El Curso Internacional de Música Ex Corde va dirigido
a todos aquellos estudiantes de guitarra que deseen acercarse al instrumento de
forma multidisciplinar, abordando su estudio e interpretación desde el análisis
profundo de la partitura y el repertorio, hasta el perfeccionamiento técnico e
interpretativo.
OBJETIVOS Y PLANTEAMIENTO DEL CURSO
El “Curso Internacional de Música Ex Corde” nace con
la idea de crear un espacio musical diferente donde abordar el estudio de la
guitarra y su repertorio desde un punto de vista analítico, técnico e
interpretativo distinto.
Para ello se plantean distintas materias que
procuran abarcar todas las perspectivas pedagógicas en lo que al estudio del
instrumento se refiere. De esa manera, todos los alumnos cursarán las
asignaturas detalladas a continuación:
The mission of
the Lanciano International Guitar Seminar to promote high-level solo and
ensemble/chamber music training for guitarists. Internationally renowned
professionals will teach master classes for soloists and ensembles during the
six days of the Seminar. A final concert featuring selected participants in
solo and ensemble performances will conclude the event.
The benefits of
successful chamber music experiences are enormous, especially for
instrumentalists who devote so much of their time and efforts to solo pursuits.
Moreover, chamber music skills are necessary to be competitive in the music job
market. A full-immersion guitar education week gives the opportunity to share
new ideas, contacts and experiences. Also, it enhances the development of new
collaborations.
Another
important goal of the Lanciano International Guitar Seminar is to
promote international cultural exchanges between Italian and
international guitarists and institutions.
We are in need of good musicians and good composers who love music. We are in need of musicians who have a personal brand and with new ideas and perspective about music. If we have the good fortune of having someone who also focus her attention on guitar we are in absolutely luck. And I’ve found this person in Clarice Assad.
As we can read in her webpage she is versatile, sophisticated, and accomplished, Clarice Assad is a sought after composer, pianist, and vocalist of musical depth and ability. Her music embraces a wide variety of styles, including her own original musical concepts.
I also could add she is a natural born musician who fell in love with music from a very young age, with a very wide range of musical influences, among them improvised music, Brazilian music or contemporary music, in very different timbres combinations and with a deep knowledge of music and instruments matters.
So, we are talking about one of most interesting musicians of the world on her own merit. Those of you who are trying to make a connection because of her surname between she and the Assad brothers are right. She is the Sergio Assad’s daughter, so we can make sure Clarice knows something about guitar and guitar ensembles.
She enjoys music and she express naturally as she said me on the interview: I made music because I loved it from a very young age.So it was a natural step for me to improve my skills in order to express myself better.
The poor violas and cellos always at the side of the violins during so much time and now it comes Suite for lower strings, composed by you for violas and cellos with violin accompaniment. It represents a twist in history. Don’t you think so?
Within these standard types of ensembles, usually the lower strings really don’t get that much attention... But, due to the high level of playing from every section in the orchestra I work for (New Century Chamber Orchestra), we thought about playing with the idea of switching roles, and we had a lot of fun with it.
Maybe this type of twist is happening with guitar in solo and ensemble context. So much time as a solo instrument in classical circles but rarely important on chamber music, or playing a secondary role, the guitar seems to stand out in ensembles context. Why do you think this is happening now?
It's a tricky question! But I think there is much more room in the classical music scene for the violin to act as a solo instrument. It is a solo instrument by nature; and historically, there has been much more music written for the instrument with this in mind. Think of all the sonatas, concerti, etc that were written for the violin vs. for the guitar.
There are many reasons why the guitar has fallen into its own special category. For example, the guitar is a soft instrument, easily covered by others, and not an easy instrument to write for.
Also, because the guitar has a tradition of having an 'accompaniment' role, it probably has made it even more difficult for it to thrive as a soloist instrument alone, because it can do much more than just play a solo line above other instruments.
