoy estudiando la estructura de la pieza, en vez de sólo mirar cómo la pieza terminada suena. Estoy seguro que todos hemos escuchado una canción pop que tocada por un grupo que no fue el que originalmente lo grabó. A veces, el grupo hace una versión y trata de copiar el sonido original, pero a veces salen con un arreglo totalmente nuevo. Y esa es la parte interesante - la melodía es la misma, pero la canción es diferente. ¡Y todo porque la música que hay detrás de la melodía ha cambiado!
¿Cómo es la disposición física de las partes y conjuntos de instrumentos para ti?
¿Cómo es la disposición física de las partes y conjuntos de instrumentos para ti?
Hay cuatro tamaños de guitarra clásica en HAGO, la Orquesta de Guitarras Hampshire. Tenemos 14 intérpretes, y con el fin de poder tocar en el tipo de salas para las que solemos trabajar, optamos por sentarnos en dos filas. Cada fila está curvada. Coloco las guitarras alto (la más alta tesitura) en un extremo de la fila, y debido a la curva, tocamos en parte para la audiencia y en parte al frente del conjunto. Como las altos tienen la melodía, hace más fácil para todo el mundo escuchar la melodía. Detrás de los altos ponemos las “contra guitars”, que son las más graves. La línea de éstas por lo general toca principalmente sobre el pulso, y es fácil de oír en cualquier lugar del conjunto, así que queremos asegurarnos de que los “contra guitars” estén bien coordinados con las guitarras alto. Así, la parte superior e inferior del conjunto están compactos, y esperando que el registro intermedio se ajuste con más facilidad.
En los diferentes instrumentos de cuerda pulsada de conjunto (soprano, bajo ...) cada uno tiene sus propias características. ¿Cómo hacer para sacar el máximo provecho? ¿Qué características tiene los distintos instrumentos relacionados con la guitarra estándar aparte de la tesitura y el registro?
En los diferentes instrumentos de cuerda pulsada de conjunto (soprano, bajo ...) cada uno tiene sus propias características. ¿Cómo hacer para sacar el máximo provecho? ¿Qué características tiene los distintos instrumentos relacionados con la guitarra estándar aparte de la tesitura y el registro?
La mayoría de nuestras guitarras son de cedro, pero las guitarras alto son casi todas de abeto, y esto les da gran potencia. Las cuerdas más cortas son muy tensas, pero la cuerda prima es muy brillante, por lo que tendemos a no utilizar las guitarras alto si tocamos piezas de tempo lento, delicadas, de la misma manera que una orquesta sinfónica no utiliza trompetas en piezas “suaves”. Casi siempre usamos el bajo y las guitarras contrabajo, sin embargo. El bajo es un instrumento muy ágil, y hemos añadido un tornavoz a cada uno (un cono en el interior de la boca) para hacer las resonancias graves mucho más ricas y poderosas. La contrabajo es un poco más grande todavía, pero las cuerdas duras hacen que sea bastante complicada para tocarlas dos cuerdas graves tienen doble entorchado, con un entorchado de metal sobre otro de base, para dar a las cuerdas el suficiente peso para los sonidos graves, pero sin perder por ello la tensión. Además, las cuerdas de las contrabajos tienden a cerdear contra los trastes si se tocan muy rápidamente, por lo que las partes contra tienden a ser lentos. De cualquier modo, el oído humano no responde bien a las notas graves rápidas, por lo que es una buena solución. Si tocamos música secciones repetidas, a menudo eliminamos la parte de las contra en la repetición, o las colocamos una octava más alta, para darnos un sonidos muy diferentes sin añadir complejidad.
Estás a favor de la composición o prefieres los arreglos para conjunto de guitarras de diferentes tipos (soprano, bajo, etc.) como lo hacen en las orquestas Niibori. ¿Cómo de compleja es la adaptación para tocar otros tipos de guitarra para gente acostumbrada a la guitarra “normal” o “prime”?
El bajo, que es 50 mm más largo que una guitarra normal, es muy fácil de aprender a tocar, y muchos de mis intérpretes utilizan el bajo en una o más piezas. De hecho, durante un concierto, tenemos muchos más” bajistas” que guitarras bajas, pero en realidad la mayoría están muy contentos de practicar la parte del bajo en casa con una guitarra normal y sólo tocan con el bajo en el ensayo, cuando se pasan los instrumentos por la sala de ensayo.
La guitarra contrabajo tiene un alcance más grande - es 100 mm más larga que una guitarra clásica - y las cuerdas deben tocarse con cuidado para no cerdear. Para estas guitarras, mis intérpretes practican su música en el instrumento real.
La guitarra alto es 120 mm más pequeño que la guitarra normal, y las cuerdas tienen más tensión - la cuerda prima es aproximadamente un 25% más tensa que en una guitarra normal. Puesto que el tono no es tan suave como en una guitarra normal, y la sostenibilidad no es tan larga, tendemos a tocar en la región más aguda, arriba en el diapasón, (para obtener las notas que existen sólo en la guitarra alto). Aquí, el mástil es muy pequeño, y nos permite llegar fácilmente a realizar extensiones, sobrepasando los cuatro trastes cuatro que normalmente podemos alcanzar. Esto significa que se puede tocar música con una gran cantidad de sostenidos y bemoles sin cambiar de posición. Para la mayoría de nosotros, nos encontramos con que las cuerdas tensas son demasiados duras para las uñas, por lo que tendemos a ensayar nuestra digitación en una guitarra normal hasta que se conoce la pieza, para luego cambiar a la guitarra alto. Aunque ésta es mucho más pequeña, el mástil tiene un ancho estándar, lo que en realidad se siente como tocar una guitarra normal por encima de la 9 ª posición, ¡pero sin el dedo pulgar en el camino!
