Joseph Lilore interview

Joseph Lilore

Six dialogues with guitar and other instruments

Fernando Bartolomé for MGE

Joseph Lilore is the author of over 30 books for publishers such as Warner Bros. and United Artists, as well as working as a musician, composer, and arranger for a wide variety of artists and projects.

The books he wrote include teaching methods for guitar, bass, brass and woodwinds dealing with technique, composition, and improvising.

In this interview we talk about composition, arrangements, ensembles and other interesting things relate with his two last books: “Six dialogues with guitar and other instruments” and "Guitar Chords for the 21st Century"

Why do you have devoted to the composition? Who or what influenced you most?

Composing has always been my main interest as well as the guitar.  As an avid student of music history and compositional process I've endeavored to compose in every genre, from the 14th century to the present.  It was a paper I wrote on the various compositional techniques employed by Beethoven in his "Symphony #7" that led me to understand how I can weave my works together into a cohesive unit.  These techniques are:  precognition, misdirection, expansion and contraction, elemental overlap as well as melodic and rhythmic motivic developments.  This paper, a result of years of work, is available for free on my website josephlilore.com under "Essays".  

“Six dialogues with guitar and other instruments”. Can you talk us about how they came into reality? Do you compose with instrumentation in mind?

The six Dialogues are the result of my desire to compose works for the guitar and various instrumental ensembles where all the players have equal voices throughout - a true dialogue.  I use more than one guitar (2, 3, or 4) in order to use bi-tonal chord groupings as well as certain voicings and movement.

I start with a certain ensemble in mind and write toward that goal.  My main influence in orchestrating this music is Maurice Ravel.   I play each part after I compose to check my work.  I do my own proofreading and editing.

The difficulty of the pieces is fairly high academic level and the preparation of the works can be tricky given the precision required in writing, changes of tempo, measures, and adjustment difficulties. Who are the recipients of these works?

I wrote with the idea of adding to the repertory of ensemble music for professionals, enthusiasts of all levels, and college music majors wanting to collaborate with friends and colleagues in performance, recitals, jury exams or just getting together for enjoyment.

Do you have plans for make a recording?

I personally do not intend to put out a recording of the Dialogues.  They can be heard on www.josephlilore.com  as I recorded them - using a combination of computer programs:  Sibelius, Garritan Orchestras and Pro Tools.  It is my hope that some or all of the pieces will be recorded by professional or college level ensembles.  The process took many months of work. It would be rewarding to hear them played by a live group.  They can all be licensed for no cost just by contacting me.  The Scores are available on www.amazon.com.

What does the guitar contribute in chamber groups?

The use of the guitar, and in this case multiple guitars, gives a limitless array of colors from which to choose.  As Berlioz said, the guitar is a "miniature orchestra" providing us with an orchestra within an orchestra.

Can you explain the odds of actually writing for guitar in combination with other instruments?

Balance and equality are of prime concern when combining the guitar with mixed instrumental groupings.  I want my work to showcase the potential and individuality of each member while at the same time fulfilling their role in the total work.  Counterpoint drives my work and creates a platform on which these Dialogues are constructed.

Can you recommend us interesting music for guitar ensemble?

I am a huge fan of the Romero family and the Los Angeles Guitar Quartet.  I find their approach and virtuosity truly compelling.

I know you've published a book with hundreds of chords. What's different with other dictionaries on the market?

"Guitar Chords for the 21st Century" is a dictionary of alternative chords which I based on the way modern composers moved beyond traditional chords.  In this search for new tonal colors, not only have the chords been altered, but the manner in which they move and relate to each other has also been altered and expanded.  Of these 20th Century chord structures, I've selected and fingered the most practical and feasible for the guitar.  There are 308 chord types, each in six inversions, creating a total of 1, 848 C chords.  The root is circled so as they move diatonically up the fingerboard a total of 22, 176 chords are created.

This is a dictionary of "colors" to be used in new compositions or mixed with traditional chords.  They are labeled by the way they are constructed.  For example, CPP⁵ = perfect, perfect 5^th = C, G, D.   A plus sign (+) means I have added a note or notes into the basic chords for added "color".  I recommend everyone insert their own added notes in for countless original chords.  Ex. C PP⁵⁺ = CGD⁺F^#.  I think everyone will find some useful information in this book.