Also, we live in a time that is filled with spectacular musicians, full of talent and who are all deserving to have solo careers, but the truth is that it is not possible to have that many soloists. This is the case with many other instruments, not just the guitar. I think that many violinists who start playing at a young age and end up going to school for it, are trained to become soloists, but not all of them end up making it as soloists and many times, this has nothing to do with their capabilities of delivering.
So, what happens after the school dream is over and musicians are out on their own trying to make a living? They unite. They create groups, they create projects, they find outlets for their music to be played and heard. And form that, I think, come the various combinations of instruments and ensembles. Even though the reality of how many of these groups are formed is harsh, in the end, I believe it to be a great thing - We are then forced to come up with creative combinations of instruments, ensembles, colors and ways of making music which were not possible before. This can only enrich the musical world.
When you compose a work, do you have in mind the characteristics of specific musicians or do you prefer to think only in music matters? When I am commissioned a piece by a group or a soloist, I always think about them first.Who are they? What would they like to say? The music becomes the result of an encounter between us.To me, this makes all the difference in the world, because it is the musicians who will go out there and perform the work.They need to feel very connected to what they are playing; they need to embrace the music.
You belong to one of the most important musicians’ families in the world. Your father, Sergio Assad, your uncle Odair, but also your grandfather was a good musican… Can you tell us how did you introduce into the musical world? When did you think of becoming professional musician?
I think it is a calling.And I think we all had it.My grandfather Jorge for instances, even though he was never a professional musician, his entire life revolved around music.And he passed his passion onto his children (all of them) and grandchildren (all of us are very musically inclined)
I was writing an article on how to introduce kids into music and I tried to make clear the importance of create the right environment for the kids. Aside of the technical matters, having a good teacher is really important, what it counts when you are so young is the support, in all senses, of the family and the people around you. What about you? What did it count the most for you?
In my case, what was ‘unusual’ is that I didn’t get pushed to do anything.I made music because I loved it from a very young age.So it was a natural step for me to improve my skills in order to express myself better...Support came in the form of opportunities.For example, my mother Celia moved our family from the suburb to the city so that I could get better piano teachers... Later in my life, I was given the opportunity to study in a very reputable institution in the USA, thanks to my father Sergio and his wife Angela.So yes, support is essential and come in very different ways...
Aside from the composer role, you are an accomplished pianist and singer. What do you think chamber music can do in musical education of a student?
I’ve never really had formal chamber music training in the classical sense.But I had experience in jazz ensembles while at school, which were very valuable to me.But the time when I had the most amazing experience within an ensemble was in Ann Arbor, when I participated in an all improvised ensemble.We really had to be tuned in and listen very carefully to each other in order to make music in the moment.It was very liberating for me.
Ann Arbor is the name of the city where I went to school , it's in Michigan, and it’s SO COLD !!!
But the teacher there was Ed Sarath - AMAZING improvisor and teacher - played from his heart; had lots of experience creating music on the spot.
This whole notion of totally improvised music is not new, but I think it's more popular now than ever. I see there are many groups that specialize themselves in improvisation, and put on concerts that are improvised from beginning to end. It is not easy listening, but it can be an incredible experience for the listener -and for improvisors, even more!
You are the principal staff arranger for the New Century Chamber Orchestra, and the responsible for most of the orchestra’s musical arrangements. How do you construct the arrangement process? What things do you recommend to make a good arrangement?
To make a good arrangement, I recommend that we have an open mind and that we love the music we are arranging and if we don’t... We find a way to do so!
Well... It helps that I love NCCO and I am so proud to be their staff arranger.I think of arranging the same way as I think of composing.Even though the music is there, you are still creating something new out of what already exists.This compositional approach leads me to explore more possibilities all around.In the way I can use the instruments, the musicians, etc.
Do you keep a place for improvisations on your compositions?
Sometimes. And I am starting to incorporate this more and more into my music as a whole.
Do you think improvisation should be present in the musical education training?