Así que lo sorprendente es que en realidad es muy sencillo cambiar de instrumento, y en un concierto, los intérpretes de alto probablemente tocan la mitad de nuestras piezas en alto, y la otra mitad en la guitarra normal, y hacerlo con mucha facilidad.
Es interesante que el estudiante comience a tocar música en grupo cuanto antes. ¿Es posible formar un conjunto con niños que sólo saben tocar cuerdas al aire y algunas pocas notas en la primera posición? Si es así, ¿cuál sería el conjunto ideal?
La guitarra contrabajo tiene un alcance más grande - es 100 mm más larga que una guitarra clásica - y las cuerdas deben tocarse con cuidado para no cerdear. Para estas guitarras, mis intérpretes practican su música en el instrumento real.
La guitarra alto es 120 mm más pequeño que la guitarra normal, y las cuerdas tienen más tensión - la cuerda prima es aproximadamente un 25% más tensa que en una guitarra normal. Puesto que el tono no es tan suave como en una guitarra normal, y la sostenibilidad no es tan larga, tendemos a tocar en la región más aguda, arriba en el diapasón, (para obtener las notas que existen sólo en la guitarra alto). Aquí, el mástil es muy pequeño, y nos permite llegar fácilmente a realizar extensiones, sobrepasando los cuatro trastes cuatro que normalmente podemos alcanzar. Esto significa que se puede tocar música con una gran cantidad de sostenidos y bemoles sin cambiar de posición. Para la mayoría de nosotros, nos encontramos con que las cuerdas tensas son demasiados duras para las uñas, por lo que tendemos a ensayar nuestra digitación en una guitarra normal hasta que se conoce la pieza, para luego cambiar a la guitarra alto. Aunque ésta es mucho más pequeña, el mástil tiene un ancho estándar, lo que en realidad se siente como tocar una guitarra normal por encima de la 9 ª posición, ¡pero sin el dedo pulgar en el camino!
Así que lo sorprendente es que en realidad es muy sencillo cambiar de instrumento, y en un concierto, los intérpretes de alto probablemente tocan la mitad de nuestras piezas en alto, y la otra mitad en la guitarra normal, y hacerlo con mucha facilidad.
Es interesante que el estudiante comience a tocar música en grupo cuanto antes. ¿Es posible formar un conjunto con niños que sólo saben tocar cuerdas al aire y algunas pocas notas en la primera posición? Si es así, ¿cuál sería el conjunto ideal?
Los duetos estudiante / profesor son muy buenos para llegar a los estudiantes a contar el ritmo correctamente, y un maestro puede tocar la guitarra mucho más fuerte que sus estudiantes, por lo que la enseñanza de una clase así funciona muy bien. En un dúo de estudiante / maestro, piezas muy complicadas pueden ser tocadas utilizando sólo unas pocas notas por parte de los alumnos, y a éstos les encanta formar parte de un gran sonido.
¿Qué tipo material pedagógico puedes recomendar en este sentido para niños y jóvenes?
La” Associated Board de la Royal Schools of Music” (ABRSM) publica libros de conjuntos de guitarra llamados “Music Medals”. Cada medalla es un nivel de logro en la interpretación del conjunto, y los primeros libros tienden a combinar al estudiante con el profesor, mientras que los libros más avanzados tienden a tener tríos con partes en dos o tres niveles de dificultad distintos por lo que un grupo de habilidades mixtas pueden disfrutar de una pieza que desafía a todos por igual.
¿Que repertorio especifico recomiendas para el niveles inicial e intermedio?
¿Qué tipo material pedagógico puedes recomendar en este sentido para niños y jóvenes?
La” Associated Board de la Royal Schools of Music” (ABRSM) publica libros de conjuntos de guitarra llamados “Music Medals”. Cada medalla es un nivel de logro en la interpretación del conjunto, y los primeros libros tienden a combinar al estudiante con el profesor, mientras que los libros más avanzados tienden a tener tríos con partes en dos o tres niveles de dificultad distintos por lo que un grupo de habilidades mixtas pueden disfrutar de una pieza que desafía a todos por igual.
¿Que repertorio especifico recomiendas para el niveles inicial e intermedio?
Yo nunca he considerado la música de conjunto como una forma de progreso con la guitarra - Creo que la progresión viene con la enseñanza estructurada de la guitarra solista. Para mí, el ensemble de guitarras trata de recreación y diversión, a la vez que ayuda a desarrollar mejores habilidades para escuchar. Por esa razón yo preferiría que el conjunto eligiera la música ellos más disfruten. Por el lado de la guitarra solista, aquí en el Reino Unido tenemos dos tipos de exámenes principales, Trinity Guildhall y Associated Board. Cada uno de ellos tiene una lista de material de examen en cada una de 8 niveles. No siempre pienso que los exámenes son una cosa buena, especialmente si alguien está aprendiendo guitarra como relajación y hobby, en vez de tener un propósito específico en mente. Sin embargo, el material de examen incluye una lista de piezas. A veces una pieza está en un libro, y el propio libro porque una fuente de material de enseñanza. Y esta es la forma en que se he acumulado una colección de música que me encanta tocar y me encanta enseñar. A veces, también, una pieza estará en más de un libro y la tipografía o la digitación será diferente, y esto es un punto de la enseñanza por propio derecho.
¿Algún consejo para el intérprete del conjunto de todos los niveles?
El consejo más breve que puedo dar tiene que ser "escuchar atentamente", pero un mayor consejo sería "disfrutar experimentando con cambios en el volumen, tono y articulación, ya que en un conjunto, podemos cambiar la textura de una pieza mucho más fácilmente, y en un grado mucho mayor, lo que es posible en un solo de guitarra. Creo que las dos piezas de puntos de asesoramiento a la misma cosa "Disfruta de escuchar los sonidos procedentes de la guitarra que no se pueden hacer en un solo de guitarra"
¿Algún consejo para el intérprete del conjunto de todos los niveles?