For anyone interested in seeing what I mean, portions of this book are visible by going to my website, josephlilore.com under "Books" and clicking on Preview the book on Google Books.

Future projects…

Currently I'm working on a group of compositions for violin and guitar for one of my previous students who is in a Classical Guitar Master's program.  I am also composing music for an independent film.

Links

Joseph Lilore  

21 First century chords   

Six dialogues…    

 

David Russell. Entrevista

Entrevista a David Russell

El esplendor de la guitarra

Por Fernando Bartolomé Zofío. Julio 2012

Otro de los más grandes intérpretes de nuestro tiempo nos visita. David Russell es un músico que se caracteriza por su gusto musical, por su inmaculada interpretación, por su atención al detalle y por su visión como músico global.
Andrés Segovia, en un alarde de generosidad teniendo en cuenta como se las gastaba,  escribió después de escucharlo en Londres: "Mis felicitaciones por tu musicalidad y tu técnica guitarrística”.

Como solista, ya conocemos su laureada carrera llena de primeros premios en los mejores certámenes internacionales y sus innumerables grabaciones de música de todas las épocas, entre las que se encuentran ya algunas que son referencia indispensable en el mundo de la música como pueden ser la integral de Tárrega, la integral de Torroba o su “Aire latino”, por el que fue galardonado con un grammy.

Pero es que además Russell, quizás no tanto como le hubiera gustado, ha trabajado su aspecto camerístico y orquestal de forma considerable y nos habla de su experiencia.

En una pasada entrevista que tuve con él hace unos años pude comprobar que su capacidad para escuchar y su capacidad de concentración en el objetivo es una de las razones por las que es un gran músico.

Hace mejor a la guitarra y la dignifica. Es el esplendor de la guitarra

Eres un guitarrista mundialmente conocido por tu faceta como guitarrista solista pero en tu carrera ha habido trabajos en colaboración con otros músicos, Raphaëlla Smith, Robert Brightmore o Dennis Milne, y se ha podido comprobar un gran interés por la música de cámara por tu parte. ¿Puedes hablarnos de tus trabajos como guitarrista de cámara con estos músicos? ¿Has trabajado en otros?

Durante la época que viví en Londres, toqué bastante música de cámara con un grupo heterogéneo, fundamentalmente organizado por Dennis Milne. Varios compositores escribieron obras para combinaciones poco usuales de instrumentos y con frecuencia había guitarra. Al vivir en una ciudad grande, es mucho más fácil ensayar con músicos y preparar programas interesantes. También tuve un dúo durante mucho tiempo con una cellista, Andrea Hess. Ahora toco mucha menos música de cámara, en parte porque viajo muchos meses del año y se hace muy difícil preparar programas. En los últimos años toqué con el violinista Daniel Hope y también con un flautista, pero siempre fueron cosas esporádicas.

¿Qué diferencias existen entre tocar música a solo y tocar música en grupo? Con esto me refiero, aparte de las diferencias del contenido técnico y musical, al aspecto actitudinal. ¿Cómo afronta el trabajo a solo y cómo lo afronta en colaboración con otros músicos?

Cuando se toca con otro músico, la mayoría de las veces la guitarra acompaña al otro instrumento o al cantante. Esto hace que uno tenga que adaptarse al fraseo de la otra persona. Hay que aprender a ser maleable, mientras que como solista siento que uno debe tener sus propias ideas muy claras para transmitirlas al público. Yo me considero un solista que de vez en cuando colabora con otros músicos.

¿Cuáles son las características que a tu juicio determinan las buenas condiciones para que un conjunto aproveche al máximo sus condiciones y resulte atractivo y sugerente?

El repertorio es fundamental. La combinación de las personalidades también es importante, ya que garantiza la continuidad del grupo y la cohesión.