Yes, absolutely.I think that for the most part, musical improvisation is very organic, and something we all know how to do instinctively when we are young.But, as we get older we tend to become more self conscious and lose the ability to express it... I think that making improvisation part of musical education training would engage students in thinking of a more organic approach to music and their instruments.
I think one of the best options for the guitar is to play in quartet ensemble. There are a lot possibilities and combinations of timbres, counterpoint, dynamics, etc. and little by little this ensemble is becoming a standard one. Your contribution to guitar quartets is Danças nativas and Bluezilian, comissioned by Aquarelle Guitar Quartet and LAGQ. Did they give you some suggestion or they give you the liberty for doing what you wanted? What did you learn in the process?
Yes, there are many possibilities yet to be discovered! I had carte blanche to write anything I wanted on both occasions, and I did learn a lot in the process.
But here’s a funny story... Bluezilian was never really an officially ‘commissioned’ work.There was a possibility of writing an encore piece for the LAGQ when they were considering the idea of doing an all Brazilian-American program tour, but for some reason, the project never took off and they never premiered the piece.
One day, a member of the Aquarelle Guitar Quartet asked me if I had anything for quartet; that they’d like to play something of mine.I sent them Bluezilian and they recorded it.Then lots of people started playing this piece, there were some interesting versions of it on YouTube, such as an arrangement for marimbas.How random is this, that a group of Chinese students would pick up this tune and arrange it for marimbas? Makes me smile...
Anyway, later on, Aquarelle commissioned Danças Nativas, and we got a Latin Grammy Nomination for it, which is really cool.I’d love to write them a concerto someday.
The “Album de retratos” work is composed for 2 guitars and symphonic orquestra. For such a work like this in which the orquestra has a very active role I suppose that it was necessary micros to amplify the guitars. If so, ¿how did Sergio and Odair do?
The guitars are very soft instruments and can be easily covered.I think that in a symphonic context, the best solution is to amplify the instruments.Even when amplified, balance problems can still exist depending on how the orchestration is done.There are very few problems in the concerto I wrote for the duo because I was highly aware of the many problems we could have and did my best to avoid all of the tempting traps. I think my father and Odair enjoyed performing the piece because they were able to hear the orchestra and themselves very well through most of the concerto.
Let’s talk about composition. Do you have some type of routine in the creation process? Do you use the piano for composing? Do you write on paper or prefer a score editor?
When I am working on a new work, I like to devote my full attention to it.It becomes an obsession to me... I can work without a piano, especially if it is on an idea that already started in my head before I touched the instrument.I prefer recording myself sing (or play) what I have in mind and then transcribe the recording to a score editor.
Many times I will skip the paper altogether, as most of the arranging will be done inside of the computer anyway.I occasionally use paper when I think that the music will be corrupted by the midi sounds or rigidity, like it was in the case for my piece OBRIGADO, for string quartet and mandolin.
Here I’ve collected the pieces I’ve found for different guitar ensembles. Is it complete?
Danças Nativas (2008) For Guitar Quartet. 12 mins. Commissioned by the AQUARELLE GUITAR QUARTET Bluezilian (2004) For Guitar Quartet c. 5 mins. Commissioned by the LA GUITAR QUARTET Brasileirinhas (2005) For Guitar Duo c. 10 mins. Commissioned by the ETERNA DUO Valsas do Rio (2001) For Guitar Duo c. 8 mins. Commissioned by Robert Margo & Byron Fogo Mercador de Sonhos (1993) For Guitar Duo c. 6 mins. Three Sketches (Two Guitars + Violin) Three Balkan Dances (Solo Guitar + Flute) Flutuante (Guitar + Bb Clarinet) Quebra-Queixo (Guitar + Piano) Suite Back To Our Roots (Two Guitars + Percussion + Piano)
Yes! So far:) But soon we will have more! There’s the two guitar concerto and I am being commissioned to write a new solo guitar concerto, plus there will be the 6 miniatures for the 6 guitarists who won my Call For Guitarists Competition this year. So, lots of cool stuff happening! :)
De Ozzy
Osbourne a Leo Brouwer. La creación multicultural.