El consejo más breve que puedo dar tiene que ser "escuchar atentamente", pero un mayor consejo sería "disfrutar experimentando con cambios en el volumen, tono y articulación, ya que en un conjunto, podemos cambiar la textura de una pieza mucho más fácilmente, y en un grado mucho mayor, lo que es posible en un solo de guitarra. Creo que las dos piezas de puntos de asesoramiento a la misma cosa "Disfruta de escuchar los sonidos procedentes de la guitarra que no se pueden hacer en un solo de guitarra"
Derek Hasted. HAGO orquestra. (I)
Ampliando la difusión de los ensembles de guitarra
Derek Hasted es el creador y director de la Hamphshire guitar orquestra, una agrupación formada por guitarristas amateur principalmente, que cuenta con gran reputación por sus actuaciones y por sus atractivos programas. Desde su amplia experiencia como profesor, director, compositor y arreglista nos habla de una gran cantidad de temas de interés sobre las agrupaciones, los ensayos, los instrumentos y mucho más
¿Qué parámetros utilizas para evaluar la calidad de un conjunto? Qué es realmente importante en la interpretración de conjunto?A diferencia de los instrumentos de orquesta, es muy raro para los guitarristas conseguir tocar en un conjunto. Creo que hay una distinción entre un ensemble compuesto por intérpretes del mismo nivel, y un ensemble formado por intérpretes de niveles mixtos. Pero, por supuesto, un montón de música de conjunto que está escrito para tomar ventaja de estas dos clases particulares de grupo. Así que la primera opción debe ser encontrar la música de la norma adecuada para cada intérprete.
Debemos hacer una distinción entre lo que es importante para los intérpretes en el conjunto - un sentido de la diversión y la amistad - y lo que es importante para la audiencia - un sonido hermoso. A veces cuando se toca en un conjunto, hay problemas de afinación que son muy fáciles de escuchar para el público pero quizás no para los intérpretes - si dos guitarras en los bordes exteriores del conjunto están desafinados entre ellos, el efecto en el público puede ser evidente mucho antes de que ellos se den cuenta. Yo recomiendo para la afinación general los afinadores electrónicos, de manera que todos los intérpretes puedan hacerlo al mismo tiempo. Y un sonido redondo es muy importante, sobre todo si hay varios intérpretes en línea, porque de lo contrario se hace muy obvio si uno de ellos está un poco por delante o por detrás del pulso. Con la excepción de la percusión, todos los instrumentos de la orquesta sinfónica tienen un principio de sonido suave en cada nota, y que hace sonar la música de orquesta muy compacta, rítmicamente. Si las notas tienen un comienzo duro, añadiendo a éste un clic en las uñas, por ejemplo, los errores pequeños en el tiempo son más fáciles de escuchar. Así que estas son las cosas que queremos del instrumento.
Debemos hacer una distinción entre lo que es importante para los intérpretes en el conjunto - un sentido de la diversión y la amistad - y lo que es importante para la audiencia - un sonido hermoso. A veces cuando se toca en un conjunto, hay problemas de afinación que son muy fáciles de escuchar para el público pero quizás no para los intérpretes - si dos guitarras en los bordes exteriores del conjunto están desafinados entre ellos, el efecto en el público puede ser evidente mucho antes de que ellos se den cuenta. Yo recomiendo para la afinación general los afinadores electrónicos, de manera que todos los intérpretes puedan hacerlo al mismo tiempo. Y un sonido redondo es muy importante, sobre todo si hay varios intérpretes en línea, porque de lo contrario se hace muy obvio si uno de ellos está un poco por delante o por detrás del pulso. Con la excepción de la percusión, todos los instrumentos de la orquesta sinfónica tienen un principio de sonido suave en cada nota, y que hace sonar la música de orquesta muy compacta, rítmicamente. Si las notas tienen un comienzo duro, añadiendo a éste un clic en las uñas, por ejemplo, los errores pequeños en el tiempo son más fáciles de escuchar. Así que estas son las cosas que queremos del instrumento.
¿Qué queremos de los intérpretes? Lo más importante es el deber de escuchar - y reaccionar - a lo que escuchan a su alrededor, para que la música se mantenga firme y sea posible retardar juntos al final de cada frase. Reaccionar a la música de otros es una habilidad que el intérprete solista no tiene que tener, y por lo tanto, probablemente, nunca lo aprenda. Pero esto es por lo que es tan importante trabajar con música que no esté en el máximo nivel de capacidad de un intérprete - uno tiene que ser capaz de hacer un trabajo auditivo “extra” en un conjunto. En algunos casos, los intérpretes tienen que ver entre sí para mantenerse unidos, tal vez al final de una pieza. No puedes identificar y reaccionar a la música que te rodea, si toda tu atención está puesta en la música impresa en frente de tí.
Para mí, lo que hace que un ensemble sea bueno es cuando todas las guitarras tienen el volumen correcto con respecto a la otras, de modo que los acordes que se forman cuando todas las partes del sonido suenan juntas lo hagan como si procediesen de un solo instrumento. Me gusta que sea difícil determinar quién está tocando el qué! También me encanta ver a los intérpretes mirándose entre sí, de modo que sea obvio que la música se está construyendo en grupo, en lugar de ser elaborado por personas que trabajan en forma aislada. Creo que un conjunto que es bueno para ver es por lo general es bueno para escuchar!
¿Trabajas la lectura en el aula? ¿Cómo lo haces?