Los guitarristas clásicos estamos acostumbrados a tocar a solo y durante la carrera musical, corrígeme si me equivoco, pocas instituciones apuestan por reforzar el aspecto camerístico con la guitarra. Yo tengo claro que el aspecto grupal de la música es un fin en sí mismo con el que se disfruta y se hace disfrutar de una forma especial e incomparable. Pero además de esto, hay un aspecto pedagógico que influye directamente en nuestra visión de la música y en nuestra técnica guitarrística. ¿Qué crees que aportan los ensembles al solista de guitarra?

Cada pedagogo tendrá sus ideas sobre la cantidad de música camerística necesaria para el desarrollo del alumno. Es posible que algunos alumnos tengan mucho más interés en la música de cámara, mientras que otros se sentirán más solistas. En nuestra profesión son necesarios los dos mundos y si uno no sabe tocar en grupo o acompañar con habilidad, no es un músico completo.

¿Qué podemos aprender tocando con músicos no guitarristas?

Se aprende de sus habilidades de fraseo y musicalidad. También nos damos cuenta de la enorme importancia de saber leer a primera vista, que en nuestro instrumento en general suele ser un punto débil, mientras que todos los músicos de orquesta desarrollan esta habilidad a un nivel muy alto.

Dada tu trayectoria discográfica, está claro que tienes un gran interés por la música del Barroco y has hecho un extenso trabajo de arreglos. Sin ir más lejos acabas de grabar Grandeur of the Baroque con música de Bach, Couperin, Weiss y Haendel. En el barroco era muy habitual la interpretación en pequeños grupos en los que se incluían instrumentos de cuerda pulsada. ¿Te has planteado la posibilidad de trabajar en un proyecto de ensembles con otros instrumentos en el que se recree la música de ese tiempo pero con la guitarra actual? Si quieres, de otra manera,  si no tuvieras que atender los compromisos profesionales con diferentes partes, ¿llevarías a cabo un ensemble barroco?

Mi interés por la música barroca viene desde mis comienzos con la guitarra. Es un período de la historia de la música que me satisface enormemente en todos los sentidos.

Si no estuviese viajando tantos meses al año, quizás podría formar parte de algún ensemble, pero con la vida que llevo, no puedo ni planteármelo.

Tuve la suerte de poder entrevistarte hace 10 años en Madrid, tras un soberbio concierto en el Auditorio de Nacional de Madrid y aprendí muchas cosas de ti porque dices cosas muy interesantes. Una de las cosas que más me llamó la atención fue tu capacidad para escuchar atentamente y tu capacidad de concentración para no desviarte de con temas secundarios. Siempre centrado en lo que se estaba tratando. ¿Estás de acuerdo en que la capacidad de escuchar atentamente es una de las cualidades más importantes del músico?

Sí, por supuesto, aunque creo que la capacidad de concentración es la que agudiza esta habilidad. Enfoque y concentración son fundamentales para poder dedicarse a la interpretación delante del público

Las grabaciones son un método invaluable pero hay músicos que las evitan por temor a escuchar demasiados errores, por temor a no gustarle lo que van a oír. ¿Eres partidario de las grabaciones? Hay algunos músicos que dicen evitarlas por el temor a hacer la atención “vaga” ¿Cómo se puede trabajar la audición personal de otras maneras?

Si te refieres a grabar CDs, yo diría que es un mundo muy diferente a tocar en público y yo lo recomendaría a todo el mundo, porque se aprende mucho y se es consciente de las propias habilidades y deficiencias. Al hacer un CD no hay ninguna excusa si la interpretación es débil y uno se debería exigir siempre su máximo potencial.

Si te refieres a grabarse para estudio, yo lo considero un sistema muy bueno para poder escuchar desde fuera nuestra interpretación. El vídeo agudiza nuestra atención y nos exige tocar totalmente concentrados en la obra musical.

Cuando David Russell está tocando, especialmente con otros músicos, ¿cuál es la actitud que toma? ¿Está pendiente de su papel? ¿Está pendiente del conjunto? ¿Se concentra en la técnica? ¿Se deja llevar y disfruta?

Si es un evento profesional, me preparo a conciencia para después poder estar atento a lo que se espera del grupo. Para poder disfrutar, uno se tiene que liberar de los problemas técnicos y musicales, por eso es necesario tener una preparación óptima (estudio previo).