Por
Fernando Bartolomé para MGE
Para
los que no conozcan al personaje que hoy traemos a MGE diremos solo que es un
destacado compositor de la actualidad que ha compuesto obras significativas y
que ha llamado la atención de parte de los mejores artistas del mundo, entre
ellos LAGQ. Para ellos ha compuesto
dos de sus piezas más representativas, Cumba-Quin y una segunda pieza para
cuarteto de guitarras, Yambe, que
acaban de estrenar LAGQ.
Grandes
figuras de la interpretación como DenisAzabagico Arturo Sandoval
también han sido beneficiarios de su música y todos podemos ahora disfrutar de
su personal modo de entenderla, con influencias multiculturales que se aprecian
en su riqueza rítmica y en sus caleidoscópicas melodías.
CarlosRafael Rivera
es, además de guitarrista, conferenciante y profesor, compositor residente de
la Orquesta Sinfónica de Miami desde
2011. Su relación con la música desde pequeño es bastante curiosa y en sus
inicios Ozzy Osbourne le dio la
pista para conocer a Leo Brouwer y
así empezó todo. Hablamos de todo esto en la entrevista
Tu
primer contacto con Brouwer fue cuando escuchaste Diary of a madman de Ozzy Osbourne. A partir de ese momento
¿quisiste tocar la guitarra o quisiste componer cosas como esas? Sería curioso
que empezaras tu carrera con un plagio…
Si - mi primer contacto con Brouwer fue “Diary of a
Madman” – aunque eso vino unos meses después de comenzar a estudiar la
guitarra…
Comencé en Panama tocando guitarra clásica como por
seis meses – aprendí unas cuantas escalas, etc.Pero a través de mi hermano, y su pasión por Ozzy Osbourne, descubrí la
guitarra eléctrica, específicamente al guitarrista Randy Rhoads.Desde ese momento comencé a practicar día y
noche, tocando la música de Black Sabbath, Iron Maiden, Judas Priest, AC-DC -
obvia y puramente Rock.La idea de
componer música era una de curiosidad, pero no nació en mí hasta que aprendí el
requinto de “Revelation Mother Earth” del disco “Blizzard of Oz.” Me tomó unos dos años desde que lo escuché por
primera vez, hasta que la aprendí nota por nota – y en ese mismo momento sentí como un vacío, una necesidad en
crear algo que fuese mío y no de otra persona.
Brouwer,
la primera vez que le conociste, te dijo algo así como “tira pa’lante”
refiriéndote a tu carrera. Dejando al lado el aspecto técnico, que se
sobrentiende ¿qué tiene que tener un compositor para ganarse un sitio en los
oídos de la gente? La verdad es que no se pero siento que las piezas
que encuentran una audiencia tienden a resonar no solo con la audiencia, sino
con los músicos que las interpretan.La
música no es solo bella para el oído, sino también para los ojos – luce bella
en la página.Cuando compongo, siempre
pienso en cómo atraer al interés de los intérpretes, conjunto a la audiencia.
Leo Brouwer
Raven
dance
fue una obra escrita para el Cavatina duo,
con Denis Azabagic y Eugenia Moliner. ¿Cómo fue tu colaboración con ellos?
Fantástica.Ellos me dieron a escoger la pieza para hacer el arreglo – de allí
intente expresar un tono agresivo y muy visceral, como de inevitabilidad.La parte de la guitarra tiene bastantes
retos, como la de la Flauta, pero es una de mis piezas favoritas, ya que la
forma hace perfecto sentido, y también siento que una vez que los músicos hayan
aprendido sus partes, les darán ganas de tocarla.Denis y Eugenia me daban sugerencias mientras
la estaba componiendo.El proceso de
colaboración es mi parte favorita, ya que aprendo algo sobre los gustos de los
músicos con los cuales trabajo.