Creo lectura a primera vista es muy importante. Un buen lector a primera vista habrá pasado parte del tiempo de práctica tocando algo que le es desconocido. Pero esto no es tiempo que se desperdicia, ya que la habilidad que se consigue significa que puedes aprender una pieza nueva con mucha más rapidez. Aprender a leer bien es una habilidad que lleva tiempo, pero compensa ese momento una y otra vez. Tocar música a vista también significa mucho más que leer notas, además de la digitación, y que facilita recordar las formas de dedos y patrones de ritmos si ves un montón de ejemplos diferentes de ellos.
¿Tienes algún truco especial para acostumbrar a los estudiantes a la lectura con sostenidos, bemoles y los signos naturales?
Estos signos son una parte necesaria de la música, pero, por supuesto, no tienen nada que ver con la música que uno escucha. Si silbo una canción cuando estoy conduciendo mi coche, no sé qué notas estoy silbando, y no sé cuáles son sostenidos y cuáles no lo son. Todo lo que importa es el progreso de la música arriba y abajo en la afinación. Yo les digo a mis alumnos que los sostenidos en la armadura están ahí para hacer esos saltos arriba y abajo en su justa medida. Y entonces trato de ayudar a mis estudiantes a reconocer los mismos altibajos en la música. Me parece que es muy útil dar a los estudiantes melodías sencillas que saben (como villancicos y temas populares) para que aprendan rápidamente a conseguir una sensación natural de las alturas, de la misma manera que lo hace un cantante. Cuando te das cuenta de que un cantante es capaz de saber qué nota debe sonar antes de que lo cante, no es muy diferente a esperar a un guitarrista para poder hacer lo mismo, por lo menos con melodías simples. También ayuda a mis estudiantes a desarrollar un buen oído para anticipar lo que debe sonar antes de tocarlo.
Para mí, lo que hace que un ensemble sea bueno es cuando todas las guitarras tienen el volumen correcto con respecto a la otras, de modo que los acordes que se forman cuando todas las partes del sonido suenan juntas lo hagan como si procediesen de un solo instrumento. Me gusta que sea difícil determinar quién está tocando el qué! También me encanta ver a los intérpretes mirándose entre sí, de modo que sea obvio que la música se está construyendo en grupo, en lugar de ser elaborado por personas que trabajan en forma aislada. Creo que un conjunto que es bueno para ver es por lo general es bueno para escuchar!
¿Trabajas la lectura en el aula? ¿Cómo lo haces?
Creo lectura a primera vista es muy importante. Un buen lector a primera vista habrá pasado parte del tiempo de práctica tocando algo que le es desconocido. Pero esto no es tiempo que se desperdicia, ya que la habilidad que se consigue significa que puedes aprender una pieza nueva con mucha más rapidez. Aprender a leer bien es una habilidad que lleva tiempo, pero compensa ese momento una y otra vez. Tocar música a vista también significa mucho más que leer notas, además de la digitación, y que facilita recordar las formas de dedos y patrones de ritmos si ves un montón de ejemplos diferentes de ellos.
¿Tienes algún truco especial para acostumbrar a los estudiantes a la lectura con sostenidos, bemoles y los signos naturales?
Estos signos son una parte necesaria de la música, pero, por supuesto, no tienen nada que ver con la música que uno escucha. Si silbo una canción cuando estoy conduciendo mi coche, no sé qué notas estoy silbando, y no sé cuáles son sostenidos y cuáles no lo son. Todo lo que importa es el progreso de la música arriba y abajo en la afinación. Yo les digo a mis alumnos que los sostenidos en la armadura están ahí para hacer esos saltos arriba y abajo en su justa medida. Y entonces trato de ayudar a mis estudiantes a reconocer los mismos altibajos en la música. Me parece que es muy útil dar a los estudiantes melodías sencillas que saben (como villancicos y temas populares) para que aprendan rápidamente a conseguir una sensación natural de las alturas, de la misma manera que lo hace un cantante. Cuando te das cuenta de que un cantante es capaz de saber qué nota debe sonar antes de que lo cante, no es muy diferente a esperar a un guitarrista para poder hacer lo mismo, por lo menos con melodías simples. También ayuda a mis estudiantes a desarrollar un buen oído para anticipar lo que debe sonar antes de tocarlo.
Volviendo a los temas populares, por el momento, tengo una hoja de práctica que contiene el mismo tema popular en seis tonalidades diferentes - esto es una gran manera de ayudar a los estudiantes a entender las tonalidades, en lugar de aprender las notas sin leerlas realmente. Es imposible para un principiante aprender la misma pieza con seis digitaciones diferentes, así que puedo estar seguro de que lo está leyendo correctamente.
¿Qué dificultades tiene el repertorio de conjunto en relación con el de solista?
Sin un director, la mayor dificultad es que cuando una pieza de música va mal, no está claro qué ha ido mal - la mayoría de la música de conjunto viene en particellas (partituras de cada parte del conjunto separadas), no en su versión completa para reducir al mínimo el número de cambios de página, y para hacer más fácil la recuperación en el caso de perdernos que sería más complicado en la partitura completa. Estoy seguro de que muchos intérpretes de ensembles conocen la sensación de oír un error y no saber si se trata de su error o el de otra persona, y por lo tanto, no saben qué hacer al respecto.
Durante la interpretación de música a solo, por lo general es bastante fácil conseguir el ritmo correcto, y cuadrar las notas entre los tiempos no es difícil cuando el pulgar, por ejemplo, está tocando los pulsos. En la música de conjunto, es mucho más difícil tocar contratiempos si uno no está tocando a tiempo también. Y es por eso por lo que alguna música de conjunto es muy difícil de hacer - si cada parte tiene un ritmo diferente, y las diferentes partes tocan notas en diferentes momentos, puede ser muy duro para mantener la música funcionando a través del conjunto.