Cuando el resultado no depende solo de uno mismo, ¿se puede dejar llevar con la música?

La mayoría de las ocasiones en que he hecho música de cámara han sido dúos, con lo cual la aportación personal es casi tan intensa como cuando uno toca solo. Es fundamental comentar las propias ideas musicales y en estos casos creo que la combinación de las dos personalidades es quizás más importante que cuando uno es parte de un grupo más numeroso.

Acabo de terminar un libro didáctico con música para cuartetos de guitarra “contemporánea”. Lo entrecomillo porque no se trata solo de música compleja y cerebral de la vanguardia, aunque hay algún acercamiento, sino de música de nuestros días que escuchan los chicos de hoy, como rock, jazz, new age… ¿Por qué hay tan poca gente que toque música contemporánea? ¿Es posible que la aproximación didáctica no sea la adecuada? ¿Es cuestión de falta de material adecuado para un chico de 10 o 12 años o es una cuestión de programaciones académicas inadecuadas?

Yo no puedo opinar sobre esto, porque desconozco las programaciones didácticas del sistema educativo español.

Para finalizar, ¿cuáles son tus actuales proyectos y en qué te vas a centrar en próximas fechas?

Muy pronto tendré vacaciones… Mi mujer (María Jesús) y yo vamos a hacer un viaje a la India para hacer allí trabajo humanitario. Es un cambio radical de actividad y siento que aporta mucho a nuestra vida y la enriquece.

 

ENLACES DE INTERÉS

http://www.davidrussellguitar.com/

ongd david russell y maria jesús

http://www.rsmits.com/

http://www.robertbrightmore.com/

http://andreahess.co.uk/

Karmon Interview

Michael Karmon
Imaginación y equilibrio en la creación

Fernando Bartolomé Zofío. MGE. 2012                                                                                        


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Hoy traemos a MGE la figura de un destacado compositor americano, de origen israelí, que trata de expresar su arte a través de la guitarra clásica, que está presente en toda su música reciente. Podemos encontrar música de alta calidad para diferentes, y sugerentes, grupos de cámara con guitarra. Ha escrito para grandes intérpretes, entre ellos Martha Masters, Azabagic Denis, Hagedorn Joe, Michael Partington, Bolshoy Daniel, Duo Newman y Oltman guitarra, y Duo46. Ha ganado varios premios y becas en los últimos años, y su música se interpreta en todo el mundo.

Nos habla de su música, del proceso de composición, del empaste de la guitarra con otros instrumentos y de mucho más.


¿Cuáles son tus principales influencias en tus composiciones?

La originalidad, la imaginación, la artesanía, y la audacia me inspiran, independientemente de la forma de arte. En cuanto a los compositores se refiere, mis favoritas son Bach, Ravel y Britten. Entre los compositores que viven admiro a John Adams, Steve Reich, y Thomas Ades. De los compositores de guitarra me suelen gustar Takemitsu, Sergio Assad, Dusan Bogdanovic, y hay unos pocos compositores más jóvenes haciendo cosas interesantes también.

Escucho con atención tu composición "Fret vs. fretless" para dos guitarras y cuarteto de cuerdas y la relación entre este tipo de instrumentos es muy equilibrada. Yo creo que no es una nada fácil de escribir. ¿Cómo se obtiene este equilibrio?

El equilibrio es el principal desafío cada vez que una guitarra está involucrada en un grupo mixto, y pienso en eso todo el tiempo cuando compongo. Incluso una flauta puede sobreponerse a una guitarra; y un violonchelo puede fácilmente dominarla. Por lo general, mi solución es escribir una parte completa para la guitarra, pero marcar de nuevo la textura del otro instrumento (s) un poco. Algunos ensembles no gustan de ello porque sienten que el nivel de dificultad de las partes no es el mismo. Pero esta es la única forma que conozco para hacer que la guitarra suene como si fuera una parte importante del conjunto en lugar de una clase de clavicémbalo en el fondo.

¿Puede decirnos cómo compones? ¿Cómo es el proceso para ti? ¿Alguna rutina?