La
maja y el hechicero
fue escrita para flauta y guitarra, y también para el Cavatina duo. ¿Puedes hablarnos de ella?
Fue escrita específicamente para mi recital de
Maestría en Composición.Fue una obra
exploradora, de contrastes, bailes y misterio.El clímax del final fue mi parte favorita de componer, y siento que aun
hoy es una sección muy efectiva.
Otra
obra es Tantra, escrita en 2008 para
Guitar Ensemble/Octeto en la que haces referencia a la continuidad, al
simbolismo e sensualidad de esta tradición hindú. Es completamente distinto a
las obras que había escuchado de ti anteriormente. ¿Puedes contarnos algo de la
obra?
La obra fue una comisión de una iniciativa del
estado de Nuevo Méjico – Es una obra escrita con el propósito de presentar a un
novicio el idioma de la música modernista, continuos cambios de compás, y el
sonido grande de la guitarra en conjunto.El titulo, aunque provenga de la tradición hindú,no fue nada más que una palabra que me
gustaba, y fue elegida mucho antes de que yo supiera su significado o
inferencia.A mi me parece muy rockera
de cierto aspecto, ya que los estudiantes (hasta ahora) se han entusiasmado
mucho durante el proceso de aprendizaje.¡Es súper-divertida para mí!
En
algunas piezas que he escuchado como Estudio 1, Cumba-Quin, Whirler of the
dance, corrígeme si me equivoco, puedo atisbar algún nexo común que podríamos
decir forma parte de tu estilo: acentos desplazados, evitando la regularidad,
ritmos vivos, de danza, cambio continuo de compases, el intervalo como punto de
partida algunas composiciones, el pequeño motivo que se va extendiendo…
Siguiendo con el atrevimiento, quizás veo influencias de Brouwer, Carlevaro o
Villalobos. ¿Cómo te describirías como compositor ycómo describirías tu música, si es que se
puede generalizar?
Todo lo que has mencionado es cierto – El ritmo
tiende a ser mi punto de partida.Siempre siento que si puedo encontrar un balance visceral entre el ritmo
y la armonía, estoy bien encaminado.Pero mas que ritmo o armonía, lo MAS importante para mi es la línea
melódica.Toda mi música (o por lo menos
la mayoría) es lineal, o sea horizontalmente concebida, con la armonía tomando
un segundo lugar mas consecuencial como producto del contrapunto.Aparte de los compositores de música para
guitarra, siento una gran influencia en la música de Stravinsky, Copland, John
Williams, y Radiohead.
¿Qué
música escuchabas hace 20 años? ¿Qué música escuchas ahora?
Hace exactamente 20 años estoy segurísimo que estaba
escuchando la música de Pearl Jam y Soundgarden, como toda la música del
movimiento de “Grunge” de Seattle, Washington.También fue exactamente la época en la cual me interesé seriamente en
estudiar la guitarra clásica y unos años mas tarde, la composición.
Ahora no consumo música a la misma velocidad que en
esa época, ya que con los años las curiosidades se doman, o domestican.Y lo que mas me encuentro haciendo estos días
es luchar para mantener alto mi nivel de curiosidad.La mejor ayuda sin duda han sido mis
estudiantes, que siempre están en “la onda” de lo nuevo y lo bueno.Ahora busco buenas voces, o interpretes como
Ray LaMontagne, Sleeping At Last, y Chavela Vargas (a quien descubrí hace unas
semanas – aunque debí de haberla descubierto hace como 42 años), y sin duda la
música popular me afecta grandemente - “Fitzpleasure” de Alt-J es una obra
maestra para los audífonos.También me
gustan muchos los colores de la música de Alexandre Desplat.
Has
sido guiado o aconsejado de alguna manera por el compositor Randy Newman. ¿Qué
has aprendido de él?¿Has hecho
incursiones en el cine?