Muchas veces veo en los estudiantes que el trabajo de conjunto no se toma tan en serio como el trabajo a solo. ¿Está de acuerdo conmigo?
Tienes razón en que no es fácil, o incluso agradable, tocar música de conjunto en forma aislada. La mayoría de la música de conjunto es monofónico - una nota a la vez - y por lo tanto no hay sentido de los acordes y el estilo de la pieza.
¿Qué dificultades tiene el repertorio de conjunto en relación con el de solista?
Sin un director, la mayor dificultad es que cuando una pieza de música va mal, no está claro qué ha ido mal - la mayoría de la música de conjunto viene en particellas (partituras de cada parte del conjunto separadas), no en su versión completa para reducir al mínimo el número de cambios de página, y para hacer más fácil la recuperación en el caso de perdernos que sería más complicado en la partitura completa. Estoy seguro de que muchos intérpretes de ensembles conocen la sensación de oír un error y no saber si se trata de su error o el de otra persona, y por lo tanto, no saben qué hacer al respecto.
Durante la interpretación de música a solo, por lo general es bastante fácil conseguir el ritmo correcto, y cuadrar las notas entre los tiempos no es difícil cuando el pulgar, por ejemplo, está tocando los pulsos. En la música de conjunto, es mucho más difícil tocar contratiempos si uno no está tocando a tiempo también. Y es por eso por lo que alguna música de conjunto es muy difícil de hacer - si cada parte tiene un ritmo diferente, y las diferentes partes tocan notas en diferentes momentos, puede ser muy duro para mantener la música funcionando a través del conjunto.
Muchas veces veo en los estudiantes que el trabajo de conjunto no se toma tan en serio como el trabajo a solo. ¿Está de acuerdo conmigo?
Tienes razón en que no es fácil, o incluso agradable, tocar música de conjunto en forma aislada. La mayoría de la música de conjunto es monofónico - una nota a la vez - y por lo tanto no hay sentido de los acordes y el estilo de la pieza.
Pasión por la guitarra y la orquesta
¿Cómo es un ensayo con la Okayama Guitar Orquestra? ¿Qué regularidad tienen los ensayos?
Actualmente hay dos grupos, una orquesta y un ensemble que es un conjunto más pequeño. Cada grupo tiene tres ensayos al mes y la duración de cada ensayo es de una hora y media normalmente.
La organización interna de los ensayos, ¿sigue un patrón fijo o varía en función de cada día? ¿Hay rutinas de calentamiento, ejercicios, técnica, lectura?
Normalmente no hacemos calentamientos ni ejercicios específicos. En caso necesario, lo hacemos individualmente por nuestra cuenta. A veces ensayamos por separada cada sección (guitarra alta, guitara baja, etc.).
Empezamos tocando despacio intentado mantener el tempo y unificarlo correctamente entre todos, y poco a poco vamos aumentando la velocidad y buscando cada vez más expresiones musicales adecuadas.
¿Cómo se afronta el montaje de una obra nueva?
Más o menos como he dicho anteriormente. Cuando hay algunas dificultades en su montaje, escuchamos o vemos algunas grabaciones de la obra en CD, DVD o Videos, etc. para familiarizarnos con ella.
Cuando hay problemas con el montaje de una obra, por falta de trabajo, comprensión o motivación, ¿qué estrategias usa para manejar esta situación?
En el principio, destacaría la importancia a la hora de elegir las obras. Hay que tener en cuenta el nivel o las posibilidades musicales o técnicas de los miembros actuales y calcular el tiempo disponible para saber si podriamos llegar a interpretarla a tiempo.
El director o profesor debería guiar a los miembros intentando sacar el máximo provecho de la obra. Para mí la clave más importante es que si puedes transmitirles cómo tenemos que realizar las respiraciones (con qué velocidad o profundidad) en cada frase musical.
Hablando de formaciones amateur, y desde el punto de vista pedagógico, se suelen dar diferencias considerables en cuanto a técnica y posibilidades. ¿Cómo mantiene la motivación de todos y cómo hace para que el conjunto progrese?
En mi orquesta hay desde principiantes hasta profesionales con más de 20 años de experiencia. En caso necesario para los principiantes simplificamos sus partituras quitando algunas notas. Para mi entender es más importante compartir la alegría de hacer la música con los demás que sufrir enfrentándose con las dificlutades técnicas. Si se siente alegre tocando con otros, OK! Con la alegría podrá ir aprendiendo a tocar mejor por si solo.
¿Hay algún tipo de repertorio que utilice específicamente para el desarrollo de los músicos de conjunto? ¿Qué compositores cree más interesantes? ¿Qué tipo de arreglos funcionan mejor?
Creo que la música barroca es la más adecuada para el desarrollo de una orquesta de guitarra. Es muy útil practicar con el metrónomo sintiendo el pulso para desarrollar el sentido del rítmo y la correcta pulsación de la mano derecha. Las obras de Vivaldi resultan efectivas a menudo para un conjunto que tiene desfases de nivel entre los miembros. Las obras de Mozart también van muy bien. El método Niibori posee en su archivo numerosos arreglos y estos te facilitan encontrar los materiales adecuados para cada momento.
La literatura de música de conjunto para guitarras con fines pedagógicos es mínima y anecdótica. En la escuela Niibori ¿hay libro específicos para esta materia? ¿En qué consisten? ¿Cuáles son? ¿Está traducidos al inglés o al español? ¿Cómo puedo conseguirlos?
El Grupo Niibori tienen muchas partituras publicadas. También tienen muchas grabaciones en CDs y DVDs. No es difícil de adquirir estos materiales a traves del Editorial Niibori. Lamentablemente apenas los hay editados en inglés, y en español todavía menos. También hay una revista mensual que se llama “Harmony” y esta cotiene algunas páginas en inglés. Es una revista dedicada exclusivamente sobre orquestas de guitarra y dando cada mes informaciones actualizadas del método Niibori.