Trato de mantener un horario regular y escribir  de 2 a 4 horas casi todos los días. (Hacia el final de una pieza trabajo más horas.) Para mí, la música ya está ahí, y sólo hay que desenterrarla, limpiarla, y poner juntas las secciones en el orden correcto. (Por supuesto, este proceso puede llevar un tiempo, y a menudo escarbo en el lugar equivocado al principio.) Yo trabajo en una sola pieza a la vez, pero me inclino a trabajar simultáneamente en varias secciones dentro de esa pieza. Esto termina siendo un poco más eficiente e interesante.

¿Escribes con guitarra en mano? ¿Con piano? ¿Sobre el papel?

Tengo un piano y una guitarra disponible cuando compongo. Tiendo a escribir las primeras ideas en papel para luego transferir la música a Finale para el desarrollo. Yo diría que la mitad de mi tiempo lo paso sin ningún instrumento de ningún tipo, simplemente pensando en la música y repasando en mi mente.



Has escrito obras para varios intérpretes y ensembles, como el Cavatina Duo. En el proceso de composición, ¿hay alguna relación entre vosotros? ¿Haces un trabajo de revisión? ¿Tienes alguna anécdota con Denis Azabagic?

Cada vez que trabajo con un intérprete o conjunto trato de escribir música lo mejor que puedo para desarrollar al máximo sus puntos fuertes y personalidades. En las primeras etapas de composición escucho tanto de su interpretación como puedo, y eso me inspira a escribir cierto tipo de pieza. Trabajar con Denis Azabagic fue fenomenal. Es como una roca. En realidad él no cuestionó lo que escribí, y yo tampoco cuestiono la forma en que la interpretó.

¿Cuando está acabada una obra? ¿Puede un intérprete hacer reconsiderarte a hacer algunos cambios o adiciones en tus composiciones?

Sí, por supuesto, un intérprete que encarga una pieza puede solicitar cambios y añadidos, pero esto casi nunca sucede. (Solo hubo un solo caso en el que un intérprete quería amplias revisiones sobre lo que escribí, pero ni siquiera así le gustó la pieza.) A veces hay pequeñas cosas, que como un pasaje que podría ser demasiado difícil o demasiado denso, o demasiado ligero, pero esto generalmente se fija muy fácilmente con sólo unas pocas notas.

Creo que no debería hacer esta afirmación, pero a veces me ha pasado que cuando una obra está acabada y la he escuchado un par de veces me parece que la música puede tener varios cambios que van a mejorar los resultados. A veces añado estos cambios. ¿Te suena familiar esto?

Yo sé lo que quieres decir, pero esto realmente no me sucede muy a menudo. En el momento en que he terminado una pieza la he tocado en el piano, la guitarra, y en mi mente muchas, muchas veces, y es mi mayor esfuerzo. Esto no significa que la música sea maravillosa, y ciertamente no es perfecta, pero no soy capaz de hacerlo sustancialmente mejor.

Por suerte, la guitarra es un instrumento presente en muchas composiciones  de conjuntos contemporáneos. ¿Tiene preferencia por una combinación específica de guitarra en ensembles?

Siento que la guitarra es mejor en situaciones de dúo y trío. Puede ser muy agradable en conjuntos más grandes también, pero actúa más como para dar un color en lugar de ser un instrumento en igualdad con el resto. Me gustaría pensar que un trío de guitarra, flauta y viola sería casi perfecto. Te dan un rango muy bonito de color, tono y textura.

¿Cómo puedes decir a un estudiante, estudiante de guitarra en concreto, la importancia de tocar con regularidad en ensembles? ¿Cuáles son los beneficios que podría tener para estudiante en la música y en el aprendizaje general?

Realmente no se puede ser músico maduro hasta que toque en algún tipo de situación de conjunto. Tú mismo sabes mucho acerca de cómo la música fluye al tocar con otras personas. Y uno aprende a escuchar de forma diferente, lo que realmente puede mejorar su interpretación en solitario.

Enlaces de interés

Obras de Michael Karmon

Artículo sobre composición

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