Randy Newman
Conocí a Randy Newman a través de un programa de tutoría
de la Universidad del Sur de California.Nunca espere que me diera más de unos 15 minutos de su tiempo, y sin
embargo nos hemos llegado a conocer bien, y aun después de siete años desde mi
primer encuentro con él, siempre acudo a su buen consejo cuando estoy trabado
en una pieza, o sobre aspectos profesionales.En las pocas incursiones en el cine que he hecho, he trabajado con el
muy pero que muy talentoso Rob Legato, quien había escuchado mi música para
orquesta y pensó que podría hacer un papel en el mundo del cine. También he
trabajado con Scott Frank, y de vez en cuando vienen oportunidades en ese
mundo.Pero lo que he aprendido a través
de los años es que el enfoque tiene que mantenerse en un solo objetivo, por lo
menos por una buena cantidad de tiempo.Eso es lo que me ha llevado a tener el honor de esta entrevista, por
ejemplo.
¿Cómo
es tu trabajo como compositor residente para la Miami Symphony Orchestra? ¿En
qué consiste eso de “compositor residente” para los que estamos despistados?
Desde que termine de componer el “Concierto de
Miami” para Arturo Sandoval y la Miami Symphony Orchestra, la experiencia fue
tan fantástica, que la residencia con la orquesta parecía como el paso lógico
de seguir.Acabo de terminar una pieza
que se llama “PizziCuban Polka” para el concierto de este enero pasado, en la
cual tocó el flautista Nestor Torres.Mi
trabajo consiste, aparte de escribir una pieza al año para la orquesta, en ser
un embajador de la orquesta para la comunidad.En toda oportunidad hablo sobre la orquesta y su importancia en esta
gran ciudad de Miami.También preparo
los Podcasts de cada programa, las cuales se diseminan a través de nuestros
medios de red sociales.Es un sueño para
mi tener una plataforma en la cual yo pueda expresarme a través de la orquesta
– esto sin duda me ha hecho crecer mucho pero mucho como músico.
Cumba-Quin.
Es una obra escrita para LAGQ hace 10 años que no ha perdido nada de su frescor
inicial. Es como una especie de danza llena de vivacidad, con gran colorido
tímbrico, desplazamiento continuo de acentos y con grandes aportaciones de la
guitarra como instrumento de percusión. ¿Puedes hablarnos de la obra, forma,
percusiones, motivos?
Muchas gracias por el complemento.Hay tanto que decir sobre la pieza que
requeriría una charla de una buena hora.Pero en si, la música esta basada en música Afro-Cubana, con la Clave al
epicentro.El motivo melódico retorna al
final, en otra métrica. Es una pieza seccional, que de alguna manera se siente
conectada.Hay referencias al himno
nacional Cubano, a melodías populares y Afro-Cubanas.Definitivamente fue atrevido intentar a que
las guitarras se usaran como claves, cascaras y congas – y de alguna manera mas
o menos funcionó.
LAGQ
Tienes
un nuevo encargo para hacer una nueva obra para LAGQ, llamada Yambe. ¿La has terminado ya? ¿Tenías
algún tipo de indicación por su parte? ¿Puedes adelantarnos algo sobre ella?
Me siento muy afortunado en tener la oportunidad de
escribir una segunda pieza para un grupo tan fenomenal como el LAGQ.Ellos están confiando en mí y me han dado carte blanche en el proceso de
creación.Aunque tenía que ser una obra
basada en música Afro-Cubana.Aparte de eso,
campo libre.La acabo de terminar, y
vamos a ver que tal le va.De cierta
manera hubo una presión en tener que componer algo al nivel que Cumba-Quin alcanzó.Pero en si, nunca es productivo fijar “la
importancia” de una obra en un futuro ficticio. La verdad, es mejor hacer el mejor trabajo
posible, y dejar que el destino y las audiencias decidan.Siento que salió bien, o por lo menos está
bien escrita.Que sea buena, mala,
popular, etc. esta fuera de mi poder.