¿Qué habilidades reconoce como imprescindibles para hacer un buen papel como integrante de un conjunto? ¿Y cuáles como director del mismo?
Creo que es suficiente tener el deseo de disfrutar la música compartiendo alegrías con otros integrantes, no son las habilidades técnicas o musicales. Las personas a las que les cuesta integrarse en un grupo o los individualistas suelen tardar más tiempo en aprender a tocar en conjunto indepedientemente de su nivel o técnica.
Sobre el director es un tema muy complejo, creo que debería de ser un lider nato porque esa persona tiene que ser confiada o respetada por todos los miembros de la orquesta, además ser muy responsable y sobre todo tener mucha voluntad para seguir mejorando su orquesta continuamente. Por supuesto, los estudios de la dirección son impresindibles.
¿Cuáles son los principales beneficios de pertenecer a una agrupación, en general, y a la agrupación de guitarras en particular?
El principal benefício es formar parte de una gran “familia”, algo que considero imposible de conseguir siendo un solisita. Tocando juntos en una orquesta de guitarra puedes tener amigos y compartes con ellos una gran alegría de disfrurtar de la guitarra y de la música.
Hay un tema extremadamente importante para toda la humanidad. Es la “Paz”. Fomentar la afición a la guitarra a traves del sonido de mi orquesta a lo mejor podría servir para que hubiese paz, o por lo menos en mi alrededor, y eso es lo más importante para mí.
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Pasión por la guitarra y la orquesta
Sadao Nakatani. Okayama Niibori Orquestra (I)
Sadao Masako es director y fundador de la Okayama Niibori Orquestra y uno de los máximos difusores de las "orquestas de guitarra Niibori" en todo el mundo.
En esta entrevista nos habla de este tipo de agrupaciones, de la familia de instrumentos de guitarra que se usan, de la dinámica de conjuntos y de las cualidades para ser un músico de ensemble, entre otras cosas.
¿Cómo se creó la Okayama Niibori Orquestra? ¿Cuál fue el proceso y qué dificultades tuvo que superar para crear esta formación?
Abrí una academia de guitarra por el método Niibori en Junio 1982 en Okayama y tres meses más tarde empecé a formar un conjunto de guitarra. Quise formar una orquesta de guitarra al estilo Niibori y trabajar a fondo con el deseo de fomentar la afición a la guitarra en la ciudad de Okayama. Una orquesta de guitarra con su amplio registro y potencia sonora, enriqueciendo a su sonido mágico y sus variedades de expresiones musicales que posee una guitarra, podría llegar a emocionar no solamente a los aficionados de guitarra sino también a un público general.
Considero una orquesta de guitarra como una familia numerosa y su valor educativo tiene un papel enormemente importante en esta actual sociedad cada vez más desamparada.
La primera dificultad es, sin duda, reunir los miembros. En mi caso, afortunadamente unos 15 alumnos de mi academia recien abierta se apuntaron como primeros músicos en mi conjunto.
Después, reunir los instrumentos. Hay que dialogar con cada uno de los integrantes para elegir el instrumento que tocar y convencerle para que vaya adquiriendo su instrumento.
Otro aspecto muy importante es que el director o el profesor debería tener conocimiento sobre el método Niibori. En este aspecto también tengo suerte porque durante mucho tiempo fui músico de la orquesta profesional de la sede del grupo Niibori y tenía conocimiento de cualidades y técnicas de las diferentes guitarras, como guitarra alta, guitarra baja, guitarrón o guitarra clavecín.
¿Quiénes son los integrantes de la Okayama Niibori Orquestra? ¿Profesionales? ¿Estudiantes avanzados? ¿Mezcla de ambos?
Hay de todo, es decir, desde los principiantes o niños hasta los profesionales.
¿Cuáles fueron las expectativas que tenía con esta formación en el principio? ¿Son las mismas de hoy o ha evolucionado hacia otro lugar?
Uno, como he dicho antes, una orquesta es como una gran familia. Siempre he querido formar una orquesta en donde los miembros pudiesen tener amistad o entendimiento entre ellos.
Dos, participar en concursos y actuar en los eventos culturales regionales.
Tres, en el principio sólo había 15 músicos, pero poco a poco quería ir aumentando a una plantilla de más de 50, porque es increíblemente contundente su sonoridad y expresión cuando suena una orquesta con más de 50 guitarristas.
Mis expectativas apenas han variado desde el principio y más o menos mis objetivos principales están conseguidos. Pero, entonces no me podía ni imaginar que llegariamos a actuar fuera de Japón. Hemos realizado tres giras de conciertos por España ¡Tres! Esto ha sido gracias a los esfuerzos de mis amigos, Masayuki Takagi, guitarrista y Serguei Mesropian, cellista, ambos, músicos profesionales residentes en Madrid.
En el concierto que celebrasteis este verano en Sigüenza pude ver una familia importante de tipos de guitarras. ¿Puede hablarnos de estos tipos, cuáles son, sus características y lo que aportan?
La combinación básica es de;
Guitarra Alta I y II, Guitarra Principal, Guitarra Clavecín Alta, Guitarra Baja, Guitarra Contrabajo y Guitarrón.
Lo podemos comparar con una orquesta de cuerda:
- Guitarra Alta I y II / Violín I y II
- Guitarra Principal / Viola
- Guitarra Baja / Cello
- Guitarra Contrabajo y Guitarrón / Contrabajo
- Guitarra Clavecín / “Basso Continuo” (Clavecín) en la música barroca
Se afinan de las sigiuentes maneras basándose en la Guitarra Principal:
- Guitarra Alta / 5ª justa más alta
- Guitarra Baja / 4ª justa más baja
(Entre Guitarra Alta y Baja hay una diferencia de una octava)
- Guitarra Clavecín Alta / 5ª justa más alta
- Guitarra Contrabajo y Guitarrón / Una octava más baja
Otras guitarras utilizadas en el método Niibori;
- Guitarra Sopranino y Piccolo / Una octava más alta que la Guitarra Alta
- Guitarra Soprano / Una octava más alta que la Principal
- Guitarra Clavecín Principal / igual que la Principal
- Guitarra Clavecín Baja / 4ª justa más baja que la Principal
Varían en tamaño acorde a su registro, cuando es más agudo es más pequeño y cuando es más grave, más grande. Todas las guitarras llevan seis cuerdas u órdenes. Siempre hay mismas relaciones interválicas entre las 6 cuerdas (órdenes) como una guitarra principal, sea la alta, la baja o la clavecín. De esta forma un guitarrista tiene más facilidad de tocar distintas guitarras aplicando más o menos la misma técnica. Los intervalos entre las guitarras se basan en las 4ª justa, 5ª justa o 1 octava.
Entrevista con José Antonio Chic (II)
Por Fernando Bartolomé Zofío para Modern Guitar Ensembles
Septiembre 2011
En esta segunda parte de la entrevista, José Antonio Chic nos habla acerca de cuestiones pedagógicas en relación con las agrupaciones de guitarras, acerca de Ensemble XXI y de la utlización de repertorio, entre otras cosas
Dentro del apartado pedagógico, ¿qué repertorio sueles utilizar para alumnos que empiezan y para gente que ya tiene más nivel?
Por Fernando Bartolomé Zofío para Modern Guitar Ensembles
Septiembre 2011
En esta segunda parte de la entrevista, José Antonio Chic nos habla acerca de cuestiones pedagógicas en relación con las agrupaciones de guitarras, acerca de Ensemble XXI y de la utlización de repertorio, entre otras cosas
Dentro del apartado pedagógico, ¿qué repertorio sueles utilizar para alumnos que empiezan y para gente que ya tiene más nivel?
Como ya he comentado, yo escribo mi material. Las guitarras están distribuidas en 4 voces, el nivel de dificultad es progresivo de la 4ª a la 1ª.
¿Puedes hablarnos del Ensemble XXI y de tu papel como compositor y difusor de música para conjunto de guitarras? ¿Cuál es la actual situación?
Ensemble XXI es un proyecto maravilloso que me está aportando experiencias inolvidables desde hace ya más de 10 años.
Para mi, ahora mismo, no tendría sentido pensar en un conjunto de sólo guitarras. La magia y la originalidad de Ensemble XXI empezó en el preciso instante en que invité a una flauta a participar en nuestra clase de conjunto de guitarras. Luego siguieron un violín, un contrabajo.... Ahora mismo está compuesto por guitarras (en 4 voces), flauta, violin I, II, viola, cello, contrabajo, clarinete, trompeta, voz y percusión.
Para mi, ahora mismo, no tendría sentido pensar en un conjunto de sólo guitarras. La magia y la originalidad de Ensemble XXI empezó en el preciso instante en que invité a una flauta a participar en nuestra clase de conjunto de guitarras. Luego siguieron un violín, un contrabajo.... Ahora mismo está compuesto por guitarras (en 4 voces), flauta, violin I, II, viola, cello, contrabajo, clarinete, trompeta, voz y percusión.
Con esta formación me siento muy cómodo, he adaptado y especializado mi escritura en este sentido. Es fascinante para mi como compositor trabajar y experimentar con esta diversidad tímbrica, pero, sobre todo, lo más importante, es el gran valor pedagógico que está aportando.
Ensemble XXI
Prestigiosos músicos de talla mundial como Roland Dyens, Andrew York o Joaquim Clerk han destacado tu labor en este campo. ¿Puedes hablarnos de tu relación con algunos de ellos?
Son grandes personalidades que han dejado una huella imborrable en nosotros, de cada uno de ellos hemos aprendido cosas diferentes que estoy seguro están escondidas en cada uno de nuestros conciertos.
"Es fascinante para mi como compositor trabajar y experimentar con esta diversidad tímbrica, pero, sobre todo, lo más importante, es el gran valor pedagógico que está aportando."
Acercándonos más al mundo profesional, ¿puedes recomendar algunas obras de conjunto de guitarras por su especial relevancia, antiguas o modernas, que quizá no sean suficientemente conocidas?
Yo animo a cada profesor a buscar en este apasionante repertorio...pero especialmente le pediría que no se conforme con utilizar sólo guitarras, que invite a otros instrumentos a sus clases, a veces puede ser tan sencillo como sustituir o doblar lo que hace la 1ª guitarra por una flauta o la 4ª por un cello o un contrabajo en pizzicato...
¡Estoy seguro que le encantará el resultado!
¡Estoy seguro que le encantará el resultado!
¿Conoces las agrupaciones Niibori? ¿Qué te parece su forma de afrontar la educación en base a los conjuntos?
Pues aunque no las conozco en profundidad, naturalmente me parece muy bien agrupar tantas guitarras...pero quizás sean demasiadas, yo me inclinaría más por añadir otros instrumentos para aplicar el mismo método.
¿Qué habilidades reconoce como imprescindibles para hacer un buen papel como integrante de un conjunto? ¿Y cuáles como director del mismo?
Para ambos diría que hay que amar la música, eso es fundamental y para un director: ser paciente, perseverante y tener "mano izquierda" para tratar con los miembros de tu grupo.
¿Cuáles son los principales beneficios de pertenecer a una agrupación, en general, y a la agrupación de guitarras en particular?