¿Cómo
es tu relación, en este caso con LAGQ, cuando les presentas la obra? ¿Trabajas
previamente con ellos algún día? ¿Se suelen producir cambios después de
presentada?
Acabo de tener mi primer ensayo con ellos a través
de Skype.Yo estoy e Miami y ellos en Los
Angeles.Esto fue súper súper increíble
como experiencia.Pude ver y escuchar su
interpretación, lo cual me llevo a hacer algunos cambios, etc.Y sí, siempre se puede mejorar la obra.Lo que llega a parar el proceso de
refinamiento es que se tiene que presentar.A ver que tal le va a la pieza.
¿Qué
pides a los ensembles para los que compones en tus obras? ¿Les das ciertas
indicaciones? ¿Es importante que sepan determinadas cuestiones del carácter,
historia, detalles?
Hasta ahora, nada especifico.Ha sido en toda comisión un proceso muy
orgánico.Al final uno puede aportar lo
que piensa sobre su obra, pero los intérpretes siempre encuentran una manera de
reinterpretar y hasta mejorar lo que uno concibe como la manera correcta.Por ejemplo, Whirler of the Dance tiene un tempo indicado mas lento en el
movimiento final que ninguna grabación que he escuchado.Denis Azabagic fue el primero en grabarla, y
su tempo mucho mas apresurado se convirtió en el estándar de interpretación.Yo sin duda creo que mejoró la música.
Has
hecho algún estudio sobre Michael Hedges. ¿Crees que su aportación es única
debido a su revolucionaria técnica y tímbrica, o hay algo más en sus
composiciones que le han hecho ya una leyenda?
Un poco de ambos
El
silencio es un elemento fundamental en la comunicación. Tanto como lo es el
sonido. John Cage lo expuso al mundo de una forma radical. ¿Qué valor le das a
esta figura de la música?
Siento que la filosofía detrás de la música de Cage
es lo que importa.Me encanta lo que
Cage representa como compositor.
Cada
compositor es un mundo aparte en el proceso creativo. De Enrique Blanco, gran
compositor y pedagogo español, aprendí miles de cosas y una de las más
importantes es que lo que funciona es lo correcto. La forma de hacerlo no
importa tanto. En tu caso ¿Cómo afrontas la creación de una nueva obra?
Rutinas, hábitos, tiempos, objetivos…
En los últimos años la fecha de entrega ha
estimulado mucho el proceso creativo.Tener una fecha terminal de entrega añade un nivel de presión que
deshecha toda pretensión de procastinación, ya que esté a donde esté, tiene que
entregarse – y eso ayuda mucho a ser mas pragmático y eficiente con el tiempo.
Carlos Rafael Rivera
¿Tienes
distintos procedimientos para componer para un instrumento solista y un
ensemble? ¿Escribes con instrumento? ¿Ordenador o papel?
Escribo con todos los medios disponibles – La
cabeza, la guitarra, el ordenador, papel, el piano, hasta lo canto, aunque
suene mal.La idea es sacar la idea de
adentro, sea como sea.Encuentro la
variedad muy estimulante al proceso creativo.
The New Mexico Honors Guitar Group presents the world premiere of the new Guitar Ensemble Piece written by Carlos Rafael Rivera called Tantra. It is played by the 70 best classical high school guitarists in the state.
“EnsembleFRETis performance collective founded in 2012 by Buzz
Gravelle, Walter Marsh and Peter Yates. Their concerts feature music, both old
and new, for guitar, mandolin and arpeggione (bowed guitar), in duos and trios,
or in expandable combination with guest vocalists and instrumentalists. Results
range from intimate art-song to massed guitars. Dedicated to expanding the
repertoire for plucked stringed instruments and beyond, every concert features
music unheard-of, written or premiered within the past year. Not your usual
classical guitar repertoire and never your usual guitar concert.”