Tiene un gran valor pedagógico. Para mis alumnos de guitarra, en concreto, se les da la posibilidad de trabajar con otros instrumentos y sentirse dentro de una pequeña orquesta.
Gracias a Ensemble XXI hemos trabajado con grandes maestros del mundo de la música, grabado 6 discos, interpretado muchos conciertos, viajado mucho, conservatorios de diferentes países también utilizan nuestro repertorio....en fin, cosas que yo nunca hubiera imaginado cuando empezamos y que me han enriquecido como docente y como persona a un nivel muy profundo.
Gracias a Ensemble XXI hemos trabajado con grandes maestros del mundo de la música, grabado 6 discos, interpretado muchos conciertos, viajado mucho, conservatorios de diferentes países también utilizan nuestro repertorio....en fin, cosas que yo nunca hubiera imaginado cuando empezamos y que me han enriquecido como docente y como persona a un nivel muy profundo.
Podéis ver más información acerca de José Antonio Chic y Ensemble XXI en su web http://www.guitarinensemble.com/ Allí encontraréis partituras, audios y mucha información sobre ensembles.
Entrevista con José Antonio Chic (I)
Por Fernando Bartolomé Zofío
Septiembre 2011
José Antonio Chic es un artista polifacético que tiene destacadas facetas como profesor, instrumentista, compositor y director. Es el creador del grupo Ensemble XXI, un ensemble compuesto principalmente por guitarras pero con el que colaboran otros instrumentos de todas las familias, con el que ha grabado seis discos y con el que ha tocado por todo el mundo.
Roland Dyens, Andrew York o Ricardo Gallén, entre otros, han elogiado la calidad de sus composiciones. Su música para agrupaciones de guitarra es utilizada por diferentes centros educativos de todo el mundo, de forma que es una de las figuras que mejor nos puede hablar acerca de los ensembles y sus particularidades.
¿Cuál es el lugar real que tiene hoy en día la música de grupo para guitarras?
Pienso que cada día es más popular y se valora más como recurso pedagógico, a ello ha contribuido la inclusión de la Clase Colectiva como asignatura obligatoria prácticamente en todos los Conservatorios del mundo.
Pienso que cada día es más popular y se valora más como recurso pedagógico, a ello ha contribuido la inclusión de la Clase Colectiva como asignatura obligatoria prácticamente en todos los Conservatorios del mundo.
En la legislación actual, LOE, la música colectiva tiene un papel fundamental. ¿Crees que se refleja en la realidad de los conservatorios?
Dependerá del grado de implicación y el interés que quiera darle a la materia el profesor. Yo creo que es una oportunidad única para dotar al alumno de una motivación extra para disfrutar de la guitarra y de la música y que nuestro deber como docentes es aprovecharlo.
¿Cómo es una sesión de conjunto con José Antonio? ¿Hay una estructura predeterminada? ¿Existen diferentes roles dentro de los integrantes del grupo?
Siempre pienso que tengo delante un grupo de jóvenes que se están relacionando entre sí como personas. Procuro crear un ambiente distendido, de confianza, donde prime el respeto por el trabajo de los demás, por insignificante que pueda parecer en cuanto a su aportación al conjunto. En el grupo, los componentes con el paso de los años, van asumiendo cada vez más responsabilidad acorde a sus posibilidades y se crean lazos de amistad que yo intento fomentar con todo tipo de actividades extramusicales que creo que pueden contribuir a cohesionar al grupo.
Creo firmemente que el hecho de hacer música con gente con la que te sientes bien, a gusto y feliz, contribuye de una forma decisiva en el resultado final.
Creo firmemente que el hecho de hacer música con gente con la que te sientes bien, a gusto y feliz, contribuye de una forma decisiva en el resultado final.
"Me interesa sacar el máximo rendimiento general, sin forzar técnicamente al alumno para que pueda disfrutar sobre todo haciendo música. Para eso ya tenemos la clase individual."
¿Se trabaja la técnica, en su más amplio sentido de la palabra? ¿De qué forma?
Se trabaja la música, que siempre implica el uso de la técnica. En mis clases de conjunto procuro que el nivel técnico sea muy asequible para cada alumno, para podernos centrar sobre todo en los aspectos musicales propios de cada obra: interpretación, compenetración, expresividad...etc...
Me interesa sacar el máximo rendimiento general, sin forzar técnicamente al alumno para que pueda disfrutar sobre todo haciendo música. Para eso ya tenemos la clase individual.
Se trabaja la música, que siempre implica el uso de la técnica. En mis clases de conjunto procuro que el nivel técnico sea muy asequible para cada alumno, para podernos centrar sobre todo en los aspectos musicales propios de cada obra: interpretación, compenetración, expresividad...etc...
Me interesa sacar el máximo rendimiento general, sin forzar técnicamente al alumno para que pueda disfrutar sobre todo haciendo música. Para eso ya tenemos la clase individual.
En las sesiones, ¿hay tiempo para ver cuestiones teóricas y para análisis?
En mi caso, siempre trabajo con mis arreglos y obras originales, y no me planteo hacerlo explícitamente.
Lo que ocurre es que conforme vamos trabando y descubriendo la obra yo les doy toda la información sobre la estructura o construcción de la misma que creo que puede serles útil para entenderla y disfrutarla.
Lo que ocurre es que conforme vamos trabando y descubriendo la obra yo les doy toda la información sobre la estructura o construcción de la misma que creo que puede serles útil para entenderla y disfrutarla.
[Continúa en una 2ª parte]
Podéis ver más información acerca de José Antonio Chic y Ensemble XXI en su web http://www.guitarinensemble.com/ Allí encontraréis partituras, audios y mucha información sobre ensembles.
LAGQ
Entrevista para el City newspaper.
Febrero 2009
